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Un interview d’Aket Kubic à découvrir > ici

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La friche, c’est chic

Outre des rappeurs à découvrir d’urgence (le Britannique Ocean Wisdom, l’étoile montante de Saint-Denis Nayra), le festival fait aussi la part belle à la danse. Notamment à travers une figure roubaisienne bien connue, Brahim Bouchelaghem, qui célèbre au Colisée les 20 ans de la compagnie Zahrbat via une rétrospective de son immense répertoire. Parmi les temps forts, on note aussi le défilé 100% féminin d’Anti Fashion, le tournoi e-sport de Super Smash Bros. Ultimate, avant d’aller du côté de l’ancien bowling. Abandonné depuis 2018, ce vaste site a été investi par des graffeurs locaux (le Plateau 112), qui font honneur au “Made in Roubaix”.

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L’entrée des artistes avec Gilles et Sylvie Iniesta © Philippe Dodet / Street Art City

Bulle de créativité

Dix ans plus tard, bien servi par la puissance des réseaux sociaux, l’endroit a déjà accueilli 547 graffeurs de 67 nationalités différentes, « et on en compte plus de 1 100 sur liste d’attente », ajoute Gilles. Il faut dire que le concept a de quoi séduire. « Pour faire simple, l’artiste arrive ici avec son talent et ses vêtements. Il est logé, nourri et tout est mis à sa disposition : bombes, nacelles élévatrices, pinceaux… On lui offre une bulle de confort pour créer. On ne cherche pas non plus à attirer des stars, plutôt donner de la visibilité à des peintres émergents. On fonctionne sans subventions, pour garder une totale liberté ». Et le résultat s’avère des plus spectaculaires. Baptisée Street Art City, l’ancienne friche est devenue un musée à ciel ouvert « où l’on conserve l’éphémère ». C’est même « une petite ville » (avec son panneau d’entrée) attirant chaque année près de 30 000 visiteurs de toute l’Europe et transpirant littéralement l’art. Soit 22 500 m2 de surfaces extérieures et 17 000 autres en intérieur sur lesquelles se déploient des kilomètres d’oeuvres renouvelées suivant leur dégradation naturelle – comptez trois saisons pour un mur exposé au soleil couchant.

Une anamorphose du Lorrain Scaf © Philippe Dodet / Street Art City

Peintures fraîches

Sur des façades d’immeubles de plusieurs étages, des murs ou même des chambres (du sol au plafond), on trouve par exemple une anamorphose du Scaf, sur le point d’être dévoré par un gigantesque loup, les portraits réalisés au chalumeau sur des cagettes en bois de Vincent Loisy, la reconstitution d’une station de métro (!) signée Zach Oreo ou encore l’oeuvre, monumentale, du Mexicain Oscar Axo. Entrée dans le top 10 des plus belles fresques au monde en 2025, celle-ci représente, sur 15 mètres de haut, trois générations (symbolisant le passé, le présent et le futur) et a été entièrement conçue au pinceau. « Notre principal critère de sélection, c’est la diversité des styles et techniques, assure Gille Iniesta. Aujourd’hui, sans aucune prétention, je pense qu’on a un peu de légitimité dans le domaine ». Oui, “un peu”.

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Mise en lumière

Concrètement, comment procède-t-elle ? À l’issue d’entretiens, l’artiste laisse à ses interlocutrices le choix de la pose et des vêtements. Des séances photo saisissent leur vérité, sans effet de séduction, avant l’étape du dessin. « Je n’interroge pas la question de la beauté des femmes, je les expose pour ce qu’elles sont, pas pour ce qu’elles représentent ». Les portraits sont ensuite imprimés et numérotés, l’anonymat est préservé. Puis vient le moment de coller, dans des endroits stratégiques et symboliques, fréquentés ou plus reculés. L’image se passe de tout commentaire. Elle manifeste une sororité sourde et libère une force lumineuse de la noirceur. La couleur est d’ailleurs apparue après des années de pratique en noir et blanc. Rejoignant sa propre série, la Lilloise s’est “autocollée”, en banlieue parisienne, pour mettre un morceau de sparadrap sur sa propre histoire…

© La Dame qui colle

Au-delà du genre

Pour l’heure, La Dame qui colle a réalisé quelque 250 portraits (à partir de 23 modèles) visibles dans une trentaine de villes, dont Lille, Paris, Bruxelles, Avignon, où elle s’est rendue en plein procès de Mazan pour afficher la figure de Gisèle Pelicot. Présentées à échelle humaine, dupliquées à l’envi, ses oeuvres agissent telles des vigies lors de balades en ville. Elles rassurent au sortir d’un bar, au détour d’une rue mal famée ou en attendant un transport en commun. « Souvent, les femmes me remercient, m’indiquent les rues problématiques ». Pour autant, Julie entend dépasser la seule cause féministe. Elle souhaite inscrire sa démarche au-delà des genres car, dit-elle, « l’injustice est globale et touche tout le monde ». Aussi, elle n’exclut pas de s’inspirer de modèles transgenres pour soutenir leurs revendications face à la résurgence du conservatisme…

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A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

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Quel est votre objectif ? Lutter contre le harcèlement et toutes les autres formes de discrimination dans la rue, à travers le street art. On parle d’espace public, mais à quel point l’est-il vraiment ? Certains se l’approprient en le squattant, quand d’autres ne font que passer, n’osant même plus s’arrêter. Il est donc question de réinvestir ces endroits, notamment les trottoirs.

Combien de membres le collectif compte-t-il aujourd’hui ? À l’heure actuelle, nous sommes un noyau de six personnes, mais il y a également une petite dizaine de gens “satellitaires”. Selon leurs disponibilités, ils nous aident durant les sessions de pochage. Nous restons un collectif assez discret, préservant notre anonymat.

Accueille-t-il aussi quelques hommes ? Le collectif est une mixité choisie, c’est-à-dire sans hommes cis. Pour autant, nous comptons des alliés en dehors de la Brigade nous soutenant moralement ou matériellement.

© La Brigade du respect

Pourquoi avoir choisi la technique du pochoir ? Parce qu’on peut se l’approprier facilement. La Brigade n’étant pas une association, nous manquons de fonds pour l’achat de matériel. Les bombes de peinture, les plaques et la découpe laser ont un coût. Il y a un investissement personnel à chaque session. Nous partageons les frais, dans un souci de solidarité financière.

Comment choisissez-vous vos punchlines ? C’est un travail en commun. Les fondatrices ont initié ces phrases puis d’autres sont apparues, par exemple : « On se lève et on se casse », en écho à l’intervention d’Adèle Haenel à la cérémonie des César, après la récompense de Roman Polanski. Pour nous, c’était important de la réutiliser. Certaines sont également issues de collaborations avec des associations féministes, portant par exemple sur les discriminations raciales.

Vous avez également collaboré avec Ilévia, le réseau transport en commun de Lille, n’est-ce pas ? Oui, on nous a contactées pour coller des stickers dans certaines stations de métro. Nous avons aussi travaillé avec son équipe de communication pour reprendre notre message initial : « Girl, le métro t’appartient ».

© La Brigade du respect

Quelles seraient vos phrases préférées ? Personnellement, « Girl, la rue t’appartient » me parle le plus, car c’est la toute première, mais aussi « Girl, ton corps t’appartient ». Après, nous avons : « Que faire pour que les hommes cessent de violer, frapper, tuer, silencer, dominer ? ». J’ai l’impression qu’elle choque plus les passants. Pourtant, elle est photographiée et on la retrouve sur les réseaux sociaux. Donc elle questionne, alerte, alarme, dérange peut-être, mais je la trouve très forte.

Concrètement, comment se déroule une session de “pochage” ? Nous pochons le plus souvent tôt le matin, un moment où nous sommes plus tranquilles, surtout en ville. Nous programmons des parcours, de préférence pas trop longs, en étant au minimum cinq par trottoir. Des personnes pochent, tiennent le matériel, surveillent au cas où l’on tomberait sur des passants… S’ils ont envie de parler, nous leur expliquons notre but, et s’ils sont un peu plus virulents nous tentons de calmer le jeu.

Comment choisissez-vous les lieux où vous intervenez ? Ce sont des endroits réunissant bars et restaurants. Nous cherchons aussi une certaine visibilité dans des quartiers plus populaires, des lieux moins touristiques comme Moulins, Lille Sud ou Wazemmes.

© La Brigade du respect

Utilisez-vous une peinture biodégradable ? Pas vraiment, mais elle tient peu de temps, pas plus de six mois, surtout dans notre merveilleuse région où il pleut et fait froid toute l’année ! La question du biodégradable est délicate, car ces bombes de peinture existent, mais leur tenue, surtout sur du goudron, est très complexe.

De façon générale, comment votre action est-elle perçue ? Par les piétons, mais aussi par les institutions ? Nous sommes plutôt soutenues. Je me souviens, et c’était assez touchant, d’avoir croisé un monsieur assez âgé. Il avait lu un de nos slogans et nous avait dit : « Oh ! Ça va faire du bien à mes petites-filles ». C’était très chouette, car c’est exactement le type de réactions recherchées. Après, nous avons toujours le sacro-saint « Oui, mais pas tous les hommes… ». Alors, nous réexpliquons notre démarche. Nous ne tentons pas de légitimer notre action, plutôt de faire comprendre nos droits.

Avez-vous croisé des personnes plus énervées ? Parfois, mais en dialoguant, ça passe mieux. Certains policiers municipaux nous lâchent même un petit bonjour. Les grosses altercations restent assez rares.

© La Brigade du respect

Par ailleurs, où en est le collectif aujourd’hui avec la mairie de Tourcoing ? Pouvez-vous nous rappeler l’origine du contentieux ? À la suite de la dissolution de l’Assemblée nationale, nous nous sentions en danger face à l’avancée fulgurante de l’extrême droite. Un groupe de la Brigade est donc allée pocher à Tourcoing, le fief de Gérald Darmanin. Ces membres ont été arrêtées par la police, puis placées en garde à vue. C’était la première fois que cela nous arrivait. La mairie demande réparation, réclamant 1 370 euros pour dégradation. Notre avocat pointe cette somme, un peu sortie de nulle part. Sur les trois membres concernées, une seule a décidé de payer son amende, et les deux autres la contestent. La procédure est toujours en cours.

Plus largement, pensez-vous que l’espace urbain est sexiste ? Comment cela se traduit-il ? Pour moi, il n’est toujours pas sécurisé ni sécurisant, aussi bien pour des femmes cisgenres que transgenres. Disposer ces punchlines au sol ne changera pas la face du monde, mais j’ai l’impression d’enrichir la rue, de permettre d’y trouver une place. Il y a encore beaucoup de travail, notamment pour les personnes en situation de handicap. Nous sommes loin d’un espace public ouvert à toutes et à tous, ce qui est bizarre au regard de son nom.

Quels sont vos projets ? Étrangement, après notre altercation à Tourcoing, des municipalités nous ont invitées à pocher chez elles. Est-ce une réappropriation politique ? En tout cas nous sommes honorées. Nous rencontrons des élus pour échanger et comprendre leurs actions et motivations sur le thème de l’inclusion au sein de l’espace urbain. Nous avons aussi collaboré avec l’association HF+Hauts-de-France, militant pour l’égalité des genres dans l’art et la culture. Nous avons créé des stickers. À présent, dès que nous en avons l’occasion nous en distribuons, lorsque nous sommes proches d’un cinéma, d’un théâtre ou d’une salle de concert… C’est encore plus facile que le pochage !

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Comment êtes-vous revenu à votre passion ? En fait, je ne l’ai jamais abandonnée, j’avais toujours mes carnets sur moi. Les rêves sont plus forts que tout. À 27 ans, je me suis donc remis à la peinture.

© Julien Damien

D’où vient votre surnom ? D’une punchline d’un morceau de rap, entre Tunisiano et Aketo : “J’vous présente Aket le nez pointu comme une fléchette”. Jeune, j’étais un peu plus frêle disons, et mon nez paraissait plus imposant, donc les potes m’appelaient Aket ! Le choix du pseudo était évident. J’y ai ensuite ajouté “Kubic”.

Quelle fut votre première exposition ? C’était dans un bar, à Marcq-en-Baroeul. Je travaillais encore à ce moment-là, et ça a été un vrai succès. Je postais aussi mon travail sur les réseaux sociaux et quelques temps plus tard j’ai été repéré par la galerie Signature Fine Art de Miami, ça m’a permis de démissionner pour me consacrer à la peinture.

Comment définiriez-vous votre style ? J’essaie simplement d’amener la spontanéité du graff au cubisme. Je dessine tout de suite, au feutre, sans croquis au préalable. Puis au fur et à mesure je travaille la toile pour raconter une histoire.

Comment l’avez-vous développé ? Au début, mes personnages ressemblaient plutôt à des b-boys, un peu cartoonesques, avec de grands nez. Toutes les couleurs se chevauchaient, c’était un peu bordélique ! C’est finalement le noir qui a stabilisé l’ensemble. J’ai commencé à créer des contours, installer des ombres, et puis les formes géométriques sont apparues au fur et à mesure.

Quelle a été la première toile réalisée de cette façon ? La Femme aux crevettes. J’avais donné à l’animal une forme très carrée, puis au visage du personnage qui le tenait. C’était la première fois que j’utilisais autant de formes géométriques, un peu dans le style de Braque, mais en plus coloré.

Portrait de l’homme pensif © Aket Kubic

Étiez-vous attiré par le cubisme ? Pas du tout ! Je n’admirais pas spécialement les oeuvres de Picasso, j’étais plutôt fan de Basquiat, pour l’énergie que dégagent ses toiles. J’ai ensuite découvert George Condo, mêlant Renaissance et cubisme, et puis Fernando Botero, dont j’aime les couleurs chaleureuses. En général ma palette est assez froide, j’utilise beaucoup de nuances de bleu, de gris. Mes dernières créations laissent toutefois plus de place au rouge, au jaune.

Qu’est-ce qui vous intéresse dans le cubisme ? La profondeur, cette perspective en 3D appliquée à des sujets simples, mais avec des formes complexes, où les couleurs s’entremêlent.

Techniquement, comment composez-vous vos oeuvres ? Je commence par le visage et puis je construis autour. C’est un peu comme de la sculpture. Je pose la matière puis je lui donne de l’épaisseur. Au début les formes géométriques sont assez rudimentaires, ensuite je les étoffe. Je peins à l’acrylique et à la bombe, parfois à l’aérographe pour donner de la texture à la peinture, qu’elle ressemble à de la pierre. J’y reviens avec du bleu et du blanc, des nuances de gris pour complexifier la toile au maximum.

Vous peignez en atelier mais aussi dans la rue. Quelle approche préférez-vous ? Ce n’est pas la même technique, ni la même intention. En plein air, le mur en lui-même ne m’intéresse pas tant que ça, c’est surtout cette notion de partage avec les gens que j’aime. Le travail en atelier est plus solitaire…

Plus généralement, où trouvez-vous l’inspiration ? Je peins beaucoup de portraits. En ce moment je reprends aussi des scènes de vie, comme cet homme en train de manger un bol de nouilles, dans une rue au Japon. Je raconte une histoire, un peu comme une illustration, et j’aime laisser de la place à l’imagination du spectateur.

À l’aube, elle s’établit © Aket Kubic

Que cherchez-vous à véhiculer à travers votre art ? Chacune de mes oeuvres est accompagnée d’un texte explicatif, d’une petite poésie que j’écris moi-même. Mais l’idée principale est de croire en ses rêves et de rester sincère. J’ai par exemple réalisé un portrait de samouraï. On voit de la persévérance dans ses yeux. On peut imaginer qu’il se regarde aussi dans la lame de son katana, qu’il se combat lui-même. La lumière du tableau vient d’ailleurs de son arme.

Votre parcours est aussi marqué par un événement : votre collaboration avec Coca-Cola, pour la publicité Masterpiece… Oui, d’ailleurs c’est drôle parce que l’agence de communication qui travaille pour la marque m’a contacté à un moment où j’avais moins de projets. J’avais même repris un petit boulot. Je signais à peine mon CDD lorsqu’ils m’ont appelé. On a bossé durant plusieurs mois pour ce projet. Je dessinais, mais jamais rien ne fonctionnait ! Puis ils ont repéré un personnage datant de 2021 dans mon book, La Dame au chapeau. Je l’ai retravaillée un peu, viré la clope qu’elle avait au bec, et voilà ! Je l’ai aussi rebaptisée Divine idylle, en référence à une chanson de Vanessa Paradis.

La publicité n’est pas non plus anodine, donnant vie à plusieurs chefs-d’œuvre de la peinture comme La Jeune Fille à la perle de Vermeer, Le Cri de Munch… Oui, toutes ces œuvres ont été revisitées par de jeunes artistes. J’y ai vu comme une sorte de passage de témoin, et un message : il faut faire confiance à la nouvelle génération, aller de l’avant sans oublier le passé.

Cette publicité vous a-t-elle ouverte des portes ? Elle m’a offert beaucoup de visibilité, mais ce n’est pas fini. Elle est diffusée aux États-Unis et continue de tourner un peu partout dans le monde, et bientôt en Europe.

Que présentez-vous lors de cette exposition à Mouvaux ? Une trentaine de toiles évoquant le Japon, où j’ai effectué un voyage en amont de cette exposition. J’aime la culture de ce pays, qui est tellement éloignée de la nôtre. On se croirait sur une autre planète. J’en livre ici ma vision personnelle, en mêlant tradition et modernité. Ici un combat de sumos, là un portrait de mangeur de nouilles… Il y aura aussi quelques clins d’œil à Hokusai, à sa vague bien sûr, et puis quelques fantômes. La scénographie est aussi très particulière, car pour l’occasion on a reconstitué une rue du vieux Kyoto.

Pourquoi ce titre, Du ciment à la belle étoile ? Il est inspiré d’une chanson de la rappeuse Keny Arkana. Elle porte un message qui m’est cher : il faut croire en ses rêves. C’est mon histoire que je raconte ici.

Après le Nord, vous exposez à Miami, n’est-ce pas ? Oui, dans le cadre du salon d’art international Context Art. Il y aura une partie japonaise et une autre plus hollywoodienne. J’ai aussi prévu deux autres expositions l’année prochaine, dont une dans la métropole lilloise, mais je ne peux pas en dire plus pour le moment…

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Le Pouvoir de la Terre, Château Cantenac-Brown, Médoc, France

Portraits cassés

La série Fractured demeure tout aussi inoubliable. Elle date du début de l’année dernière. « Le conflit en Ukraine venait juste de commencer », se souvient David Popa. Ces portraits ont été réalisés au charbon de bois, en équilibre (très) instable sur d’immenses blocs de glace flottant dans le golfe de Finlande, au sud du pays. Le lieu n’a rien d’anodin : ce bras oriental de la mer Baltique sépare sa terre d’adoption de la Russie. Ces visages semblent littéralement se briser en morceaux, éparpillés façon puzzle. Ils symbolisent la rupture des relations entre les peuples suite à la guerre menée par Poutine et, plus largement, « une humanité fracturée ». Tout est dit.

A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE DAVID POPA

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A LIRE ICI : L’INTERVIEW D’ALBER

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