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Espace de liberté

Chaque portrait repose sur un pacte de confiance, perceptible dans la retenue des gestes. « Le corps, comme la photographie, est l’image que nous offrons au monde », écrit-elle. Mais sous l’épiderme, ça travaille. L’accrochage lui-même épouse cette logique. Pensé comme une partition, il alterne formats et respirations tandis qu’une création sonore transforme le parcours en expérience sensible. Lucie parle d’« élasticité », celle des chairs, mais aussi des images, capables de contenir plusieurs récits à la fois. À la sortie, rien n’est résolu – et c’est tant mieux. L’exposition ouvre un espace où les identités se relâchent, se réinventent, où l’image cesse d’assigner pour devenir un terrain d’émancipation.

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Parcours de combattantes

Ainsi Anta, orpheline et boursière, à la pensée affûtée, qui affronte ses démons avant de tout quitter pour tenter sa chance à Paris — avec une séquence au Panthéon particulièrement éloquente. Ou Lila, elle aussi boursière, qui entreprend de se dégenrer et articule, avec une apparente évidence, son combat écologique à ces questions identitaires. Il y a encore Evy, extravertie, en quête d’un ancrage après une enfance en perpétuel mouvement. Et, Talia, tiraillée entre sa judéité et ses aspirations personnelles, cherchant à concilier tradition et modernité.

Work in progress

Entre éco-anxiété et légèreté, élans d’espoir et scepticisme lucide, Girls for Tomorrow est un voyage intime et politique, traversé de fulgurances. Il interroge la manière dont les jeunes générations reçoivent le monde — et choisissent d’agir en profondeur, quitte à mobiliser consciemment les réseaux sociaux. Nora Philippe projette d’ailleurs de poursuivre ce portrait au long cours, avec de nouveaux rendez-vous à venir (un clin d’œil assumé au temps long de Richard Linklater). À noter enfin que la réalisatrice s’autorise ici l’autoportrait, à grand renfort d’archives tournées en Super 8, pour ce qu’elle nomme un « documentaire à sa fille ». Une boucle à la fois logique et sensible. Un film qui conjugue, avec justesse, féminisme, éloquence, activisme et sororité.

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Conte surréaliste

L’exposition s’articule en deux mouvements. D’abord documentaire, avec des images dévoilant l’intimité de la vie de l’octogénaire. Puis allégorique, grâce à sept tableaux élaborés comme les chapitres d’un conte visuel. Inspirée par les peintures surréalistes de Magritte, la Bruxelloise accorde fragilité et excentricité, « tristesse et rigolade ». Ici, Maurice est minuscule dans un lit trop grand, là il trône en majesté dans une chambre dont les murs sont parsemés de nuages. Il erre parmi les horloges ou les miroirs. Charlotte Abramow, déjà reconnue pour son œuvre féministe, dévoile une nouvelle facette de son talent : celle de transformer la douleur en beauté. Maurice s’est éteint en 2018 mais, dans ces images, il continue de vivre. Drôle, tendre et invincible.

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Autodidacte

Tout de même, ce trait soigné, vaguement ligne claire, il ne sort pas de nulle part, si ? « J’ai commencé à dessiner vraiment par hasard voici trois ans, sur une petite tablette assez archaïque. Des choses en noir et blanc qui relataient la vie à l’école. Aujourd’hui, je débute par un photomontage et je poursuis par calques successifs ». Outre ce travail pictural, on connaît Alcide Dessine via son groupe pop, Gang Clouds (eh oui!), et notre homme possède encore quelques marottes. « Comme tous les gens prétentieux, j’ai commencé un roman… toujours inachevé. L’écriture de scénarios, voire la scène m’intéressent également ». Bref, sous une forme ou une autre, on risque de retrouver bientôt Alcide dans les pages de LM.

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A LIRE AUSSI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

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Comment cette série sur les ateliers est-elle née ? Durant mes études, j’étais fasciné par les images de Matisse par Cartier-Bresson, de Picasso par Brassaï… Je les trouvais très “romantiques”. J’ai toujours envisagé la photographie comme un passeport pour percer un milieu. Spécialisé dans le domaine culturel, j’ai ainsi rencontré beaucoup d’artistes. Mais en 2004 j’avais l’impression de tourner en rond en tant que portraitiste. Photographier leurs ateliers m’a permis de brosser des portraits originaux. Certes, les créateurs n’apparaissent pas à l’image, mais leur présence est manifeste.

Vous souvenez-vous du premier cliché de cette série ? J’ai d’abord reçu une commande pour photographier le nouvel atelier du sculpteur Antony Gormley, au nord de Londres. A l’époque, je travaillais en moyen format et n’étais pas convaincu du résultat, car le lieu était énorme. Mon agent m’a alors suggéré d’employer un objectif panoramique, normalement réservé aux paysages extérieurs – celui-là même dont se servait Josef Koudelka. J’ai donc rappelé Antony pour renouveler l’opération. Il m’a demandé de passer en fin de matinée, n’ayant plus le temps de me recevoir. L’atelier était donc vide. Cette première photo trahit vraiment une présence. J’ai l’impression d’y voir Antony, alors qu’il n’est pas là…

Antony Gormley, 2004 © Gautier Deblonde

Votre protocole si particulier est donc le fruit du hasard ? Oui. Après cet épisode, j’ai décidé de réaliser toute la série de cette manière. Dans un atelier inoccupé et à l’heure du déjeuner, soit un moment de pause où tout est encore en place. C’est une parenthèse dans la journée, un temps suspendu.

Comment vous accueille-t-on sur place ? Mes interlocuteurs comprennent vite ce que j’attends. Le plus compliqué est d’instaurer une relation de confiance. Ensuite, ils me laissent seul et je m’accapare leur espace… Au final, j’ai contacté plus de 200 artistes, visité 130 ateliers et il y a 69 photos dans le livre, une par lieu.

Concrètement, comment procédez-vous ? Je place toujours mon appareil à une hauteur d’un mètre cinquante et use d’un temps de pose assez long, jusqu’à trois minutes. Ce format panoramique révèle des paysages intérieurs, intimes. J’impose également un point de vue, une certaine distance. Je ne souhaite pas trop m’approcher, pour ménager un certain mystère. Je suis curieux, mais n’ouvre pas non plus les tiroirs…

Georg Baselitz, 2008

S’agit-il de découvrir les secrets de ces artistes ? Un peu, mais ils aiment garder le contrôle. Ce sont aussi de grands menteurs (rires). Admirer leurs œuvres dans des musées reste fascinant, mais elles sont toujours encadrées sur des murs blancs, des décors cliniques. J’avais envie de remonter à la source : là où elles naissent. De découvrir, non pas une recette, mais des indices, les coulisses. L’atelier demeure un lieu de spectacle, avec une lumière, une ambiance, des traces… Tout cela raconte une histoire.

Que disent ces ateliers de leurs occupants ? A nous de l’interpréter. Ces clichés traduisent leurs obsessions. Leur personnalité règne dans ces espaces uniques. Mes images oscillent entre le documentaire, renseignant sur un lieu de création, le portrait ou une œuvre à part entière.

Par exemple ? J’aime beaucoup cette photo de l’atelier de Damien Hirst. On y retrouve ses fameux crânes humains, ses peintures de boîtes de médicaments ou cette photographie prise durant la seconde guerre en Irak. Celle-ci montre un homme sortant des décombres, couvert d’une poussière grisâtre. On dirait une sculpture, la momification d’un moment dramatique de l’Histoire. Ma photographie illustre la boulimie d’un artiste récupérant toutes sortes de codes et d’images, son côté warholien.

Damien Hirst, 2005 © Gautier Deblonde

Comment avez-vous choisi les modèles ? J’ai dressé deux listes : celle des gens qui me fascinaient comme Ellsworth Kelly, Jasper Johns ou Christian Boltanski… Puis une seconde répertoriant des créateurs très en vue comme Jeff Koons ou Takashi Murakami. Bref, ces enfants terribles de l’art contemporain.

Comment les avez-vous approchés ? Installé depuis une dizaine d’années à Londres, j’ai commencé avec les Anglais que je connaissais, avant d’écrire à tout le monde à l’étranger. Puis, au cours d’un premier voyage à New York, j’ai eu la chance de rencontrer Nan Goldin, Jeff Koons, Ellsworth Kelly et Jasper Johns durant la même semaine ! Une fois que vous avez ces noms-là dans la boîte, les portes s’ouvrent…

Nan Goldin © Gautier Deblonde

Quels sont vos souvenirs les plus marquants ? Je n’oublierai jamais cet instant passé avec Nan Goldin. Je suis arrivé chez elle à New York en début d’après-midi, soit un horaire en dehors de mon protocole. C’était un choix de sa part, que je ne pouvais refuser… Nous étions en hiver, la lumière est vite tombée, nous avons donc allumé les lampes. En m’accueillant, elle m’a dit “faites attention, beaucoup de gens sont morts ici”, puis elle est partie !

A quoi ressemble son atelier ? C’était plutôt un loft. Beaucoup de ses photos et fêtes connues de par le monde ont été réalisées ici, depuis les années 1970, dans ce quartier à l’époque malfamé. Il y a juste cette chambre, ce lit, la guirlande au-dessus… Je ne m’attendais donc pas à grand-chose. Puis lorsque j’ai vu mes clichés, nimbés de cette lumière jaune, j’ai eu l’impression d’avoir participé à une fin de soirée de Nan Goldin. Elle m’avait amené dans son monde sans que je m’en rende compte.

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