Vassily Kandinsky, Gelb-Rot-Blau [Jaune-rouge-bleu], 1925.

Le maître des formes

Plus loin, la période du Bauhaus marque un moment de structuration. Kandinsky enseigne, observe, classe. Jaune-rouge-bleu condense cette recherche d’équilibre, avec une composition presque architecturée, où formes et couleurs s’organisent selon des principes que l’artiste souhaite universels. La dernière partie, dédiée aux années parisiennes, révèle un vocabulaire plus organique. Ainsi, Bleu de ciel, peint en 1940, semble flotter hors de toute pesanteur. Les formes biomorphiques y témoignent d’un regard attentif aux images scientifiques et biologiques, sans jamais renoncer à l’abstraction. Sans emphase, le parcours propose ainsi une lecture renouvelée d’un artiste que l’on croyait connaître. En donnant toute leur place aux images qui ont nourri sa réflexion, l’exposition éclaire la cohérence d’une œuvre en perpétuelle recherche. Kandinsky apparaît alors non comme un créateur isolé, mais comme un observateur attentif de son temps, transformant le visible en langage intérieur.

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Table ouverte

Outre la restauration en pierre bleue de l’allée menant vers le musée, l’ouverture vers l’extérieur a également été transformée, avec une vue plus aérée sur le jardin, lequel est enrichi d’espèces d’arbres et d’une nouvelle œuvre, en l’occurrence un pavillon de verre de l’Américain Dan Graham (Bayonne Pavilion). Et puis, qui dit lieu de vie dit ? Bonne chère, pardi ! En cela, le LaM inaugure au rez-de-chaussée un café-estaminet (façon « bistrot de quartier ») et à l’étage un restaurant, le tout sous la houlette d’une figure bien connue de la gastronomie régionale : le chef étoilé Florent Layden. Le “Pigments” (c’est son petit nom) nous invite ainsi à prendre place sur une terrasse panoramique, avec vue imprenable sur le parc de sculptures…

Nouveaux regards

Et côté programmation ? Là aussi, l’équipe du musée joue la carte du renouvellement et de l’expérimentation, en faisant la part belle à de jeunes artistes, invités à produire des œuvres originales. Au printemps, le Malgache Jessy Razafimandimby dévoile pour l’occasion un travail hybride entre sculpture, peinture, performance et marqué par la relation entre humanité et animalité. Désormais gratuit pour les moins de 26 ans (et pour les plus de 65 ans le vendredi après-midi), le LaM met également en valeur sa collection permanente en la régénérant tous les 18 mois, au gré d’expositions inédites (telle Obsession). On aurait aussi pu vous parler des nouveaux ateliers, des outils numériques, de la végétalisation des patios… mais le mieux, c’est encore de le découvrir, non ?

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Marisa Merz, Sans titre, s. d. Technique mixte sur papier, fil de cuivre ; 150 x 209 cm. Collection Merz. Courtesy Fondazione Merz – Gladstone Gallery, New York  Thomas Dane Gallery, Londres © Adagp, Paris, 2024. Photo : M3Studio

La fragilité

À côté, ses dessins à la mine de graphite, plus figuratifs, saisissent des visages comme des paysages mystérieux, tandis que ses toiles revisitent la grande peinture religieuse, avec ses madones, ses anges et ses femmes en prière, dont les mains en papier sortent littéralement de la feuille, prêtes à s’envoler. « On entre ici dans un monde fragile et poétique »… mais pas non plus dénué d’humour et de fantaisie. En témoigne ce lion façonné en terre crue, avec sa queue en fil de cuivre. Cette sculpture fut réalisée après que Marisa Merz reçut le Lion d’or de la Biennale de Venise, en 2013. Son fauve à elle apparaît bien moins flamboyant, et même pataud, comme s’il attendait d’être modelé. « C’est une façon de ne pas se prendre au sérieux, de se moquer d’elle-même comme du monde de l’art ». N’est-ce pas le symbole d’une absolue liberté ?

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Ça cartonne

Autodidacte ingénieux, amateur érudit, l’homme est à la fois réalisateur, scénariste, dialoguiste et producteur de ses films. Depuis 2001, il en a fabriqué une quinzaine, seul, dans une ancienne boucherie qu’il a transformée en maison-atelier-studio et qui abrite sa firme, la bien nommée Paravision. Pour cela, il a développé une méthode unique : ses acteurs et actrices sont des silhouettes en carton récupéré. Il les filme au caméscope ou en Super 8 devant des décors qu’il a lui-même conçus. Il les fait aussi parler en modulant sa voix – laissant entendre son accent du sud. Mesurant 1 m 38, ses “interprètes” sont peints avec une indéniable habileté à l’effigie des plus grandes vedettes du siècle passé. Soit autant d’étoiles parfois éteintes qu’il ressuscite pour nourrir ses castings. Par exemple, dans Les Cathares, il réunit Gene Tierney, Elizabeth Taylor, Charlton Heston, Jean Marais mais aussi… Claire Chazal et Sophie Marceau !

(c) N. Dewitte

À l’affiche

Est-ce de l’art brut ? Naïf ? Les qualificatifs importent peu. « C’est une performance à l’échelle de la vie, une œuvre totale », commente Christophe Boucher, commissaire de cette fascinante exposition. Celle-ci révèle les longs-métrages de l’Aveyronnais, ses fameuses silhouettes, ses scénarios soigneusement rédigés dans des cahiers d’écolier. On trouve aussi des affiches originales qui s’apprécient comme autant de peintures (Kerven et Delépine lui en commandèrent une pour I Feel Good). Quelque part entre Ed Wood et le Facteur Cheval, Marcel Pagnol et le Hollywood de Cecil B. DeMille, Guy Brunet livre ici son âge d’or du cinéma, avec ses péplums ou films d’aventure, et surtout une vibrante déclaration d’amour à l’art et la création.

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La libération par le salut

En 1969, Anselm Kiefer est encore étudiant à l’Académie des beaux-arts de Karlsruhe lorsqu’il provoque le scandale. Pour cause, il se photographie en France, en Italie et en Suisse en effectuant le salut hitlérien, habillé de l’uniforme d’officier de la Wehrmacht de son père. Baptisée Occupations, cette série lui valut d’abord l’étiquette de “provocateur”. Lui se voit plutôt comme un « révélateur », s’interrogeant sur le rôle qu’il aurait tenu s’il avait grandi durant le Troisième Reich – il est littéralement “occupé” par cette pensée. « Vous savez, en 1930, tous les Allemands étaient pour Hitler », rappelle-t-il. À travers ces clichés, « il montre aussi à l’Allemagne ce qu’elle se cache à elle-même », ajoute Jean de Loisy, le commissaire de cet accrochage, qui débobine la pellicule pour percer les secrets de fabrication du plasticien. Car la photographie est bien au commencement de son œuvre. « C’est un aspect fondamental, elle nourrit toute l’exposition mais n’est pas l’unique sujet, précise Grégoire Prangé, le co-commissaire. Anselm Kiefer est avant tout peintre et sculpteur ». Le parcours fait d’ailleurs la part belle à nombre de ses toiles, dont certaines iconiques, comme ce gigantesque tableau consacré à Lilith, figure récurrente de sa production.

Der gestirnte Himmel über uns und das moralische Gesetz in uns (Le Ciel étoilé au-dessus de nous et la loi morale en nous), 1969-2009 © Anselm Kiefer. Photo : Atelier Anselm Kiefer

Profondeur de champ

Utilisée à chaque étape de son travail, la photographie (cet « auxiliaire essentiel ») s’affirme aussi comme une oeuvre en tant que telle. En témoignent ces Paysages stériles, soit des images de champs défigurés, rendus infertiles par la guerre. Présentées dans des cadres en acier, celles-ci sont surmontées d’instruments obstétriques… Au centre de l’exposition trône également une grande installation exhibant un vélo noyé sous un déluge de pellicules de plomb. « Il faut y voir un autoportrait de l’artiste, suggère Jean de Loisy. Elle figure une pluie de photographies sous laquelle Kiefer a l’impression de créer ». Lequel n’a pas fini de nous bousculer avec une oeuvre chargée de symboles et souvent incandescente.

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Images volées

« L’oeuvre de Mohamed est profondément sociale », observe Marie-Amélie Senot, responsable du fonds d’art contemporain au musée de Villeneuve d’Ascq. Elle est aussi collaborative, l’intéressé voyant sa pratique comme « un moyen de créer des connexions ». Entre les gens bien sûr, mais aussi des sujets récurrents : il est ici question de contrôle, de rapports de force, de l’autorité… En témoigne le projet Shoplifters, dont le point départ est la découverte de clichés de voleurs à l’étalage, exhibés dans un supermarché de Brooklyn. « Le patron du magasin les photographiait avec dans les mains l’objet qu’ils essayaient de dérober ». Mohamed Bourouissa a soigneusement « shooté » puis restauré ces polaroids détériorés. Disposées sur des grilles, ces images agrandies révèlent des personnes démunies, prises “la main dans le sac”, parfois dépitées mais souvent souriantes. « C’est une forme de défiance, de résistance. J’y vois aussi une généalogie de la surveillance, dont le paroxysme serait l’utilisation des caméras de reconnaissance faciale ».

Vue de l’installation Seum, 2023, Mohamed Bourouissa © Nicolas Dewitte

You’re Under Arrest

Lors de cette exposition, on admire aussi l’installation Seum, qui atteste de l’éclectisme du natif de Blida. Celle-ci raconte l’histoire d’un contrôle policier musclé – qu’il a lui-même subi, chez lui à Gennevilliers, voici un an. Sur les murs sont accrochées des sculptures en aluminium, figurant ici un visage écrasé contre une paroi, là une jambe bloquée ou une main saisissant un entre-jambe masculin. Au milieu de la pièce sont suspendues des aquarelles abstraites, tandis que résonne une musique aux accents doux, méditatifs, qu’il a composée. « Lors d’une fouille, on ne s’appartient plus, on devient un objet, comme vidé de sa propre substance, commente l’artiste. Les dessins placés au centre illustrent cette envie de rentrer en soi-même pour s’échapper de l’extérieur, ce sont des pensées refuges ». Une œuvre puissante, politique et qui nous embarque… sans résistance.

Vue de l’installation Seum, 2023, Mohamed Bourouissa © Nicolas Dewitte

A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

Mohamed Bourouissa (c) Studio Bourouissa

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Que dessiniez-vous alors ? Des personnages issus de Dragon Ball Z ou d’Ulysse 31, des dessins animés qui passaient à la télévision. Et surtout beaucoup de comics américains, comme Magnéto ou Wolverine, j’étais fasciné par ses griffes ! La culture populaire fut ma porte d’entrée dans l’art.

Puis vous vous êtes révélé grâce à la photographie. Comment vous êtes-vous intéressé à ce médium ? J’ai d’abord préparé un brevet de technicien dessinateur-maquettiste, plus attiré par le côté “dessinateur” que “maquettiste” d’ailleurs… Je graffais aussi sous le nom de Meko, au sein du collectif EP4. Puis je suis rentré à l’université (ndlr : à Paris 1 Panthéon-Sorbonne) où j’ai appris l’histoire de l’art. Dans le même temps j’ai découvert le travail de Jamel Shabazz, qui photographiait les gens issus de la communauté noire américaine et l’émergence de la culture hip-hop, dans le New York des années 1970 et 1980. Son livre, Back in the Days, a été une bible pour moi. Et je me suis rendu compte qu’on ne voyait pas ce genre d’images ici, en France. C’est-à-dire de moi, de mes potes. J’ai alors décidé de les représenter aussi. J’ai acheté un Pentax d’occasion, puis passé plusieurs mois dans le quartier de Châtelet Les Halles et ça a donné Nous sommes Halles.

© Nicolas Dewitte

Puis est venue la série Périphérique… Oui, c’est le projet qui m’a fait connaître, dans la continuité de Nous sommes Halles. Cette fois je me suis intéressé aux jeunes de banlieue, présentés dans des mises en scènes évoquant des classiques de la peinture, comme des tableaux photographiques.

Vous multipliez les pratiques, entre le dessin, la vidéo, la photographie, la sculpture, le théâtre… Pourquoi ? Parce que je suis curieux ! Pour moi l’art est un terrain de jeu, une recherche constante. Je suis un éternel étudiant, j’apprends tous les jours. Mes sujets sont souvent les mêmes mais j’essaie de les aborder par d’autres prismes. J’ai aussi un défaut, qui est parfois une qualité : je suis très influençable. J’absorbe les choses, comme une éponge, et ça me permet de me remettre en cause perpétuellement.

On dit souvent que vous vous intéressez aux “marges” de la société. Êtes-vous d’accord avec ça ? Ce qu’on appelle “les marges” n’en sont pas vraiment pour moi. Je parlerais plutôt “d’écosystèmes parallèles”, qui se croisent parfois, ou pas. Dans mon travail, j’essaie de créer de connexions, des ponts entre des mondes apparemment éloignés.

Mohamed Bourouissa: Horse Day from Liverpool Biennial on Vimeo.

Dans l’installation Seum, dévoilée au LaM, vous mettez en scène un contrôle policier, menant à une forme une palpation poussée, et donc à la dépossession de son propre corps… Y a-t-il aussi une dimension politique dans votre travail ? Oui, bien sûr. C’est la partie visible. Des forces s’exercent sur les minorités, mais c’est lié à la structure même de nos sociétés. Quand j’étais plus jeune, en 1995 la France a été frappée par les attentats de Khaled Kelkal, et à ce moment-là je subissais trois contrôles par jour, alors que j’étais encore adolescent… Ces sujets infusent forcément mon travail. Pour tout dire, cette sculpture représentant une main qui saisit un entrejambe masculin et que l’on voit dans cette installation, c’est du vécu. J’ai subi cette fouille de la part d’un policier, il y a un an, à Gennevilliers où j’habite. Cet épisode m’a en partie donné envie de réaliser cette œuvre qui évoque le rapport de force, la domination masculine.

Vue de l’installation Seum, 2023, Mohamed Bourouissa © Nicolas Dewitte

Dans cette oeuvre vous évoquez aussi la liberté de l’esprit, qui tente de s’enfuir de cette violence extérieure. S’agit-il d’une forme de résilience ? À un moment j’évoquais beaucoup ce terme, mais j’en suis revenu car il est problématique. Certes il sous-entend un dépassement, mais aussi une forme d’acceptation de la situation. Il faudrait inventer un nouveau mot, qui traduirait en même temps la résistance et l’émancipation, la transformation…

Pour l’affiche de cette exposition au LaM, vous vous mettez en scène avec une mygale vous grimpant sur le cou. Pourquoi ? C’était un moment très impressionnant et j’ai senti une connexion quasiment mystique, spirituelle avec cet être élégant et pourtant très fragile. Nous ressentons une peur ancestrale face à cet animal, intégrée dans notre inconscient, et j’essaie justement de déconstruire ce qui est ancré en nous…

(c) N. Dewitte

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