Campagne Musenor 2021 © MUBA Musée Eugène Leroy – Tourcoing

Synthèse des émotions
Surtout, Eugène Leroy poursuivait à travers cette technique un but bien précis : figer « la trace du vécu », selon ses propres mots. « Ici, il ne s’agit plus de désigner un corps de femme ou un autoportrait, on reconnaît à peine le sujet, ajoute Mélanie Lerat. C’est une forme d’apparition, une synthèse de ses sensations ». À l’instar de L’Été, tableau de grand format datant de 1999, où le corps d’une femme, le paysage et la lumière semblent fusionner dans un maelstrom de matières, de couleurs et d’émotions. Cette exposition s’intéresse ainsi aux années 1980 à 2000 de la production d’Eugène Leroy, une période témoignant « d’un épanouissement technique et théorique certain », et durant laquelle l’épaisseur de la matière prend toute son importance. C’est aussi à cette époque que l’œuvre du Tourquennois connaît une reconnaissance internationale. Les expositions s’enchaînent, les collectionneurs et institutions (comme le Centre Pompidou) acquièrent ses toiles.

Monde magique
Au MUba, où Eugène Leroy exposa dès les années 1950 et auquel ses fils firent une donation de 600 œuvres en 2009, on découvre, sous la lumière zénithale de la grande salle du musée, ses fameuses peintures, disposées de façon chronologique. De saisons en silhouettes, de paysages en autoportraits, celles-ci nous transportent dans ce « monde magique qui donne vie à une surface plane par la couleur et la lumière », pour citer l’intéressé. Derrière, dans un espace plus intimiste, se dévoilent ses dessins sur papier, au fusain ou à la gouache. « Une pratique autonome », marquée par cette liberté du geste dont ne se départira jamais l’artiste, et qui demeure toujours inspirante.

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Comment décririez-vous sa photographie ? Elle oscille entre expérimentation surréaliste et réalisme documentaire, mêlant parfois les deux. Son regard surréaliste est évident même dans ses reportages de guerre, où elle capture des compositions saisissantes et des juxtapositions inattendues. De même, ses clichés commerciaux et de mode ont souvent un caractère onirique ou inquiétant. Qu’il s’agisse d’une mise en scène ou des ravages de la guerre, son travail se caractérise par un sens aigu de la composition, un instinct de l’inattendu et une volonté d’expérimenter.

Selon vous, quel fut son apport ? Elle a joué un rôle clé dans l’évolution des techniques photographiques, en particulier la solarisation, qu’elle a découverte lors de ses expériences en chambre noire et qu’elle a ensuite perfectionnée avec Man Ray. Cette méthode, qui inverse les zones claires et sombres, est devenue l’une des caractéristiques de la photographie surréaliste. Au-delà de l’innovation technique, sa plus grande contribution a été sa capacité à repousser les limites de la photographie, en l’utilisant à la fois comme un outil artistique pour remettre en question la perception, et comme un puissant moyen de raconter des histoires, en particulier dans ses reportages de guerre.

Fire Masks, Downshire Hill, London, England, 1941 by Lee Miller © Lee Miller Archives, England 2025. All rights reserved, www.leemiller.co.uk

Sur quels éléments de sa vie et de son œuvre mettez-vous l’accent à Anvers ? Cette rétrospective couvre l’ensemble de la carrière de Lee Miller et présente ses nombreuses évolutions. Elle se concentre sur la manière dont son travail a été perçu par les médias imprimés, qu’il s’agisse de magazines d’avant-garde, de publications de mode ou de reportages en temps de guerre. L’exposition présente ses premières expériences surréalistes, la photographie de mode commerciale et les reportages de guerre révolutionnaires, ainsi que ses derniers projets créatifs. En retraçant sa carrière à travers différents genres et contextes, le parcours offre une vue d’ensemble de son œuvre et de son influence.

Évoquez-vous aussi les expériences traumatisantes de l’artiste, son errance en Europe après la Deuxième Guerre mondiale ? L’exposition n’élude pas les aspects les plus sombres de la vie de Lee Miller, notamment les traumatismes dont elle a été témoin et qu’elle a documentés. Ses photographies des camps de concentration sont par exemple présentées avec un contexte historique et un avertissement sur le contenu. L’exposition aborde également les luttes qu’elle a menées après la guerre et l’exil qu’elle s’est imposée dans le domaine de la photographie. Il s’agit d’un portrait honnête d’une artiste extraordinaire, qui a capturé sans crainte la beauté et les horreurs du monde.

Combien de pièces exposez-vous ? Une centaine de tirages modernes et anciens, ainsi qu’une riche sélection de publications originales et de documents d’archives. Cette combinaison offre une vue d’ensemble du travail de Lee Miller tel qu’il a été présenté à l’origine sous forme imprimée, et permet de comprendre comment ses images ont atteint et influencé le public tout au long de sa carrière.

Comment avez-vous conçu le parcours ? Il est chronologique, structuré autour du travail de Lee Miller dans la presse écrite. L’exposition retrace sa carrière, depuis ses débuts en tant que mannequin jusqu’à ses reportages de guerre révolutionnaires et ses projets créatifs ultérieurs. La scénographie est également soignée : les murs ont la forme de livres ouverts et de grands tirages agrandis illustrent le processus de création et de publication de son travail. La conception architecturale est l’œuvre de Samyra Moumouh et la conception graphique celle d’Hans Gremmen, qui ont tous deux contribué à donner vie au concept en mettant l’accent sur la façon dont les photos de Lee Miller ont été expérimentées à l’origine par le biais de l’impression.

Sur quelles œuvres pourrions-nous attirer l’attention ? Parmi les images les plus marquantes, il y a ses expériences surréalistes avec Man Ray, ses reportages de guerre saisissants (tels que Revenge on Culture et les images des camps de concentration) et ses photographies de mode en temps de guerre, qui mêlent l’élégance de ses sujets aux paysages déchirés par la guerre.

Exposez-vous aussi cette fameuse photo d’elle dans la baignoire d’Hitler ? Oui, il s’agit d’un moment fort et symbolique de sa carrière, qui résume sa présence dans des événements historiques clés. Parmi les autres images importantes, citons aussi ses photographies de Dachau et de Buchenwald…

Finalement, qu’allons-nous découvrir sur elle que nous ne savions pas déjà ? Cette exposition offre un nouvel éclairage sur la manière dont le travail de Miller a été perçu par le public contemporain, principalement par le biais de la presse écrite. Elle révèle la tension entre ses clichés artistiques, commerciales et documentaires, et montre comment elle a navigué dans différents mondes tout en restant fidèle à sa vision. En se concentrant sur son héritage publié, l’exposition ne met pas seulement en lumière son impact durable sur l’histoire de la photographie, mais livre également un aperçu de la fabrication de ses images emblématiques et de la manière dont elles ont été diffusées.

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Cadrages au poil

Autodidacte (il s’est formé « en lisant les instructions sur la boîte » de son appareil), Elliott Erwitt demeura d’abord un grand photojournaliste. Il fut par exemple le premier à révéler, lors d’un reportage à Moscou en 1957, la menace des ogives nucléaires soviétiques. Durant ses 70 ans de carrière, il immortalisa également les vedettes d’Hollywood (sublime Marilyn sur le tournage tendu de The Misfits) et moult personnalités politiques, de Che Guevara à Nixon s’embrouillant avec Khrouchtchev, en passant par Jackie Kennedy, une larme sur sa voilette lors des obsèques de son mari. Il répondit aussi à nombre de commandes, souvent en couleur : pour des agences publicitaires, de voyage, des entreprises… « Il ne refusait rien, car pour lui tout était intéressant », souligne Andréa Holzherr, responsable des expositions pour Magnum.

New-York, USA, 1974 © Elliott Erwitt / Magnum Photos

Et puis au milieu de tout ça il y a… les chiens. « C’est pour lui une sorte de miroir de notre humanité », selon Isabelle Benoît. Erwitt les saisit dans la rue et toute leur spontanéité (en aboyant pour les faire réagir) ou les met en scène pour des marques de chaussures, inaugurant le cadrage au ras du sol. Dans l’une de ses célèbres compositions, des jambes bottées sont ainsi entourées par les grandes pattes d’un danois et par un chiwawa coiffé d’un bonnet, dans une drolatique confusion des espèces… On aura toutou vu !

A LIRE ICI / L’interview d’Isabelle Benoît & Andréa Holzherr

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Untitled, 1981, Sumi ink on paper, 95,3 x 125,7 cm © Keith Haring Foundation, Private collection, courtesy Martin Lawrence Galleries

Melting potes

A la fin des années 1970, le jeune homme débarque à New York. Un second choc. « Il est alors fasciné par ce fourmillement humain et la géométrie de l’urbanisme ». Keith Haring esquisse des cités imaginaires. Au sein de la School of Visual Arts, il découvre la sémiotique popularisée par William Burroughs, s’amuse à travers moult collages de mots découpés ici et là pour en livrer un tout autre sens. Sa signature se met en place. La Grosse Pomme achève sa formation. C’est alors une ville sale et dangereuse, frappée par la crise économique, mais aussi en pleine effervescence. Nous sommes à l’époque du punk, du disco, des débuts du rap, une scène dont il était proche, participant aux block parties et invitant même Afrika Bambaataa à ses vernissages. Haring est à la fois partout et nulle part. « C’était une éponge, explique Darren Pih, curateur à la Tate Liverpool. Il absorbait le hip-hop, le graff, le pop art, les formes anciennes comme l’art aborigène ou les hiéroglyphes égyptiens, afin de les rendre accessibles via un langage universel ».

Hey, baby !

Son premier terrain de jeu, c’est le métro. Il dessine à la craie sur les panneaux publicitaires souterrains, entre deux campagnes d’affichage, et travaille « aux heures de pointe ». La grande ambition de Keith Haring, c’est de créer un art public, « de combler le vide entre la rue et les galeries ». Il n’est certes pas graffeur, mais l’un des pionniers du street art. Ses fresques deviennent vite célèbres (et lui valent quelques arrestations). Les New-Yorkais découvrent son alphabet, constitué de personnages récurrents, comme le chien (aboyant pour attirer l’attention ou exprimer sa colère), l’atome (traduction de sa peur de l’apocalypse nucléaire) ou le fameux “radiant baby”, son logo préféré. « C’est l’expérience la plus positive, la plus pure de l’existence humaine », disait-il. « C’est aussi un symbole de vitalité, ajoute Sophie Lauwers, directrice de Bozar. Keith Haring aimait profondément la vie, et la fête ».

Pour preuve cette section consacrée au clubbing. Le peintre est installé dans l’East Village, ardent repaire d’artistes (tel son ami Jean-Michel Basquiat). Ses nuits sont ponctuées de grandes noubas, notamment au Club 57, une boîte nichée dans la cave d’une église (!). Entre défilés de mode et cabarets queers, Madonna y donne ses premiers concerts, Grace Jones côtoie Warhol (qui immortalise ici Keith Haring peignant le corps de la “panthère noire”). C’est d’ailleurs en suivant les conseils de ce dernier qu’il inaugure ses Pop Shops aux quatre coins du monde, soit des magasins où l’on trouvait des t-shirts, casquettes arborant ses créations, et même des fringues signées Vivienne Westwood. Le tout à prix cassés. « Pas forcément pour gagner de l’argent, plutôt pour démocratiser sa production ».

Ignorance = Fear, 1989, Poster 660 x 1141 mm © Keith Haring Foundation / Collection Noirmontartproduction, Paris

The Message

Au-delà de la forme, le fond est percutant. « L’icône pop devient rapidement un activiste, le porte-parole de la société américaine », poursuit Sophie Lauwers. Ses oeuvres sont colorées, drôles, mais les sujets graves, reflets d’une époque en plein tourment. Keith Haring dénonce l’apartheid, le racisme, l’homophobie, l’escalade de l’armement nucléaire… La toxicité de la télévision aussi, qui vide les esprits, à l’image de cette femme berçant son enfant, mais dont la tête est un écran diffusant son propre cerveau (un tableau plus actuel que jamais…).

Keith Haring, 1958-1990 Silence = Death, 1989 Acrylic on canvas 101,6 x 101,6 cm © Keith Haring Foundation

Libération

Et puis, bien sûr, il y a son combat contre le Sida. Atteint du VIH, Keith Haring s’impose comme une figure de proue d’Act Up. Il affirme, revendique son homosexualité, libérant les corps et les âmes. « Nous sommes dans les années 1990, Reagan est président des Etats-Unis, et son discours à propos du Sida est simple : “arrêtez de faire l’amour”. Keith Haring lui oppose tout le contraire, défendant l’importance de la sexualité. Il dévoile la sienne dans ses dessins, brise les tabous et en envoie un message aux générations futures, les exhortant à se protéger et trouver des remèdes pour s’aimer librement ». Ses dernières créations sont plus sombres. Sexes brandis comme des armes, pleurs… Les couleurs s’obscurcissent, se teintent de rouge sang, à l’instar de cette scène de fête siphonnée par un trou noir. L’artiste n’est pas épargné par la maladie, et s’éteint le 16 février 1990. « Mais nous ne voulions pas terminer sur cette note triste », insiste Alberta Sessa. L’ultime salle de l’exposition se concentre ainsi sur des toiles exécutées dans les boîtes de nuit, à la peinture fluo. Comme lui, elles brillent dans l’obscurité.

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Femme libérée

« Sa palette était extrêmement large, ajoute Kyla McDonald. Rien ne l’arrêtait ». Surtout pas sa condition féminine. « Ce parcours nous montre à quel point Niki de Saint Phalle voulait être l’égale de l’homme. Elle s’est rebellée très jeune contre la société patriarcale. Cette conviction l’a conduite à créer des sculptures monumentales, célébrant les femmes dans les lieux publics ». Toutefois, la plus belle oeuvre de cette artiste engagée et enragée, c’est sans doute sa vie. Pas des plus sereines. Violée par son père à l’âge de 11 ans, placée au couvent, avant des séances d’électrochoc pour “soigner” une dépression nerveuse, celle qui fut d’abord mannequin (pour Vogue ou Life) abandonnera ses deux enfants et son mari pour son art. « Sa production fut dantesque, près de 3 500 pièces… On la compare d’ailleurs à Picasso, elle manifeste la même urgence », observe Xavier Roland, directeur du pôle muséal.

Tir groupéDès lors, on apprécie sous un jour nouveau sa série des Tirs, initiée au début des années 1960. Lors de ces performances, la Française canardait avec une carabine des tableaux ou statues sur lesquels elle avait disposé des poches de peinture qui se répandait ainsi aléatoirement. Les hommes, la religion, la politique… Niki de Saint Phalle tirait sur tout ! Y compris son géniteur, qu’elle tue métaphoriquement dans la vidéo Daddy, ou La Vénus de Milo (1962), parmi quelques chefs-d’oeuvre ici dévoilés. « Sa production est étroitement liée à son existence. C’est l’une des artistes qui a le plus assumé sa féminité. Que sont les Nanas, sinon des femmes libérées, s’affichant sans aucun complexe ? ». Placées à divers endroits de Mons, ces oeuvres généreuses « ré-humanisent nos villes modernes », soutient Xavier Roland. A l’image de la Nana-Maison, dans les jardins du BAM, que l’on peut toucher, pénétrer… Oui, ici, tout est vraiment possible.

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Caverne d’Ali Baba

La pêche fut assez miraculeuse. Plus de 300 pièces datant des années 1950 à 1980 ont été réunies pour l’exposition moscovite, et on en compte le double au Brussels Design Museum ! « De nombreuses personnes âgées ont offert des objets précieusement conservés ». Parmi ceux-ci, on trouve des affiches de propagande, télévisions portatives aux lignes brutes, machines à coudre rutilantes, vêtements aux couleurs des J.O. de Moscou, du mobilier inspiré de la conquête spatiale et, même, un frigidaire en état de marche…

Esprit solide

Le parcours est organisé selon plusieurs thématiques (enfance et loisirs, sport, emballages, ingénierie…) et enrichi d’interviews de créateurs majeurs. Il révèle aussi la dimension stratégique du design en URSS, d’abord focalisé sur l’industrie lourde puis la production de masse, au milieu des années 1960. Cet événement fait ainsi la part belle aux projets introduisant des méthodes artistiques dans les processus de fabrication. Comment caractériser, alors, le “design soviétique” ? Quitte à alimenter les clichés, Alexandra Sankova reconnaît que la robustesse des produits a longtemps pris le pas sur l’élégance. Entre répliques de modèles occidentaux et références à l’avant-garde russe, la commissaire souligne aussi la créativité des citoyens, personnalisant et optimisant leurs biens. Cette appropriation rend cette exposition patrimoniale d’autant plus émouvante.

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Epiphanie

Cette révélation artistique et spirituelle s’est d’abord traduite par la réalisation de Deluge, fresque longue de plus de sept mètres ouvrant cette rétrospective. Elle met en scène des hommes, femmes et enfants se débattant en pleine apocalypse, au milieu des casinos ou grandes enseignes submergées par les eaux, à Las Vegas. Elle se lit comme une puissante allégorie, une critique de notre société consumériste. « C’est à la fois le symbole de la destruction et de la purification, la fin d’un monde et le début d’un autre. Si vous la regardez bien, vous verrez que l’artiste met en avant les valeurs d’entraide chez chacun des sujets ». Au-delà du message, l’art du “fermier” se caractérise donc par cette volonté de raconter des histoires. « Selon moi, il a introduit une dimension nouvelle dans la photographie : la narration ». Citons aussi la série Awakened, montrant des personnages flottant dans un liquide amniotique, mais semblant se réveiller, prêts à démarrer une existence nouvelle.

L’enfer

Que l’on apprécie ou pas ce débordement de couleurs flashy et cette nudité (très crue) des corps, on ne peut que s’incliner face à la technique de LaChapelle. En effet, point de retouche photo ni de postproduction chez lui : les décors, costumes (quand il y en a)… tout est “fait-maison” et le cliché final, quel que soit le nombre de personnages, résulte d’un unique “clic” ! « Il travaille à la manière d’un artisan, un peu comme Federico Fellini. Il va simuler un effet aquatique avec une bâche en plastique, utiliser des ventilateurs pour restituer le souffle du vent… ».

Déployé sur les deux étages du BAM, le parcours n’est pas chronologique, mais thématique. On y devine un triptyque sur la destinée humaine (l’enfer, le déluge, le paradis). Au premier, à la suite de la série Deluge qui remet donc tout à plat, sont rassemblées ses célèbres photos du show-biz (de Bowie à Di Caprio, en passant par Paris Hilton, on en passe). Celles-ci témoignent de l’extravagance de la société du spectacle, de son narcissisme, une certaine vision de l’enfer en somme… A l’image de ce portrait de la famille Kardashian posant au centre d’un royaume dévasté, comme le sont les magasins lors du Black Friday, ce jour orgiaque de soldes américaines. On constate, en passant, que certains modèles de LaChapelle se méprennent parfois sur ses intentions véritables… « Cette compostion moque la soif de pouvoir et le consumérisme, soutient Gianni Mercurio. David croque des célébrités, non pas pour en livrer un portrait, plutôt pour caricaturer des faits de société, comme une étude anthropologique ».

Eden

Vient enfin la section consacrée au nouveau monde, “le paradis”, au second niveau. Si les stars sont toujours là (comme cet archange Michael Jackson terrassant le Diable), l’être humain disparaît peu à peu des clichés, illustrant les préoccupations écologiques du photographe. Telles ces maquettes de stations-service abandonnées au milieu de forêts luxuriantes d’Hawaï, dans un monde où la nature a repris ses droits (série Gas, 2012). New World, son travail le plus récent (2017) et le plus conceptuel, dévoile une sorte d’Eden où l’Homme fusionne avec la Terre, au sein des paysages rappelant ceux de Gauguin lors de sa phase tahitienne. LaChapelle revient ici à une technique expérimentée dans les années 1980, peignant directement sur la pellicule. Il symbolise, par exemple, l’amour pur entre deux êtres via un tourbillon multicolore, révélant une facette insoupçonnée de sa personnalité…

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