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On se souvient par exemple de Princesses… Oui, cet album s’est vendu dans le monde entier. Il m’a ouvert beaucoup de portes. Petit inconvénient : j’ai été cataloguée comme “dessinatrice de princesses”… Or, j’ai très tôt dépassé ce registre. C’est encore le cas avec Des Souris et des hommes.

Comment qualifieriez-vous votre style ? J’ai toujours adoré les images emplies de détails. Depuis toute petite, j’admire les tableaux de la Renaissance, de Brueghel. Bien plus modestement, je cultive ces petites histoires cachées, ces nombreux niveaux de lecture… Au fil du temps, je m’intéresse davantage au rapport texte-image, à la narration.

Illustrations © Rébecca Dautremer éd. Tishina

Quelle est la genèse de ce livre, Des Souris et des hommes ? C’est d’abord la volonté d’un éditeur, Tishina, une toute petite maison fondée par deux jeunes passionnés. J’avais déjà réalisé pour eux, il y a une dizaine d’années, une adaptation de Soie, le best-seller d’Alessandro Baricco. Ce fut ma première expérience dans l’illustration pour adultes.

Quel est le principe ? Il s’agit de conserver le texte intégral, sans retirer une virgule. C’est la particularité de notre projet. Avec Des Souris et des hommes, j’ai souhaité approfondir cette démarche, créant un objet hybride entre le roman et le livre d’images, soit une petite brique de 420 pages illustrées.

Illustrations © Rébecca Dautremer éd. Tishina

Pourquoi s’intéresser à ce roman de Steinbeck ? Nous cherchions un texte relativement court, que l’on pourrait conserver entièrement – cela aurait été impossible avec Salammbô de Flaubert ! Nous avions d’abord évoqué La Vie devant soi de Romain Gary mais les droits nous sont passés sous le nez ! Des Souris et des hommes est alors apparu comme une évidence. C’est une fable mythique. De plus cette époque, la Grande Dépression, me fascine visuellement, souvenez-vous des photographies de Dorothea Lange.

Quelle en est votre lecture ? Je trouve le propos captivant : la première puissance mondiale, à un moment de son histoire, a connu la famine à cause d’un système financier absurde. Les Hommes ont vécu dans une extrême misère matérielle et morale. En même temps, le récit révèle des sentiments forts. Aucun personnage n’est vraiment sympathique, la pauvreté les rend tous teigneux, mais on les aime…

Comment avez-vous travaillé ? J’ai varié les codes graphiques. Certaines pages séquencées comme une BD alternent avec de grandes peintures à la gouache. Parfois, je me suis inspirée de l’art brut pour traduire les visions de Lennie. D’autres images restituent la patine et le folklore des illustrations de l’époque. J’ai notamment détourné de fausses affiches de théâtre, de cinéma… Surtout, je me suis interdit toute retouche. Je n’ai jamais effectué de croquis préparatoires, ni changé de papier, prenant le risque d’assumer des dessins moins bons. J’ai envisagé ce livre comme un carnet de croquis, et je me suis lâchée !

Illustrations © Rébecca Dautremer éd. Tishina

Le texte est dense, il contient beaucoup de dialogues… Oui, et il se prête bien à l’adaptation d’un roman graphique. Au fond, c’est quasiment du théâtre. J’ai appréhendé les personnages sous le prisme du jeu d’acteur, comme sur une scène.

Steinbeck donne également peu d’indications quant aux décors. Comment avez-vous composé avec cette difficulté ? Pour moi c’est un atout, je peux ainsi m’emparer plus librement du livre. J’illustre des lieux précis (le ranch, la montagne…) par de simples dessins au crayon. Je soigne aussi de petites images avec des coins arrondis en début de chapitre. Elles sont comme de vieilles photos restituant l’ambiance de l’époque : ici un livre déchiré, là une vieille lampe déglinguée… J’ai enfin réalisé de grands tableaux en ouverture des chapitres, renvoyant aux photographies de Dorothea Lange (les machines agricoles, les ouvriers dans les champs de coton…)

Il y a parfois des dessins sans texte… Oui, sur plusieurs grandes doubles pages. Elles développent des histoires en dehors du récit originel, révélant ce qui n’est pas dit dans le roman. Ces images silencieuses illustrent des souvenirs, des flashbacks, des fantasmes… Il ne s’agissait pas de coller absolument au texte, j’en livre parfois ma propre vision. Steinbeck est très factuel, ne dévoile pas les émotions des personnages. Je me suis engouffrée dans cette brèche.

Illustrations © Rébecca Dautremer éd. Tishina

Pourquoi avez-vous agrémenté le récit de fausses réclames ? Pour montrer la dureté du monde dans lequel les personnages évoluent : ce capitalisme absurde, l’argent qui écrase tout. Mais, en même temps, j’y invite les petites souris dont raffole Lennie !

Combien de temps cela vous a-t-il pris ? Oh mon dieu ! J’ai travaillé durant 16 mois, 15 heures par jour, 7 jours sur 7… ça a été une horreur. En réalité, il m’aurait fallu plus de deux ans !

Est-ce votre plus grand défi ? Oui, pour le mélange des registres, le rapport texte-image. C’est une proposition radicalement différente d’une BD, offrant une lecture inédite !

Quels sont vos projets ? Je prépare d’autres albums liés à l’enfance, notamment la série du lapin Jacominus. Je participe toujours à des conférences sur mon métier mais j’en ai un peu assez, j’ai envie de m’amuser ! C’est pourquoi je prépare un spectacle. Avec un danseur de hip-hop, qui incarne mon personnage. C’est l’occasion d’expliquer mes problèmes, la page blanche, l’inspiration, mon enfance… En somme, c’est l’éternelle histoire du créateur et de sa créature.

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S’ensuivront des études aux Arts décoratifs de Strasbourg. Son meilleur ami est un certain Blutch. Après cinq ans, ils se retrouvent à Paris. « Il m’avait embarquée dans Fluide glacial mais ça m’avait un peu effrayée de me retrouver dans cette équipe de mecs, je me suis donc réfugiée dans la littérature jeunesse, où il y avait plus de filles ». L’Alsacienne fourbit ainsi ses armes durant 10 ans dans différentes maisons “jeune public”. « J’ai très vite pu vivre de mes petits dessins, sans penser à la BD, ça me paraissait impossible ». Et pourtant…

Coup de foudre

A la fin des années 1990, une rencontre avec la coloriste Véronique Grisseaux la renvoie à ses premières passions. Elles créent le personnage de Lucie, une jeune célibataire un peu paumée, sorte de Bridget Jones à la française – et avant l’heure. « On racontait nos histoires de trentenaires cherchant l’amour ». Casterman leur commande trois albums. Ce succès lui donne des idées. « Je souhaitais agrandir le monde autour de mon héroïne, mais j’avais besoin d’aide au niveau scénaristique… ». En 2003, elle croise l’écrivain José-Louis Bocquet, lors du festival d’Angoulême. C’est un coup de foudre artistique (et amoureux). Ensemble, ils publient Kiki de Montparnasse en 2007. Cette première « biographique » retrace le parcours de la “star” des Années folles, et muse de Man Ray. « Cette sorte de Madonna laisse une trace indélébile, demeurant un symbole de liberté, d’émancipation féminine ». Catel la croque avec son trait si singulier : délié et enlevé. « Je me situe entre le classicisme et la modernité, la ligne claire de l’école belge et la culture du roman graphique qu’incarnent Sfar ou Blain », dit-elle.

Suivront Olympe de Gouges, rédactrice de la déclaration des droits de la femme et de la citoyenne en 1791 (guillotinée deux ans plus tard), puis Joséphine Baker… « Elle est très connue, certes, mais pas forcément pour les bonnes raisons. Cette Vénus noire habillée de bananes était une résistante durant le Seconde Guerre mondiale, une femme engagée contre la ségrégation raciale, et puis elle a adopté 12 enfants de couleurs de peau différentes. Dans sa “tribu arc-en -ciel”, chacun pouvait vivre en conservant sa religion. Cette icône glamour a montré qu’il était possible de vivre fraternellement en ayant des cultures ou valeurs différentes ». On citera, aussi, Ainsi soit Benoîte Groult, portrait d’une figure du féminisme français et influence majeure de Catel.

Les clandestines

Celle qui a toujours signé ses œuvres de son prénom («la seule chose qu’une femme garde, contrairement à son nom ») se revendique féministe, au sens le plus littéral du terme, militant pour « l’égalité des droits entre les hommes et les femmes ». Le choix de ces personnages n’est en rien hasardeux. « Nous nous intéressons aux clandestines de l’Histoire, celles qui l’ont marquée mais qu’on n’a pas retenues ».

Dans le même esprit, Catel et Bocquet planchent aujourd’hui sur Nico, égérie du Velvet Underground, mais aussi Alice Guy, dont on découvre au CBBD quelques planches. « C’est la toute première cinéaste. Elle reste largement méconnue mais a pourtant signé, dès la fin du xixe siècle, plus de 500 films ». Pas rancunière, cette auteure prolifique s’attelle aussi, cette fois seule et pour la première fois, au portrait d’un homme. Pas n’importe lequel, car il s’agit de… René Goscinny ! Joli symbole, n’est-ce pas ?

A LIRE AUSSI : L’INTERVIEW DE CATEL

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« Et si on se murgeait tous les week-ends ? ». À 15 ans, Jonathan A., double fictif de l’auteur, Jonathan Ames (romancier et créateur de la série Bored to Death) et Sal, son meilleur (petit ?) ami, découvrent le plaisir désinhibant de l’alcool et décident de s’y adonner régulièrement. De joyeuses cuites sans conséquences – avec le fantasme du jeune écrivain d’approcher les destinées de Kerouac ou d’Hemingway – se transforment bientôt en beuverie ininterrompue. Se réveiller à côté d’une naine excitée, déguster une saucisse avec Monica Lewinsky, expliquer une calvitie par un diagramme… l’antihéros fait rire mais renvoie à la dure réalité de la dépendance. La séparation, qu’elle soit amicale, amoureuse ou familiale, creuse les blessures de cet alcoolique sensible et touchant. Le désespoir est continuellement alimenté. La répétition du même dessine un cercle infernal oscillant entre autodestruction et instinct de survie. C’est glaçant de sincérité jusqu’à frôler le pathétique. Le graphisme en noir et blanc du cartooniste d’American Splendor, Dean Haspiel, renforce l’ambivalence du personnage – se détruire et se soigner. Sans parler de la magnifique couverture sérigraphiée et cabossée « pour rappeler que la vie ne laisse personne indemne ».

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L’absence et la redécouverte. Au début des années 1950, en bon père de famille et fatigué de la routine des arrestations de méchants, Eisner raccroche. Donne des cours dans une école d’art new-yorkaise, illustre des revues éducatives à destination des… militaires, auxquelles on jette un oeil étonné. De quoi sombrer tranquillement dans l’anonymat. Pourtant, coup du hasard, des archéologues d’une culture pop encore balbutiante exhument The Spirit au mitan des sixties. Défendent sa ligne, son avant-gardisme, sa pertinence. Eisner est touché mais refuse le dernier tour de piste. Marqué par les audaces de Robert Crumb et de la free press – dont, honnête bourgeois, il ne partage pas les opinions politiques anarchisantes – le vieil auteur remet tout en question. À commencer par son savoir-faire…

Le retour du père prodige. Conceptualisant, à travers deux ouvrages, le roman graphique, Eisner souligne que le texte n’est pas le faire-valoir du dessin, mais doit jouer à jeu égal, ou presque. Le maître se penche sur son enfance, le Bronx, ces familles entassées, ces « salauds de pauvres », comme dirait l’autre, et fait montre d’un humour noir et acerbe. Un Pacte avec Dieu ou Le Rêveur sont des preuves flagrantes de cette révolution, qui tord les cadres étriqués pour laisser place à des plans dignes d’un metteur en scène. Pour saluer cette oeuvre moderne, l’exposition ne se contente pas d’aligner des planches originales, ces reliques païennes, mais présente des vidéos d’entretiens, des éditions étrangères aux couvertures variées… Un véritable tour d’horizon d’un auteur majeur qui aura eu la chance… d’en avoir une deuxième.

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© Joann Sfar, éd. L’Association

Made in USA
À l’origine, il s’agit de la traduction de « graphic novel » – cette appellation apparut pour la première fois en 1964, sous la plume du critique littéraire Richard Kyle, qui souhaitait distinguer certains comics jugés plus mûrs, plus sérieux, estimant que le terme « comics » renvoyait à des ouvrages enfantins. Il s’agissait moins pour Kyle d’évoquer la fiction (le roman en soi) que de légitimer des oeuvres en les élevant au rang de littérature. Et en 1978, Will Eisner reprit le terme à son compte pour défendre Un Pacte Avec Dieu (le récit dessiné de son enfance dans le Bronx) auprès d’éditeurs snobant les comics. Eisner théorisera la notion dans des ouvrages académiques. À sa suite, Art Spiegelman explore la mémoire de la Shoah à travers Maus, qui accède au rang de classique.

Le sens des réalités

© Davide Reviati, éd. Cambourakis

On le voit, cette geste se nourrit du réel. Qu’il s’empare de questions politiques (Castro, de Reinhard Kleist), intimes (l’épilepsie dans L’Ascension Du Haut-Mal de David B.) ou tout cela à la fois (la vie d’un combattant antifranquiste, père de l’auteur, dans L’Art De Voler, d’Antonio Altarriba et Kim), le roman graphique traite de sujets sérieux, adultes (citons Persepolis, de Marjane Satrapi). Il existe d’ailleurs une sorte de « politique des auteurs », pour reprendre un terme cher à la Nouvelle Vague. Si, dans la BD classique, le héros récurrent éclipse le dessinateur, le roman graphique identifie d’abord l’auteur – oui, comme un romancier, une fois encore. L’ironie de l’histoire, c’est qu’en Europe, aucun auteur ne vous dira qu’il fait du roman graphique, rejetant une étiquette un peu précieuse et revendiquera la BD. Un dernier pour la route ? Le Groom Vert-de-gris, de Yann et Schwartz. C’est un Spirou et pourtant, on le rangerait bien dans la case roman graphique. On va sans doute l’offrir à notre pigiste…

Portraits

La + prometteuse
Julie Maroh

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Multi-primé, traduit dans plusieurs langues et bientôt adapté au cinéma, Le bleu est une couleur chaude (Glénat, 2010) conte une histoire d’amour dramatique entre Emma et Clémentine. Les planches de Julie Maroh se distinguent par un trait subtil, une opposition clair-obscur et un délicat usage de la couleur. F.A.

Le + journaliste
Étienne Davodeau

© Etienne Davodeau

En 1992, son premier album contient déjà tous les thèmes qui lui tiendront à coeur : amitié, militantisme, vie quotidienne… Son oeuvre, couronnée par de nombreux prix, oscille entre fiction, documentaire et poésie du quotidien. F.A.

Le + inattendu
Derib

Mais que vient faire le papa de Yakari ici ?! C’est que le Suisse a signé, entre autres, une fresque d’une trentaine d’albums narrant la vie d’un trappeur marié à une squaw. Buddy Longway, c’est la vie sauvage, le choc des cultures, des personnages qui mûrissent et vieillissent… Un roman graphique au format franco-belge. T.A.

Pour aller plus loin

À visiter / Deux expositions à Bruxelles, au Centre Belge de la Bande Dessinée :
Jusqu’au 07.04.2013 : Dix ans d’Écritures (exposition consacrée à la collection Écritures des éditions Casterman, spécialiste ès-roman graphique)
17.09>02.03.2014 : Will Eisner, du Spirit au roman graphique Bruxelles, CBBD, tlj sf lun, 10h>18h, 8/6,3€, + 32 (0)2 219 19 80
À lire /
Joseph Ghosn, Roman Graphique : 101 propositions de lectures des années soixante à deux mille
(Éd. Le Mot Et Le Reste, 270 p., 30€)
À découvrir / Le site des éditions Cambourakis

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Comment expliquez-vous l’engouement actuel pour ce type de BD ?
Persepolis de Marjane Satrapi et Le Chat Du Rabbin de Johann Sfar, qui n’est pas un roman graphique d’ailleurs, ont représenté un tournant et fait découvrir la BD à un nouveau public. Cette explosion a favorisé l’apparition de nombreuses maisons indépendantes, qui ont profité de l’impulsion donnée par L’Association. Mais leur public n’est pas forcément fidèle, c’est pourquoi je ne vois pas d’engouement. Hélas, il s’agit plutôt de stagnation, voire de régression.

Quel avenir pour la bande dessinée ?
Cet avenir dépend de celui du livre en général. Les librairies ferment les unes après les autres – prenez le cas de Virgin, par exemple. Je ne suis pas sûr qu’il reste beaucoup de maisons d’édition d’ici trente ans. Donc l’avenir du roman graphique est aussi lié à la crise du livre.

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