Mémoire fringante

Pour cela, le tandem a élaboré une structure métallique sur laquelle s’amoncellent les étoffes et surélevant les modèles. Ceux-ci sont alors photographiés dans des lieux qui leur sont chers, au bord de la mer, en rase campagne ou simplement devant chez eux. Au-delà de l’aspect sculptural obtenu par l’effet d’accumulation (une des grandes marottes du duo depuis ses débuts dans la mode), il est avant tout question d’identité, de souvenirs, de transmission… C’est ici un caseyeur breton narrant toute une vie de pêche. Là, une cheffe d’entreprise déclamant son amour pour le triathlon ou encore une jeune fille fière de sa double culture et de ses origines mauriciennes, qu’elle expose du haut de saharis familiaux. « Se vêtir, c’est se montrer au monde d’une manière que l’on choisit, ajoute Florent. Une façon de se créer une amure ou un personnage, d’être soi-même ou pas…».

Miroir textile

Dans le prolongement de ce travail situé à la frontière du documentaire et de l’intime, la série Ostension s’intéresse cette fois aux « émotions fortes » vécues par leurs proches (voire eux-mêmes), « de celles qui les ont marqués à jamais ». Que ce soit une rencontre, « un brutal passage à l’âge adulte », une joie ou une peine, ici reconstitués au fil d’allégories visuelles. Le vecteur de cette mémoire enfouie est ici un mouchoir en tissu, utilisé comme accessoire de mise en scène ou en toile de fond. « Ce petit bout de textile recueille nos fluides quand on est triste, malade, joyeux… il est donc imprégné de souvenirs de toutes sortes ». Et pas non plus avare de beauté.

The post Pierre & Florent appeared first on LM magazine.

As Real As It Gets (c) Thomas Nolf

Une fenêtre vers le ciel

Au gré de ses recherches sur le web, Thomas Nolf a donc rencontré des pilotes de simulateur de vol « un peu plus aguerris que moi », sourit-il. C’est-à-dire des acharnés qui, au joystick et à l’ordinateur, préfèrent les installations du genre monumental et hyperréaliste, avec leurs manches à balai, écrans de navigation panneaux de contrôle et autres farandoles de boutons. « Beaucoup sont même persuadés d’être capables de diriger un vrai avion, assure le photographe. Et certains le pourraient tout à fait ». À l’image de John, 82 ans, rangé des coucous et devenu prêtre. Cet Anglais a reconstitué chez lui, après 14 ans d’obstination, la réplique d’un cockpit de Boeing, augmentée de grands écrans sur lesquels défilent des paysages aériens. L’homme a d’ailleurs prêté à Thomas Nolf son improbable machine, visible à Waregem.

As Real As It Gets (c) Thomas Nolf

En bout de piste

En parallèle, l’artiste s’est aussi intéressé à une autre communauté : celle des “plane spotters”, des amateurs squattant les aérodromes partout sur le globe pour admirer les plus belles carlingues, lors du décollage ou de l’atterrissage. Ce périple l’a emmené de Marseille à Las Vegas, en passant par Maho Beach, à Sint-Maarten, un spot iconique. Située dans les Caraïbes, cette île est dotée d’un aéroport très particulier. Pour cause : sa piste est très courte. Afin de pallier cette bizarrerie, les pilotes doivent voler à basse altitude… en frôlant la plage. « Les avions sont très proches, les touristes se réunissent sur le sable pour en sentir le souffle, c’est vraiment surprenant ». Au moins autant que les photographies de Thomas Nolf, dont les couleurs vives, renvoyant à l’esthétique des jeux vidéo comme à celle du cinéma, traduisent à merveille cet état situé entre la fiction et la réalité. C’est-à-dire pile à l’endroit du rêve.

The post As Real as It Gets appeared first on LM magazine.

En toute intimité

Nés au début du xxe siècle (on les appelait alors “les chambres à 1 yen”), ces lieux se sont développés dans l’archipel à la fin des années 1960, sous le nom de “rabuhos” (ou “love hotels” donc). Désormais, on estime à près de 40 000 le nombre de ces établissements dédiés à l’amour et à l’esthétique indéniablement sucrée, évoquant des parcs d’attractions. « Quelque part, il s’agit aussi de rassurer les jeunes gens avec des codes visuels enfantins, “fun” ». En effet, ces endroits propres à la culture nippone sont devenus incontournables pour les couples (de tous âges) en quête d’intimité, pour quelques heures ou une nuit. « Les Japonais sont plutôt prudes et les rapports amoureux pas toujours bien vécus au sein du foyer familial, souvent de petite taille », explique le photographe français, qui ne pouvait être que charmé par tant de débordements créatifs…

Derrière la façade

Révélé il y a une dizaine d’années avec la série After Party, à travers laquelle il immortalisait les dancings de la France des campagnes, l’ancien graphiste fut tout aussi subjugué par ce drôle de patrimoine, à la fois kitsch et pop. En 2023, il s’est lancé dans un road trip de trois semaines, parcourant en voiture quelque 3 000 kilomètres à travers le pays du soleil levant, à la recherche de sites farfelus, de Tokyo à Kobe, en passant par Nagoya ou Osaka. Sa méthode n’a pas changé : le cliché est pris à bonne distance, suivant le même cadrage et en plein jour « pour faire jaillir les couleurs », mais sans jamais entrer dans ces hôtels. François Prost s’intéresse essentiellement aux devantures des bâtiments, selon lui plus bavardes que leurs intérieurs. « Les façades montrent ce qu’une société est prête à accepter visuellement. Elles parlent du peuple, décrivent ses influences culturelles. Les étudier relève de l’approche sémantique ». Ou comment offrir un peu plus de profondeur à la surface des choses…

The post Love Hotel appeared first on LM magazine.

A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE YASMIN GROSS

The post Yasmin Gross appeared first on LM magazine.

Et la lumière fut

Dans un registre plus joyeux, mais tout aussi iconoclaste, Stayin’ Alive de Julie Glassberg révèle des “seniors” plutôt énergiques, loin de cet habituel regard chargé d’empathie – voire infantilisant. Ses photos montrent le désir, l’amour ou l’envie de s’amuser qui animent des personnes âgées, maquillées et apprêtées pour un bal ou un thé dansant… Au dernier étage du Colysée de Lambersart, l’installation de Mercedes Klausner offre enfin une superbe allégorie de “l’invisibilisation” des femmes. À travers son “filtre magique”, l’Argentine réhabilite des autrices, artistes ou scientifiques effacées de l’Histoire, grâce à un habile procédé. Plongées dans la pénombre, des plaques de verre sur lesquelles la plasticienne a gravé leur portrait attendent d’être éclairées par la lampe de nos téléphones. Ces visages oubliés apparaissent alors sur le mur, jaillissant littéralement de l’ombre pour briller en pleine lumière…

The post Vivantes ! appeared first on LM magazine.

Humanité possédée

D’ailleurs, vous remarquerez que nos malheureux cascadeurs, aussi mal tombés soient-ils, ont tous sauvé un objet dans une main. Ici un verre, là un téléphone ou une raquette de tennis, soit autant de symboles de ce qui a précipité leur effondrement. « Nous accumulons des choses inutiles, imaginant qu’elles rempliront notre existence, mais c’est le contraire qui se produit. Nous pensons les posséder mais en réalité ce sont elles qui nous possèdent », philosophe Sandro Giordano, qui a lui-même vécu l’expérience de la culbute rédemptrice. « Ce projet a débuté comme une blague, après une mauvaise chute à vélo. En tombant, je me suis cassé le poignet parce qu’au lieu de lâcher la barre protéinée que je mangeais en pédalant, je l’ai instinctivement serrée dans la main. J’aurais peut-être pu amortir le choc si je l’avais laissée ». Un mal pour un bien ? Sans doute. « Après l’accident, j’ai commencé à réfléchir au stress qui pourrit notre vie. Si nous nous blessons, c’est que quelque chose ne va pas, notre corps envoie des signaux. Il faut donc tomber pour se relever. À travers mes photos, j’envoie un message clair à tout le monde : soyons prudents ». Bien reçu !

________________________________________

A LIRE AUSSI / L’INTERVIEW DE SANDRO GIORDANO

LA PECORINA (c) Sandro Giordano

The post Sandro Giordano appeared first on LM magazine.

Gueule de bois

Comme à peu près toutes les bonnes idées, celle-ci est née « par hasard ». Un dimanche matin de 2011, François est en balade à vélo avec un ami, quelque part en Bourgogne. « J’avais un peu d’avance sur lui, et me suis retrouvé à l’attendre sur le parking d’une discothèque. On y trouvait des bris de verre, des mégots, des flyers déchirés… soit les vestiges de l’agitation de la veille mais dans un environnement assez bucolique et calme. Le décalage était très fort ». La mélancolie pas loin non plus. « C’est un peu le lendemain de fête, les lumières se rallument, on découvre que la boîte est une ancienne ferme ou un préfabriqué… ». Les excès et la magie de la nuit se sont éclipsés, comme s’éteignent peu à peu les stroboscopes à mesure que les zones rurales se dépeuplent et que la “bamboche” se conçoit désormais en petits comités, chez soi.

Le Niagara, Missillac (Loire-Atlantique), 2014

Boîtes conservées

Selon l’Union des métiers et des industries de l’hôtellerie, on comptait ainsi 4 000 boîtes de nuit dans les années 1980, pour quelque 1 200 aujourd’hui – « d’ailleurs, la moitié de celles que j’ai recensées n’existent sans doute plus aujourd’hui ». Fasciné par « ces décors kitsch, la richesse typographique des intitulés et ces couleurs éclatantes », le photographe entreprend alors un tour de l’Hexagone (et quelques crochets en Belgique) à vélo, en train ou en voiture, avec l’idée d’archiver ces clubs hors du temps, offrant « une sorte de carte postale de la France des parkings, des champs de betteraves et des zones commerciales ». En résulte un ouvrage de près de 200 clichés. Publié une première fois en 2018 chez Headbangers Publishing (sous l’égide du label Ed Banger Records d’un certain Pedro Winter), ce beau livre ressort augmenté de nouvelles images, d’où transpire toujours cette nostalgie sucrée, triste et belle comme un lendemain de fête.

__________________________________________

A LIRE AUSSI / L’INTERVIEW DE FRANCOIS PROST

L’Acropol, Chilly-Mazarin (Essonne), 2013 © François Prost

The post François Prost appeared first on LM magazine.

Comment décririez-vous votre art ? J’aime travailler avec des techniques mixtes et des collages, en mélangeant des photographies avec des illustrations. Mon art combine souvent différentes textures, couleurs et formes, fusionnant le tangible et l’imaginaire. Cette fusion me permet d’explorer de nouveaux récits.

Plus généralement, quelles sont vos influences et sujets de prédilection ? Mes inspirations sont diverses, allant de l’art contemporain au design, des œuvres traditionnelles à la culture pop. J’aime les artistes et les illustrateurs, qu’ils soient actuels ou plus classiques. Je suis également les nouvelles tendances et la mode, les films et la musique sont aussi d’excellentes sources d’idées.

Character Downtown Brooklyn (c) Rafael Alejandro

Vos images font référence aux cow-boys, au basket-ball et au hip-hop… Peut-on y voir un hommage à la culture américaine ? Oui, bien sûr. J’ai vécu entre Miami, New York, le Texas et mes images reflètent les diverses influences culturelles que j’ai connues dans ces lieux.

Comment choisissez-vous vos couleurs ? Vous utilisez beaucoup le blanc, n’est-ce pas ? Lorsque je choisis ma palette, je m’inspire souvent de l’humeur et de l’émotion que je souhaite transmettre dans mon travail. Quant au blanc, je le considère comme un élément essentiel pour créer un contraste et un équilibre dans mes compositions, je n’ai donc pas peur de l’incorporer lorsqu’il renforce l’effet général.

Parmi cette sélection d’images, pouvez-vous en commenter une ? Dans la série sur New York, l’une de mes images préférées est celle où je combine des éléments de mode avec les personnages vibrants en utilisant des couleurs vives. Cette pièce particulière capture l’essence de la vie urbaine, mêlant l’énergie de la ville à une mode expressive. Le contraste des couleurs et la composition dynamique en font une pièce importante pour moi.

The post Rafael Alejandro appeared first on LM magazine.

Il y a beaucoup de ballons dans vos œuvres. Pourquoi ? C’est un symbole de légèreté et de voyage. Je pense que dans ma vie passée j’étais un ballon !

Vos études d’architecture vous ont-elles été utiles dans la composition de vos images ? Elles furent pour moi fondamental afin de comprendre l’harmonie des formes et la géométrie. La photographie et l’architecture constituent un couple parfait.

Peut-on parler d’un style minimaliste ? Beaucoup d’entre nous sont attirés par le concept “less is more”, avec des lignes simples, des motifs géométriques, des ombres claires, des couleurs et des sujets isolés. Parfois ces éléments sont à portée de notre objectif, d’autres fois un peu de manipulation numérique est nécessaire pour supprimer les éléments superflus. La clé est d’évaluer le strict nécessaire. De très bonnes images peuvent être obtenues avec un équipement bon marché. Mais l’essentiel dans ce travail reste l’imagination, les idées. Le cerveau et l’œil sont bien plus importants que la technique. Mes meilleurs clichés ont d’ailleurs été pris avec de petits appareils photo.

(c) Caterina Theoharidou

Que voulez-vous exprimer à travers ces images ? Je laisse le spectateur trouver sa place dans ces compositions sans prétention. Au-delà de ces soleils, croissants de lune noirs ou rideaux pliés, il y a des moments de sensibilité et d’espièglerie. Pour moi, la photographie est aussi un moyen de se découvrir.

Plus généralement, quelles sont vos influences ? Mes images sont inspirées des figures féminines étranges de Brooke DiDonato et des mondes très vivants de Leta Sobierajski.

Quelles seraient vos créations favorites ? J’aime toutes les images photos dans lesquelles le personnage n’a pas de visage, car j’aime créer du mystère et que vous y découvriez avec moi le sens…

The post Caterina Theoharidou appeared first on LM magazine.

De Bruges à Ostende, de Liège à Charleroi, ce Français installé à Bruxelles arpente depuis trois ans les rues du plat pays « en voiture, à vélo et à pied », en quête de ces avant-scènes dadaïstes, saisies avec un smartphone ou un appareil photo. Familier de l’argentique et du noir et blanc, le natif de Haute-Garonne privilégie ici la couleur et l’efficacité du cadrage. « Le principal problème était d’éviter les reflets lumineux ». Les ennuis, aussi. « J’avoue rester peu de temps sur les lieux, mon activité peut paraître louche… ».

Intimité publique

Ces omissions aboutissent à des scènes intrigantes, à l’image de ce renard en peluche sombrant derrière une vitre, ou de ces citrouilles monstrueuses offrant une anachronique ambiance d’Halloween au quartier. Mais le plus souvent, la pose demeure intentionnelle, et cette version ancestrale d’Instagram fait alors cohabiter kitsch et culture pop, patrimoine et histoires personnelles… Bref, tout et son contraire (dans le sillage de Magritte) : une ventouse pour WC appuyée sur un crâne humain, un bouddha à côté d’une licorne dorée, des bataillons de poupées, de pandas…

Si ce petit théâtre de l’étrange témoigne de la fameuse belgitude, savant dosage entre poésie, humour et excentricité, il révèle beaucoup de l’histoire des villes traversées (ces collections de mineurs, de phares) et surtout une indéniable créativité, consciente ou non. « C’est de l’art brut en fait, les Belges sont vraiment des artistes qui s’ignorent ». Imaginée bien avant la crise du Covid et ses confinements, cette série dit également une certaine solitude. Jean-Luc Feixa y voit ainsi « une volonté de dialogue, de partage. Il s’agit d’ouvrir son intérieur à l’extérieur, dévoilant à la rue des choses parfois intimes ». Une sacrée piste aux étals.

The post Jean-Luc Feixa appeared first on LM magazine.