Colore le monde

Trois séries jalonnent le parcours. The Tourist, photographiée à Cancún et Miami, plante le décor avec une précision jubilatoire. La vacancière idéale que Roy incarne évolue dans un décor aux couleurs criardes, entre bar à cocktails et piscines translucides. Tout suinte l’artifice — et c’est exactement le propos. Car derrière ces images de carte postale que les réseaux sociaux amplifient à l’infini, le surtourisme transforme des destinations en parcs à thème, standardise les expériences et épuise les populations locales. Un touriste en hôtel de standing peut consommer jusqu’à quatre fois plus d’eau par jour qu’un habitant de la région.

La croisière déraille

Sorry, No Vacancy, réalisée au Texas, change radicalement d’atmosphère. Les routes désertes, les motels fermés et les paysages arides composent un western fantomatique où la belle erre en solitaire, héroïne d’un film sans spectateurs. Ces décors abandonnés évoquent la face cachée du tourisme saisonnier : des villes bondées l’été, fantômes le reste de l’année, dont les économies locales peinent à trouver un équilibre viable. Entre deux mondes, clôt le voyage à bord d’un ferry. Dans ce huis clos flottant, croisiéristes et travailleurs se côtoient sans vraiment se voir. C’est précisément dans cet espace-là que surgissent les vraies questions comme l’empreinte carbone des croisières, la pression sur les récifs coralliens, l’exploitation de la faune sauvage réduite à une attraction, les inégalités d’accès au voyage. Sans jamais asséner, Roy instille le doute et démonte les mécanismes du marketing qui fabriquent nos désirs d’évasion. Bon voyage, donc — mais les yeux grands ouverts.

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Fin de service

Ce que Blot photographie au flash « pour faire ressortir tout le peps et le piment de ces lieux », c’est aussi une humanité inattendue. « Il y a dans ces endroits un vrai mélange social, rare aujourd’hui. On s’y sent bien, un peu comme à la maison », confie le photographe.  Son plus beau souvenir : Jacques, un ancien forestier de 92 ans, qui mangeait pour la première fois de sa vie un hamburger avec sa fille. Ce foyer de bord de route est pourtant menacé. L’essor des autoroutes a d’abord dévié les camions des nationales dès les années 1970, puis de grands travaux ont achevé d’éloigner la clientèle. S’y ajoute une évolution des pratiques : les jeunes routiers économisent sur les repas et se font livrer en cabine, tandis que la reprise de ces établissements peu rentables ne tente plus grand monde. Face à cette extinction programmée, ce livre s’impose comme une archive vivante autant qu’un acte militant. Une invitation à s’arrêter dans ces espaces en voie de disparition plutôt que de filer vers une aire d’autoroute aseptisée.

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Documenter l’art étranger

Plus loin, 1 400 reproductions de diapositives transforment un mur en vaste roman-photo. Réalisées à travers le monde par Zheng Shengtian, elles participent, dans les années 1980, à l’éclosion d’une scène artistique avide de références nouvelles. Les artistes chinois s’emparent à leur tour de ce médium pour diffuser leurs œuvres. Aujourd’hui encore, ces rectangles lumineux inspirent la création contemporaine. Liang Juhui érige ainsi une tour de Babel jusqu’au plafond du Frac, dont les fenêtres s’illuminent de 1 332 scènes urbaines. Wang Wei imagine, lui, un tunnel où le visiteur marche littéralement sur des visages projetés sous ses pas. Ici, la diapositive ne se contente plus de montrer, elle modifie les regards et propulse toute une scène dans la modernité.

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Alone Street (An Eclipse of Moths), 2018-2019

En totale immersion

La visite débute avec la série Cathedral of the Pines. Des images en couleur, baignées d’une lumière douce. Parmi elles, The Disturbance, montre une femme dans une maison en bois, trois individus à la lisière d’une forêt, la neige qui absorbe les sons. Réalisé dans le Massachusetts, cet ensemble marque un retour à la création après une période de silence. On y sent l’idée de refuge, de réconciliation avec un lieu, avec soi-même. Puis le décor se fissure. Avec An Eclipse of Moths, les formats s’élargissent, les rues se vident, la lumière devient plus crue. Une femme arrêtée à un feu rouge sous la pluie, un homme qui la fixe depuis sa maison… « On a toujours le sentiment qu’il y a un avant ou un après », explique Jean-Charles Vergne, commissaire de l’exposition. « Mais la photographie ne livre jamais la clé ». Ces images évoquent l’effondrement d’une ville industrielle et, plus largement, celui d’un rêve américain à bout de souffle. Enfin, Eveningside. Le noir et blanc s’impose. Une ville fictive, recomposée à partir de bourgades bien réelles. Garages, bureaux, vitrines : les personnages sont souvent au travail, comme réduits à leur fonction sociale. L’atmosphère est crépusculaire, proche du film noir. Les références à Fritz Lang ou à Antonioni affleurent sans enfermer les images dans la citation. Ce qui relie ces trois ensembles, c’est la tension entre immobilité et durée. Les mêmes visages réapparaissent, vieillissent. Le visiteur aussi mesure le temps qui passe : il faut revenir, contempler, accepter de ne pas tout comprendre. Crewdson ne raconte pas l’Amérique ; il suspend l’instant et invite à ralentir.

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A quoi vos premiers travaux ressemblaient-ils ?
Au lycée, je photographiais mes amis. Un élève avait fondé un club pour nous familiariser avec les négatifs, la chambre noire, la lumière rouge… Cette atmosphère avait quelque chose d’envoûtant. J’ai débuté en noir et blanc avec des passants. Je concevais alors la photo comme un témoignage. J’ai d’ailleurs commencé à travailler pour Libération. Plus tard, à New York, j’ai eu la chance d’assister pendant quelques semaines la grande Martine Barrat. Nous allions ensemble à Harlem et dans le Bronx pour immortaliser des enfants boxeurs.

Comment votre carrière a-t-elle évolué ?
De retour à Paris, j’ai trouvé étonnamment facile de réaliser des portraits, et je me suis rapidement fait un nom. J’ai photographié la moitié des comédiens français d’une époque. Puis j’ai senti que mon travail ronronnait. J’avais envie d’aller plus loin. La simple réalité ne me suffisait plus.

Quel fut le déclic ?
Je me suis offert un superbe appareil d’occasion (un Hasselblad) et ma pratique a basculé. En feuilletant des photos de mon enfance, j’ai remarqué que ma mère m’habillait comme ma sœur, de six ans mon aînée. De là est née la série Doppelgänger, ou le jumeau maléfique. Puis est venue Misfit, presque comme une apparition : un vaste espace blanc où la mise en scène met le focus sur une attitude féminine. Dans Domestic Violence, par exemple, une femme nue se coince les cheveux dans un tiroir — une image à la fois absurde et tragique, comme se noyer dans un verre d’eau. Pourquoi faire simple quand on peut faire compliqué ? Il y a eu aussi la Femme automate, toujours disponible, portant des tomates sur un plateau.

Quelles sont vos sources d’inspiration et vos thèmes de prédilcetion ?
Tout ramène à la même source : les femmes. Elles m’inspirent plus que les hommes. Une femme est un miracle. Une énigme en perpétuelle transformation : elle se métamorphose, dissimule, dérange parfois. J’aime le secret, l’étrangeté, le décalage, la drôlerie. Mes thèmes gravitent toujours autour de la condition féminine : ses évolutions, ses régressions, ses paradoxes. J’aime les femmes libres, même si je sais combien il est encore difficile, aujourd’hui, d’incarner cette liberté dans nos sociétés mouvantes.

Comment décririez-vous votre processus créatif aujourd’hui ? Comment appréhendez-vous l’intelligence artificielle dans votre travail ?
Depuis deux ans, parallèlement à ma pratique classique, je me passionne pour l’intelligence artificielle. C’est un outil prodigieux pour matérialiser rapidement ce que l’on porte en soi. Il permet d’exprimer presque instantanément ce que l’imaginaire cherche à formuler. J’aime les collages, les hybridations, les accidents visuels. L’image me fascine : elle est mon souffle, ma respiration. Je me réveille en image, je m’endors en image. La photographie reste mon moyen d’expression le plus sincère, mon alter ego.

Quelle place accordez-vous à la surprise, à l’accident dans vos créations ?
Avec l’intelligence artificielle, les accidents et les hasards sont omniprésents — et c’est précisément ce qui m’intéresse. On a parfois le sentiment de collaborer avec une autre partie de soi, une forme de pensée parallèle. J’en connais désormais les rouages, j’ai mes recettes, comme en cuisine. Je travaille également avec Adobe Photoshop. J’aime cette capacité à me projeter dans d’autres époques, à imaginer une femme glamour des années 1950 au milieu d’un désert ensoleillé, tout en restant chez moi, en plein hiver. Cette forme de déplacement imaginaire m’enchante.

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Vertige moral

Où qu’il aille, Nick Brandt compose des tableaux d’une beauté désarmante. La douceur des regards contraste avec la gravité des destins. Ses clichés abolissent les frontières entre espèces, continents et cultures. Le message est reçu tel un uppercut : tous subissent, avec dignité, les conséquences d’un désastre qu’ils n’ont pas provoqué. Cette ironie cruelle confère à l’œuvre une portée politique. Car Brandt ne se contente pas de documenter, il nous intime de prendre position. Certains modèles nous fixent d’ailleurs dans les yeux, interrogeant notre responsabilité. De la brume d’Afrique australe aux falaises jordaniennes, The Day May Break résonne comme un cri d’alarme. L’aube ou l’abîme : le choix ne leur appartient plus. Il est désormais le nôtre.

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Du frisson Badinter au chaos Saviano

Avec Robert Badinter, l’émotion jaillit : cette figure immense s’enflamme en évoquant le Vel d’Hiv’, frappe la table. L’image, sobre et frontale, se charge d’une intensité quasi testamentaire. À l’inverse, Roberto Saviano n’accorde que dix minutes. Une salle d’hôtel, trois fauteuils déplacés à la hâte, une assistante nerveuse et Corentin qui bute sur un meuble… Le cliché absorbe toute cette tension. Plus léger, Frédéric Pierrot s’abandonne au jeu : il s’allonge sur une table de bistrot en ébouriffant ses cheveux… Ici, la photo semble se faire toute seule. Au fil des pages, l’auteur interroge aussi le consentement et les poses genrées. Il refuse les attitudes convenues et invite ses modèles à lui signaler la moindre incongruité. Un geste simple, mais qui dit son désir d’équilibrer l’échange. Obstiné mais traversé de doutes, il décrit un métier où l’instinct compte autant que la technique. Regardez ici pour voir n’est pas un album de “people”, mais un journal de bord sensible, parfois râpeux. Fohlen y partage ses hésitations, ses élans, ses petites victoires. Il révèle surtout ce qu’on ne voit jamais : l’humanité cabossée qui surgit dans les rares secondes où tout s’aligne.

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À lire / L’interview de l’artiste ici

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