La capture des mots

Sensible aux rebuts et matériaux métalliques (son père était soudeur et ferrailleur, récupérant des carcasses de bateaux sur un chantier naval), il a choisi un certain nombre d’objets sur place. Il les a ensuite “transformés”, par différentes méthodes chimiques ou mécaniques, pour révéler la présence humaine qui a peuplé ces lieux, comme autant de fantômes. C’est par exemple ces pupitres qu’on trouvait dans les cellules et dont le New-Yorkais a obtenu grâce à un procédé de distillation une huile noire, guidé par « cette idée poétique et métaphysique d’extraire toute la mémoire dont ce bois s’est imprégné ». L’artiste imagine ainsi que ce liquide contient les discussions qui ont pu avoir lieu autour de cette table – ou même les lettres qui y ont été écrites.

L’alchimiste

Dans le même esprit, il a fait fondre une cinquantaine de radiateurs de l’ancienne prison (lesquels chauffaient aussi bien les détenus que les gardiens) pour en obtenir deux grandes barres métalliques de plus de 600 kilos. Il a aussi récupéré des poignées de portes en laiton, imprégnées de millions de contacts humains, qu’il a ensuite réduites en poussière puis frottées sur le mur du musée, révélant comme une ombre l’existence spectrale de ces « parias de la société ». S’il définit sa pratique comme étant « archéologique », difficile de ne pas comparer Daniel Turner à un alchimiste, qui parvient à puiser de la spiritualité, et de l’émotion, dans la matière la plus triviale.

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Vue d’exposition (c) Julien Damien

La légèreté

Conçue comme une balade synesthésique, cette exposition réunit anciennes et nouvelles créations. « J’ai remarqué que mon travail comportait une notion météorologique, où le soleil et la pluie ont leur importance. J’ai donc construit un parcours oscillant entre l’aride et l’humide », commente l’intéressé. Le visiteur est ainsi accueilli par une plume de perdrix (« la plus légère des sculptures ») voletant dans les airs face à un paysage d’hiver, soit une multitude de points piqués sur une vitre. Ceux-ci forment un relief, un volume, lorsqu’on observe leur ombre projetée sur une feuille blanche. « Plus on s’approche de mon travail et plus sa perception change, explique l’artiste. J’aime la technique, l’aspect manuel, j’essaie toujours des choses ». D’ailleurs, ses expérimentations relèvent souvent du jeu. En témoignent ces cailloux, trouvés au bord de la mer ou dans le lit des rivières. Subtilement imbriqués (comme des Lego), ils forment ici un visage, là une main… Autour de ces “sculptures-puzzles” brillent des soleils couchants ou levants, découpés dans des grandes toiles de tulle superposées, créant un effet de lumière vibrante – presqu’une sensation de chaleur.

Lionel Estève, Untitled, 2018 © Lionel Estève

La science des rêves

Le clou du spectacle survient dans la dernière salle, immense, du MACS. Sur ses parois sont accrochées des milliers de gouttes en fil de fer coloré, qui tombent jusqu’à une ligne symbolisant une inondation. Celle-ci est précisément tracée à 60 centimètres au-dessus du sol. Elle court le long du mur ou sur quelques pierres posées sur une estrade, comme si une eau “arc en ciel” venait de se retirer de la pièce. En progressant, on découvre des nénuphars en aluminium, qui semblent onduler sur une surface invisible, à hauteur de genoux. « Peut-être pataugeons-nous dans une rivière imaginaire ? », sourit Lionel Estève, avec qui tous les rêves sont décidément permis.

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David Claerbout, the Close, 2022

Fresque existentielle

L’autre particularité du MACS, c’est la physionomie de son parcours, constitué d’espaces immenses, de petites cachettes et de passages en dénivelé reliés par des escaliers. Surtout, « ce trajet est linéaire, donc narratif, avec un début et une fin », observe Denis Gielen. Une configuration propice à tous les bons conteurs d’histoire. C’est justement le cas de Laurent Busine qui a choisi, pour marquer cet anniversaire, de narrer celle de l’humanité. Son exposition est ainsi organisée en 12 chapitres, illustrant chacun un thème universel, de la genèse au paradis, en passant par la solitude, la maison, la nudité, le trépas…

Roni Horn, Dead Owl, v. 2, 2009 © Photo : Julien Damien

Par la grâce de Dieu

Au fil de ces contes tantôt étranges ou émouvants, on trouve des oeuvres de Giuseppe Penone, James Ensor, Louise Bourgeois, Lewis Carroll, Luc Tuymans… et puis quelques curiosités, comme ce tableau d’un peintre amateur. « Je l’ai déniché dans un vieux marché, explique le commissaire. Cette petite toile représente assez maladroitement un bout de ciel et un morceau de montagne, mais demeure troublante car signée “Dieu”, un nom courant dans le Borinage, certes, mais trouver une esquisse de la création du monde avec ce nom, ça l’est moins ! ». Une affaire de coeur, donc. « Ce mot est important pour le musée, c’est la marque de fabrique de nos expos, souligne Denis Gielen. On a toujours été plus sensible à la dimension affective qu’au concept. Il y a des sentiments ici ». Et pas mal de rebondissements.

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Dure à queer

Lors de cette «parade sauvage », on admire par exemple des sculptures de policiers androgynes dénudés sous leurs képis et gilets pare-balles, dans des postures érotisées convoquant l’imagerie queer, voire SM. « Elle dépouille ces corps de leur uniforme autoritaire, mais c’est réalisé habilement, avec humour, un sens certain du grotesque et de la parodie », commente Denis Gielen. Pendant ce temps-là, au sol, de petites voitures automatiques traquent les visiteurs trop pudibonds, comme une maraude qui aurait dégénéré. « Finalement, l’exposition est une sorte d’opéra-comique, un cabaret déjanté. Aline Bouvy n’est pas une donneuse de leçon ni une activiste. Elle est avant tout insolente ». Et ne s’interdit rien, renversant par exemple des urinoirs publics, par essence dévolus aux hommes, pour leur donner l’aspect de vulves, ici accrochées au mur comme autant d’éléments architecturaux – non, Marcel Duchamp n’est pas loin… Après avoir croisé quelques canidés se léchant les parties intimes sans pudeur (ni laisse), on aperçoit de gigantesques pieds posés sur le sol, à flanc de mur, tandis qu’un gros piercing traverse la brique, métamorphosant le musée lui-même en corps vibrant.

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Sur le tapis

 Entre formes monumentales ou touches plus intimistes, vidéos, sculptures, installations ou dessins, les sept pièces composant ce parcours forment « une oeuvre totale, une conversation s’établissant entre chacune des salles ». Parmi elles, on trouve un ensemble de 27 effigies en bois calciné. Elles représentent les membres des Chœurs de l’Armée Rouge, tués lors d’un crash d’avion en décembre 2016, alors qu’ils se rendaient en Syrie pour soutenir les troupes de Poutine. L’ensemble est baptisé Otchi Tchiornie, soit “les yeux noirs” en russe, titre d’une chanson du répertoire desdits Chœurs. « Quand ces gens sont morts, les Chinois, les Coréens et de nombreux pays leur ont rendu hommage avec cet air… Même mon père le connaissait. Je me suis rendu compte qu’il était universel tout en touchant à l’intime. C’est rare dans notre société globalisée ».

« Adel est un artiste en phase avec une actualité violente, selon Denis Gielen, le directeur du Mac’s. Il nous entraîne dans les enfers un peu à la manière des poètes de l’Antiquité, comme Virgile ou plus tard Dante ». Au Grand-Hornu, le visiteur foule un long tapis rouge, un symbole du pouvoir pour celui qui dit « marcher sur des braises ». « C’est un chemin de croix qui, de station en station, nous confronte à différentes formes de mort ».

Au charbon

Y compris celle de la démocratie ? On se pose la question devant ces dizaines de dessins au fusain représentant des soldats (Soldaten). « Ils dénoncent l’omniprésence des militaires dans nos villes ». Vrai qu’ils nous sont désormais aussi familiers que des pigeons. Abdessemed en a d’ailleurs posé un là, sur un banc public, mais l’oiseau est harnaché d’une charge explosive, tel un kamikaze ailé (Bristow). L’autre fil rouge de ce parcours, c’est le charbon, renvoyant au Mac’s lui-même, un ancien site minier du XIXe siècle. « Pour Adel, l’histoire du Grand-Hornu est empreinte de souffrance, de cette domination de l’homme par l’homme ». Ce matériau est ainsi prisé par l’artiste, qui l’emploie pour dessiner ou sculpter. « J’aime sa légèreté, sa noirceur et sa profondeur », dit-il, résumant sans le vouloir son travail.

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