Modèle hybride

La mise en scène de Barrie Kosky, conçue avec Suzanne Andrade et la compagnie 1927, en révèle toute la liberté. « Il faut célébrer les contradictions de l’œuvre », souligne Kosky, refusant toute lecture univoque. Sur scène, les chanteurs évoluent dans un flux d’images animées inspirées du cinéma muet des années 1920, de l’expressionnisme et du music-hall. Suzanne Andrade insiste sur cette hybridation : « Nous ne faisons ni du théâtre avec du film, ni un film avec des acteurs ». L’histoire se construit avec les intertitres, les gestes et les images. Kosky parle même d’un « film muet de Mozart ». À la direction musicale, Riccardo Bisatti souligne la cohérence de cette œuvre multiple. Entre clarté lumineuse et tensions dramatiques, il accompagne ce spectacle total où musique et image respirent ensemble.

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Ultra moderne solitude

Composé à la fin de la vie de Janácek, l’ouvrage figure parmi les sommets de son catalogue. Le compositeur y déploie un langage musical unique, modelé sur les inflexions de la parole. La mise en scène de Kornél Mundruczó inscrit l’action dans un univers teinté de science-fiction. Emilia Marty y apparaît comme une artiste solitaire dont l’immortalité révèle surtout une accumulation de désillusions. À la direction musicale, Dennis Russell Davies poursuit ici son compagnonnage avec Janácek. Et, pour la première fois, Véronique Gens incarne le rôle écrasant d’Emilia Marty. Rarement donnée en France, L’Affaire Makropoulos rappelle avec force que l’éternité, loin de faire rêver, peut devenir le plus implacable des fardeaux.

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Nouveau souffle
Créée en 1986 à l’Opéra-Comique de Paris, l’œuvre lyrique traduit à merveille le surréalisme et la fantaisie du livre… et n’a bizarrement plus été jouée en France depuis. C’était sans compter sur l’arrivée à l’Opéra de Lille de Barbara Eckle. Séduite par une version donnée à Stuttgart en 2012, et surtout par « cette liberté et cette écriture polystylistique », la nouvelle directrice veut offrir l’occasion de (re)découvrir cette pièce méconnue. Mise en scène par Anna Smolar (familière du répertoire de Joël Pommerat), cette production (interprétée en français) place cette fois au centre de l’intrigue, non pas Colin, mais Chloé, son amante malade. En tout cas, elle s’annonce déjà comme un grand moment de poésie, d’humour… et de musique !

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Selon vous, qu’est-ce qui fait l’identité de ce lieu ? Il y a ici une approche du répertoire particulière, le baroque a toujours joué un grand rôle, comme les œuvres contemporaines, offrant une rare diversité artistique. Et puis je crois que le public lillois n’est pas conservateur. On peut donc construire quelque chose d’inédit ensemble, et cette curiosité permet l’expérimentation.

Comment décririez-vous votre projet et comment l’avez-vous élaboré ? Il s’appuie sur l’activité existante en développant les notions d’ouverture et de modernité. J’ai conçu la programmation aux côtés de Miron Hakenbeck, avec lequel je travaillais déjà à l’opéra de Stuttgart. Nous sommes dramaturges tous les deux et regardons toujours au-delà de l’oeuvre pour en distiller l’enjeu social, politique, philosophique… C’est pourquoi nous avons créé les “constellations”, une par saison, de l’automne à l’été.

De quoi s’agit-il ? De créer un petit monde autour d’une oeuvre lyrique, à travers une programmation de danse et de concerts, en lien avec l’esthétique et le sujet de l’opéra présenté. Pour cela, on travaille avec des artistes en prise avec leur époque. Ils peuvent parfois être très jeunes, donc une génération qui n’apparaît pas souvent à l’opéra. La programmation varie ainsi entre noms reconnus ou émergents.

Vous dites vouloir ouvrir les portes de l’opéra à un public encore plus large. Comment ? L’Opéra est ouvert lors des représentations, mais fermé le reste du temps, alors qu’il s’y passe beaucoup de choses ! On ne peut pas programmer plus de dates, mais on peut ouvrir le lieu durant une semaine spécifique, baptisée “Open Week”. Parallèlement aux répétitions d’une oeuvre lyrique (deux ou trois semaines avant la première), il y aura de la danse, des concerts, des conférences, des ateliers, des rencontres avec les artistes… Avec le public, on souhaite transformer l’opéra en lieu situé quelque part entre le terrain de jeu et l’agora.

Pouvez-vous nous parler des concerts “Sieste” et “Insomniaque” ? Il y a toujours eu les concerts du mercredi à 18h, avec un public très fidèle. C’est génial, mais ce format existe maintenant depuis plus de 20 ans. Nous avons donc imaginé d’autres manières de faire découvrir la musique. D’abord avec le concert “Sieste”, on s’allonge sur une natte pour écouter 45 min de musique à la pause déjeuner. Les concerts “Insomniaque” auront lieu la nuit, de 21h jusqu’à 1h ou 2h du matin, avec trois représentations consécutives, toujours sur des nattes. Cela suppose un autre état d’esprit et de corps. De plus, on met le public au même niveau, connaisseurs ou néophytes. Il y aura aussi de la musique électronique.

Comment allez-vous ouvrir cette saison ? Avec un moment qui reflète nos intentions, cet esprit d’ouverture et de liberté. On s’est appuyé sur le concept de parade. On va donc ouvrir la saison en dehors de l’opéra. Des groupes amateurs jouant des musiques très variées viendront de divers quartiers. Il y aura les harmonies de Lille-Fives et de Lille-Centre, un groupe de punk, Big Death Amigo, le chœur d’enfants de l’Opéra de Lille, Finoreille, un groupe d’avant-garde de jazz, une chanteuse lyrique…

Et ensuite ? Tous ces groupes vont se rassembler sur la place de l’opéra pour jouer une œuvre originale, composée par Michael Wertmüller, qui va fédérer les styles. Ensuite, on entrera dans l’Opéra pour écouter l’ONL jouer Parade d’Erik Satie, face au fameux rideau de scène peint par Picasso lors de la création du ballet, et prêté par le Centre Pompidou. Les élèves pianistes du conservatoire de Lille joueront aussi à tous les étages de l’Opéra.

S 62° 58′, W 60° 39′ de Peeping Tom © Samuel Aranda

Pourquoi avez -vous choisi, comme premier grand opéra, L’Écume des jours d’Edison Denisov, d’après Boris Vian ? Un roman qui résonne dans notre imaginaire collectif… Exactement, c’est l’une des raisons. Cet opéra a été créé à Paris en 1986. Je l’ai découvert à Stuttgart et j’ai toujours été très étonnée de voir qu’il n’avait jamais été repris en France. Edison Denisov a vécu en union soviétique quand les artistes étaient très contraints. Arrivé en France, il a pu créer librement. Il a développé un langage mêlant des styles de toutes les époques : le jazz, bien sûr, des chants de l’église orthodoxe, le surréalisme… Il est tant de découvrir cette œuvre, et Lille est le bon endroit !

Comment allez-vous construire cette constellation autour de L’Écume des jours ? En distillant les sujets de cette œuvre, la fragilité de la vie et de l’amour. Pour la danse, nous avons invité Peeping Tom. La pièce raconte l’histoire d’un navire prisonnier de la glace polaire, dans lequel les passagers tentent de survivre avant de développer un questionnement existentiel qu’on retrouve dans L’Écume des jours, quelque chose de l’ordre de l’innocence perdue. Et parmi les concerts, on entendra une œuvre que j’aime beaucoup, d’une poésie surréelle : Harawi d’Olivier Messiaen, sur l’amour au-delà de la mort.

On observe pas mal d’œuvres du XXe siècle dans la programmation. Est-ce là aussi un parti pris ? Je voulais donner de la place à des langages musicaux novateurs. C’est le cas pour Edison Denisov ou de Leoš Janáček, qui composait à partir de la mélodie des paroles autour de lui, dans la rue, et bien sûr la musique minimaliste de Philip Glass avec Les Enfants terribles. Donc oui, ce sont trois œuvres du XXe siècle, pas du tout académiques mais très abordables !

Vous faites aussi la part belle au répertoire avec, en été, La Flûte enchantée de Mozart… Oui, et cette mise en scène de Suzanne Andrade et Barrie Kosky est vraiment particulière, joyeuse, s’adressant à toutes les générations. L’histoire est servie par un film d’animation, qui traduit la rapidité des idées de Mozart et la place de la jeunesse, qui doit s’émanciper des parents pour trouver son propre chemin à l’aide de l’amour. C’est très moderne !

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Guerre éternelle

À l’origine, en 1688, le compositeur Marc-Antoine Charpentier (1643-1704) saisit l’occasion de donner la pleine mesure de son talent, après des années de règne de son rival Jean-Baptiste Lully. Destinée à éclairer les étudiants jésuites du Lycée Louis-le-Grand, l’oeuvre mêle théâéâtre en latin (une partie perdue) et opéra en français. Charpentier insiste moins sur les rôles politiques et sociaux que sur la psychologie des personnages – l’influence de Racine, peut-être ? Pour cette mise en scène, Jean Bellorini et Wilfried N’Sondé ont imaginé la séquence théâéâtrale manquante. Le tandem introduit également un nouveau personnage : une femme qui accompagne Saül. De quoi moderniser une pièce majeure du répertoire baroque dont le propos, hélas, fait toujours tristement écho à notre époque.

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Comme au cinéma

Si la musique reste la même, élégante et traversée d’airs délicats (dont le fameux Alto Giove), le metteur en scène Bruno Ravella aborde l’histoire sous un angle tragi-comique, avec une impressionnante mise en abyme. L’opéra est en effet abordé par le prisme d’un tournage de péplum, dans les années 1960. « On est dans les studios de Cinecittà. L’affiche du film constitue le rideau de scène. Dès qu’il tombe apparaît le plateau de tournage, avec ses projecteurs, ses cameramen… », indique Thomas Thisselin, responsable de la communication de l’Opéra de Lille. Au programme ? Décors en carton-pâte, héros bodybuildés et même… un gigantesque cyclope en latex ! « Ici, Acis est un peintre décorateur tombé sous le charme d’une des stars du film, qui raconte justement l’histoire originale d’Ulysse ». Ou comment ressusciter un chef-d’oeuvre oublié en lui offrant les atours d’un spectacle grand public.

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