Toute une histoire

L’exposition s’amuse à gratter le vernis des légendes. Un exemple ? Le célèbre baptistère de Saint Louis, une merveille d’art islamique médiéval, n’a vraisemblablement jamais servi au baptême du roi de France. Arrivé en Europe dans des circonstances obscures, il fut pourtant associé à la monarchie, au point d’être utilisé plus tard pour le baptême de Louis XIII. Preuve que les objets voyagent autant que les histoires qu’on raconte à leur sujet.

 Dialogue contemporain

Né au Moyen Âge dans les trésors d’église, l’orientalisme est devenu ensuite un mouvement artistique majeur. Le parcours du Louvre-Lens en offre une exploration chronologique et plurielle, du mystérieux verre soufflé de Charlemagne jusqu’au costume bouffant de Mamamouchi imaginé pour Le Bourgeois gentilhomme de Molière. Il reconstitue aussi l’intérieur égyptien d’un grand collectionneur parisien du XIX^e siècle, Alphonse Delort de Gléon. Un dialogue passionnant s’instaure enfin entre des œuvres anciennes et celles d’une quinzaine d’artistes contemporains (Katia Kameli, Nicene Kossentini, Nil Yalter, Kader Attia…). De quoi « désorienter » l’orientalisme avec humour, distance critique et une touche féministe.

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Noir c’est noir

Eh oui, avant de renvoyer à l’obscurité, le gothique fut d’abord synonyme d’éclats et de couleurs (en témoigne la cathédrale d’Amiens). C’est à la fin du XVII^e siècle qu’il développe une version plus sombre, annonçant l’avènement du néogothique. L’art médiéval est redécouvert à travers des ruines et des tombeaux, inspirant par exemple le romantisme noir de Mary Shelley, “mère” de Frankenstein. « C’est ce qui rend ce mouvement fascinant : il nous rassemble au sein de monuments majestueux, évoque l’ordre établi, mais permet aussi d’affirmer sa différence telle une contre-culture ».

Monstres et compagnie

C’est cette histoire que raconte l’exposition chronologique du Louvre-Lens. Pensée « comme une grande fresque », elle réunit plus de 250 pièces du XII^e siècle à nos jours. Entre le maître Jan Van Eyck, le Nosferatu de Murnau ou l’intrigante photographie de gargouille surplombant Notre-Dame de Paris prise par Brassaï, on découvre aussi… une tractopelle. Signée par le trublion gantois Wim Delvoye, découpée dans de l’acier inoxydable sur le modèle d’une église gothique, l’œuvre nous montre à quel point ce style n’a décidément pas fini de nous hanter.

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Marc Chagall, Esquisse pour Adam et Eve chassés du paradis, 1954-1966
© ADAGP, Paris 2024 © RMN Grand Palais, photo © Stéphane Maréchalle

Libre circulation

Le parcours est organisé selon une scénographie circulaire, avec un espace central autour duquel six sections rayonnent, communiquant entre elles grâce à des portes voire des fenêtres, permettant « une liberté de mouvement » de circonstance. Au fil de cette visite, des motifs se détachent, souvent bouleversants, comme le souvenir ineffaçable de la terre qu’on a dû fuir, notamment symbolisé par une valise emplie de sable récolté sur une plage de Gaza par Taysir Batniji, artiste palestinien réfugié en France, et qui reflète le poids de la mémoire… Tout aussi poignant est l’arrachement à sa terre natale, illustré par un tableau iconique : The Last of England. Prêtée par la Tate Modern, cette huile sur toile de Ford Madox Brown (1855) représente deux personnes quittant l’Angleterre pour recommencer leur vie à l’étranger. Cette peinture résume toute l’ambiguïté de l’exil « qui est à la fois une damnation et une chance », selon Dominique de Font-Réaulx. Victor Hugo ne la contredirait pas, lui qui écrivit ses plus belles pages (dont celles des Misérables) lors d’une retraite forcée (durant 18 ans) sur les îles anglo-normandes de Jersey et de Guernesey, après le coup d’état de Napoléon III. On admire d’ailleurs à Lens un ensemble rare de photos et de dessins signés durant cette période par l’écrivain.

Richard Baquié, Nulle part est un endroit, 1989, MAC VAL – Musée d’Art contemporain du Val-de-Marne © MAC VAL – DR

No man’s land

L’exposition, s’achève sur un mot terrible, mais hélas bien présent : “nulle part”, en référence évidemment à ces camps qui fleurissent un peu partout. « Un endroit qui n’est ni le monde que l’on quitte ni celui où l’on arrive, mais où, pourtant, la vie prend racine ». Comment trouver sa place sur une planète qui se calfeutre toujours plus ? Conçue avec des tampons administratifs inscrivant dans un nuage de lettres “Forever Immigrant” (soit, littéralement, “immigré pour toujours”), cette œuvre de Marco Godinho interroge avec poésie la liberté de circulation (soit l’article 13 de la déclaration universelle des droits de l’Homme) et nous renvoie à notre condition d’éternel déraciné…

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Arrêt dans les enfers

Invisibles, inaccessibles, ces abysses ont de tout temps alimenté nos pires craintes. « C’est le lieu de l’enlèvement, comme celui de Perséphone par Hadès, où l’on enferme, torture. En somme, l’endroit de toutes nos peurs primaires ». En point d’orgue, celle d’être enterré vivant, comme l’illustre cette photographie de Maurizio Cattelan, prise lors d’une performance ahurissante. En 1999, l’Italien avait demandé à un fakir de s’ensevelir sous la terre, ne laissant dépasser que ses mains, jointes en un geste de prière. S’aventurant toujours plus loin, on arrive dans l’au-delà… « Les mondes souterrains sont assimilés au royaume des morts dans nombre de civilisations, l’inhumation étant très commune ». Ce chemin vers les enfers est peuplé de créatures peu amènes : monstres, démons et Satan himself, représenté par une superbe aquarelle de William Blake.

Satan harangue les anges rebelles, William Blake, Aquarelle, 1808 © Victoria and Albert Museum, Londres, Dist. RMNGrand Palais / image Victoria and Albert Museum

Après toutes ces émotions, il est temps de souffler. Car cette “vie du dessous” est également synonyme de trésors, de joyaux enfouis « mais aussi de fertilité, de germination, donc de retour à la vie », comme le montre cette Demeter de Jean Arp, sculpture tout en rondeurs, telle une harmonieuse allégorie de la “Terre-Mère”. Au fil de notre remontée vers la surface se dévoile un monde enchanteur, fait de découvertes archéologiques, de grottes mystiques (lieux d’apparition des saints) ou pariétales « où l’on trouve les premières traces de création humaine ». Celles-ci sont réinterprétées dans l’installation de Justine Emard (Hyperphantasia), confrontant peintures rupestres et IA. Car oui, les mondes souterrains sont des plus inspirants, aujourd’hui encore. En témoignent les toiles hyperréalistes de Bilal Hamdad, immortalisant des scènes de vie prises dans le métro (cette « ville sous la ville »). D’ailleurs, la dernière oeuvre du parcours, une pelle signée Laure Prouvost, est une exhortation à la créativité et à l’introspection. « Oui, l’artiste nous invite à creuser nos mondes intérieurs, car cette exposition est aussi une métaphore de la psyché. S’aventurer dans les profondeurs, c’est sonder l’âme humaine ». Alors creusons !

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Programmation proposée en partenariat avec le Tandem Arras-Douai.

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Terreur et allégorie

Les animaux fantastiques sont donc nés en Mésopotamie et en Iran, avant d’être adoptés par les Égyptiens, « lorsque surgissent les premières villes et l’écriture ». Ils apparaissent en même temps que les dieux, mais remplissent une tout autre fonction : « incarner la terreur de l’être humain face à la nature qui déborde ». En somme, c’est une manière d’expliquer les mystères du monde. Les mythes mettant en scène des divinités anthropomorphes luttant contre cette faune sont ainsi des allégories de l’Homme domptant la nature, à l’image de ce Thor combattant le serpent de Midgard (1790), superbe toile de Johann Heinrich Füssli, entre autres chefs-d’œuvre présentés à Lens.

Thor combattant le serpent de Midgard Johann Heinrich Füssli 1790
Huile sur toile Royal Academy of Arts, London © akg-images

Le rôle de ces entités va évidemment évoluer au fil des civilisations. « L’ère chrétienne en fait un combat du bien contre le mal, à l’image de Saint-Georges luttant contre le dragon ». Quelles que soient les époques, ce dernier reste d’ailleurs « l’animal fantastique par excellence. Il est universel, atemporel et apparaît dans toutes les cultures », explique Hélène Bouillon. La créature est inspirée du serpent, et puise son nom du grec “drakon”, signifiant “celui qui regarde fixement”. « Il figure à la fois la vie et la mort, car le venin peut tuer ou guérir. Dès le néolithique, c’est le symbole de l’eau, donc de la fertilité, car il serpente comme une rivière, mais c’est aussi un être souterrain, donc inquiétant… ». Au-delà de leurs pouvoirs magiques et de leur forme hybride (« en gros, on prend les animaux les plus effrayants de la création et on les combine »), voilà la caractéristique principale de ces monstres : « ils sont ambigus, jamais complètement bons ni mauvais ». En témoigne ce brave Pazuzu, star maléfique du film L’Exorciste – et en goguette au Louvre. « Certes, il est porteur de maladies, mais tellement effrayant qu’il repousse tous les autres démons, c’est même un allié des exorcistes ».

Conversation with Smaug, D’après une aquarelle originale de J. R. R. Tolkien pour The Hobbit, 1937 © The Tolkien Trust 1977. Carton Delphine Mangeret et Anne Boisseau, Tissage Atelier A2, Aubusson, 2022 . Aubusson, Cité internationale de la tapisserie © The Tolkien Trust 1977
© Tissage Atelier A2 / Aubusson 2022 © Collection Cité internationale de la tapisserie / Photo Studio Nicolas Roger

En toute fantasy

Au XVIIIe siècle, la science se développe. L’Homme explore la planète et se rend compte qu’il n’y a point de licornes à l’horizon – même le kraken est déclassifié, lorsqu’on découvre que c’est un calamar géant. « Le merveilleux quitte donc le monde réel, mais pas notre quotidien ». Et encore moins notre imaginaire. C’est même tout le contraire ! Les animaux fantastiques n’ont jamais été aussi nombreux. Cette recrudescence est concomitante à l’avènement de la fantasy « genre né d’une désillusion face à une société trop industrialisée, matérialiste, dans laquelle il n’y a plus aucune magie. Désormais, elle est véhiculée par la littérature, le cinéma… c’est le rôle de la pop culture ».

L’exposition se clôt sur une monumentale tapisserie d’Aubusson, reproduisant une aquarelle de Tolkien himself : Conversation with Smaug, épisode durant lequel Bilbo le Hobbit tue le dragon. Comme un symbole, l’oeuvre relie les époques, usant d’un média propre au Moyen Âge pour illustrer une épopée moderne. « Dans cette exposition, je souhaitais mettre sur un pied d’égalité les anciens mythes et les modernes, termine Hélène Bouillon. Car si ça se trouve, dans 2 000 ans Harry Potter sera le nouveau Gilgamesh ». Qui sait ?

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Et la lumière fut

Conçu comme une promenade, le parcours se penche d’abord sur ce que l’on nommait au XVIIe siècle les “ornements de la nature” : les arbres, le ciel, les rochers, les eaux… Soit autant de « gammes » à maîtriser et répéter, avant de composer, traduire la profondeur d’un panorama sur une surface plane ou (plus difficile) « saisir la lumière et le temps qui s’écoule ». Citons Le Printemps de Jean-François Millet, qui capture avec poésie la magie fugace d’une éclaircie printanière, ou encore ces estampes issues de la série Trente-six vues du Mont Fuji de Katsushika Hokusai, éclairant le volcan japonais selon les saisons. Signée par le plasticien français Laurent Pernot, la scénographie fait la part belle au son et à la lumière pour mieux révéler, et même épouser les oeuvres. On admire ici des bords de mer, des forêts, des champs, des montagnes… et quelques tempêtes. À l’image de ce Sadak à la recherche des eaux de l’oubli de l’Anglais John Martin, sublime représentation d’une nature en furie.

Sadak à la recherche des eaux de l’oubli, John Martin (Haydon Bridge, 1789 – Île de Man, 1854), 1812, Huile sur toile © Southampton City Art Gallery

Paysage intérieur

Si le paysage existe par lui-même dans l’histoire picturale, il sert aussi de décor. Au-delà du théâtre, il met en valeur bien des aventures humaines, illustrant par exemple les Charmes de la vie champêtre (François Boucher) et ses allusions coquines. Il accompagne aussi des scènes de bataille, telle cette gigantesque toile de Jean- Antoine-Siméon Fort retraçant le siège d’Anvers. Ici, le “héros” n’est pas celui qu’on croit : dans cette composition haute de trois mètres, le ciel en occupe plus de deux. À la fin du XIXe siècle, l’avènement de la photographie et du cinéma incitera les peintres à refuser l’imitation. Ils ne se subordonnent plus à la nature, puisant en eux-mêmes un autre horizon, comme le fit Kandinsky, pionnier de l’abstraction dont on découvre à Lens les Kleine Welten. Ces “petits mondes” sont cette fois constitués de couleurs, de lignes et de formes géométriques. « L’artiste n’a plus besoin de copier le paysage, commente Vincent Pomarède. Il est devenu un créateur à 100 % ». Mais n’est-ce pas la nature humaine ?

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