A quoi vos premiers travaux ressemblaient-ils ?
Au lycée, je photographiais mes amis. Un élève avait fondé un club pour nous familiariser avec les négatifs, la chambre noire, la lumière rouge… Cette atmosphère avait quelque chose d’envoûtant. J’ai débuté en noir et blanc avec des passants. Je concevais alors la photo comme un témoignage. J’ai d’ailleurs commencé à travailler pour Libération. Plus tard, à New York, j’ai eu la chance d’assister pendant quelques semaines la grande Martine Barrat. Nous allions ensemble à Harlem et dans le Bronx pour immortaliser des enfants boxeurs.

Comment votre carrière a-t-elle évolué ?
De retour à Paris, j’ai trouvé étonnamment facile de réaliser des portraits, et je me suis rapidement fait un nom. J’ai photographié la moitié des comédiens français d’une époque. Puis j’ai senti que mon travail ronronnait. J’avais envie d’aller plus loin. La simple réalité ne me suffisait plus.

Quel fut le déclic ?
Je me suis offert un superbe appareil d’occasion (un Hasselblad) et ma pratique a basculé. En feuilletant des photos de mon enfance, j’ai remarqué que ma mère m’habillait comme ma sœur, de six ans mon aînée. De là est née la série Doppelgänger, ou le jumeau maléfique. Puis est venue Misfit, presque comme une apparition : un vaste espace blanc où la mise en scène met le focus sur une attitude féminine. Dans Domestic Violence, par exemple, une femme nue se coince les cheveux dans un tiroir — une image à la fois absurde et tragique, comme se noyer dans un verre d’eau. Pourquoi faire simple quand on peut faire compliqué ? Il y a eu aussi la Femme automate, toujours disponible, portant des tomates sur un plateau.

Quelles sont vos sources d’inspiration et vos thèmes de prédilcetion ?
Tout ramène à la même source : les femmes. Elles m’inspirent plus que les hommes. Une femme est un miracle. Une énigme en perpétuelle transformation : elle se métamorphose, dissimule, dérange parfois. J’aime le secret, l’étrangeté, le décalage, la drôlerie. Mes thèmes gravitent toujours autour de la condition féminine : ses évolutions, ses régressions, ses paradoxes. J’aime les femmes libres, même si je sais combien il est encore difficile, aujourd’hui, d’incarner cette liberté dans nos sociétés mouvantes.

Comment décririez-vous votre processus créatif aujourd’hui ? Comment appréhendez-vous l’intelligence artificielle dans votre travail ?
Depuis deux ans, parallèlement à ma pratique classique, je me passionne pour l’intelligence artificielle. C’est un outil prodigieux pour matérialiser rapidement ce que l’on porte en soi. Il permet d’exprimer presque instantanément ce que l’imaginaire cherche à formuler. J’aime les collages, les hybridations, les accidents visuels. L’image me fascine : elle est mon souffle, ma respiration. Je me réveille en image, je m’endors en image. La photographie reste mon moyen d’expression le plus sincère, mon alter ego.

Quelle place accordez-vous à la surprise, à l’accident dans vos créations ?
Avec l’intelligence artificielle, les accidents et les hasards sont omniprésents — et c’est précisément ce qui m’intéresse. On a parfois le sentiment de collaborer avec une autre partie de soi, une forme de pensée parallèle. J’en connais désormais les rouages, j’ai mes recettes, comme en cuisine. Je travaille également avec Adobe Photoshop. J’aime cette capacité à me projeter dans d’autres époques, à imaginer une femme glamour des années 1950 au milieu d’un désert ensoleillé, tout en restant chez moi, en plein hiver. Cette forme de déplacement imaginaire m’enchante.

The post Entretien : Pupa Neumann appeared first on LM magazine.

À lire / L’interview de l’artiste ici

The post Blandine Soulage appeared first on LM magazine.

Comment définiriez-vous votre travail ? Qu’est-ce qui fait sa particularité selon vous ?
Quelque chose se joue dans l’écriture par la lumière et la couleur. Pour moi, la photo est avant tout un medium du sensible. Je place le corps et le mouvement au cœur de mes recherches depuis plusieurs années. Ce registre m’intéresse pour sa dimension expressive, voire narrative, en tant que langage non verbal s’adressant directement aux sens. Mais également sur le plan formel en tant que vibration et matière plastique à travailler.

Comment a-t-il évolué ?
Ces dernières années, ma pratique s’est ouverte à des procédés d’impression alternatifs : sérigraphie, gravure, gomme arabique… Ces techniques permettent une fragmentation plastique de mes images, un autre régime visuel.

Pourquoi vous intéressez-vous au corps et à son mouvement ?
Le langage du corps est une forme d’éloquence silencieuse qui s’adresse à toutes et tous. Nous possédons chacun un corps à travers lequel nous faisons l’expérience du monde, il nous relie à l’autre. Cette approche phénoménologique me nourrit depuis longtemps. Ma pratique personnelle est aussi en jeu, celle de la danse et surtout du yoga, que j’enseigne depuis une quinzaine d’années. Les corps sont aujourd’hui surexposés dans un flot d’images, mais souvent désincarnés et dépourvus de sens. De mon côté, j’aspire à renouer avec ce corps sensible, poétique. A rebours de la société sédentaire et désincarnée dans laquelle nous vivons. Nous n’avons jamais été aussi connectés… et pourtant si déconnectés de notre propre corps.

Plus précisément, pourquoi explorer la relation entre le corps et l’espace, voire l’architecture ?
A travers le mouvement, ma série Déviation introduit une faille dans l’ordre établi, une brèche poétique. Ce “désordre ” dans les lignes architecturales permet d’interroger la norme et la contrainte spatiale. C’est aussi une manière de réinventer nos espaces quotidiens. Des lieux ordinaires deviennent le théâtre de l’”extra-ordinaire”. Je cherche ce point de bascule, ce moment où tout peut s’inverser, se renverser. C’est une invitation à se remettre en mouvement dans un monde qui s’engourdit.

Vos images reflètent -elles à la fois une certaine harmonie et une désorganisation du réel ?
J’aime les images construites mais traversées par quelque chose d’instable, d’énigmatique. Ces accidents produisent de nouveaux récits, où les corps deviennent fictions, désobéissent à leur logique fonctionnelle. Je pense les corps comme des contrepoints à la géométrie, aux volumes et aplats de couleurs. Ils dialoguent avec les structures et en révèlent les angles morts. La couleur est pour moi une palette de composition autant qu’un outil formel.

Concrètement, comment travaillez-vous ? Comment procédez-vous pour obtenir ces images, dans lesquelles certains personnages semblent en lévitation ou en suspension ?
Tout est réalisé durant la prise de vue, sans trucage, à la manière du Saut dans le vide d’Yves Klein en 1960. Je travaille avec des danseurs, danseuses, acrobates ou traceurs dont le potentiel de mouvement permet ces mises en scène. Mais le geste demeure non performatif, situé à la frontière entre banalité et espace artistique. Il y a un vrai travail de collaboration avec elles et eux. Les idées évoluent sur place, selon ce que l’espace permet. C’est donc un travail d’équipe. J’utilise également des éclairages pour composer ma lumière et figer le mouvement, ce qui implique parfois une logistique conséquente en extérieur.

Comment choisissez-vous vos lieux ?
J’effectue beaucoup de repérages. Je reviens parfois plusieurs fois sur un site pour trouver la bonne lumière, shooter des pre-frame… Je m’attache à des endroits pour leur potentiel graphique et un certain minimalisme. Mais ce sont toujours des espaces ordinaires : parkings, escaliers, façades… Les gens qui les connaissent sont souvent surpris de les redécouvrir. Je ne peux pas cacher mon amour du brutalisme. J’aime cette architecture qui résiste et ces corps qui ne s’y plient pas.

La couleur joue-t-elle un rôle structurant dans vos compositions (vêtements, silhouettes, décors…) ?
Oui, tout à fait. Comme les peintres coloristes, je compose par la couleur : elle structure l’image autant que la ligne. Ma palette évolue aussi avec la lumière. La couleur est affaire d’ombre et de lumière. Le stylisme joue également un rôle essentiel, c’est pourquoi je collabore régulièrement avec Stéphanie Girerd, ainsi qu’avec des friperies (FripesKetchup, LaPure) que je remercie pour leur fidélité.

Pouvez-vous aussi nous parler de votre dernier projet, Contrapposto ?
Ce projet revisite la mémoire du corps à travers l’histoire de l’art. J’ai collecté des postures issues de la statuaire et de la peinture classique, pour les rejouer aujourd’hui avec des corps contemporains. Il ne s’agit pas de reconstitution, mais de traversée. J’interroge la manière dont ces formes archétypales influencent nos représentations, façonnent nos imaginaires. Ce projet croise photographie, gravure et sérigraphie pour rejouer ce perpétuel jeu de copie des œuvres… et de réinterprétation des originaux.

S’agit-il aussi de déconstruire certains codes ?
Oui, absolument. En tant qu’artiste femme, je cherche à déplacer le regard hérité du male gaze vers une lecture plus contemporaine. Les corps que je photographie incarnent une pluralité affranchie des normes de genre et des assignations racisées. Cis, trans, non-binaires… incarnations avant d’être carnations, ils sont avant tout des « mouvements de l’âme », pour reprendre De Vinci.

Par ailleurs, quel usage faites-vous de la sérigraphie ou de la gravure ?
Ces procédés me permettent de réinterpréter mes images, de leur donner une matérialité. La déconstruction chromatique et la trame rendent le mouvement visible : rythme, vibration, forme. Pour Contrapposto, j’ai même sérigraphié sur des dalles de marbre, matériau utilisé par les Romains pour reproduire les bronzes grecs antiques. Ces gestes manuels introduisent un ralentissement, recentrent sur la matière et le geste — à l’opposé de l’immédiateté numérique.

À lire / L’article portfolio ici

The post Entretien : Blandine Soulage appeared first on LM magazine.

Conte surréaliste

L’exposition s’articule en deux mouvements. D’abord documentaire, avec des images dévoilant l’intimité de la vie de l’octogénaire. Puis allégorique, grâce à sept tableaux élaborés comme les chapitres d’un conte visuel. Inspirée par les peintures surréalistes de Magritte, la Bruxelloise accorde fragilité et excentricité, « tristesse et rigolade ». Ici, Maurice est minuscule dans un lit trop grand, là il trône en majesté dans une chambre dont les murs sont parsemés de nuages. Il erre parmi les horloges ou les miroirs. Charlotte Abramow, déjà reconnue pour son œuvre féministe, dévoile une nouvelle facette de son talent : celle de transformer la douleur en beauté. Maurice s’est éteint en 2018 mais, dans ces images, il continue de vivre. Drôle, tendre et invincible.

The post Charlotte Abramow appeared first on LM magazine.

The post Iris appeared first on LM magazine.

Humanité possédée

D’ailleurs, vous remarquerez que nos malheureux cascadeurs, aussi mal tombés soient-ils, ont tous sauvé un objet dans une main. Ici un verre, là un téléphone ou une raquette de tennis, soit autant de symboles de ce qui a précipité leur effondrement. « Nous accumulons des choses inutiles, imaginant qu’elles rempliront notre existence, mais c’est le contraire qui se produit. Nous pensons les posséder mais en réalité ce sont elles qui nous possèdent », philosophe Sandro Giordano, qui a lui-même vécu l’expérience de la culbute rédemptrice. « Ce projet a débuté comme une blague, après une mauvaise chute à vélo. En tombant, je me suis cassé le poignet parce qu’au lieu de lâcher la barre protéinée que je mangeais en pédalant, je l’ai instinctivement serrée dans la main. J’aurais peut-être pu amortir le choc si je l’avais laissée ». Un mal pour un bien ? Sans doute. « Après l’accident, j’ai commencé à réfléchir au stress qui pourrit notre vie. Si nous nous blessons, c’est que quelque chose ne va pas, notre corps envoie des signaux. Il faut donc tomber pour se relever. À travers mes photos, j’envoie un message clair à tout le monde : soyons prudents ». Bien reçu !

________________________________________

A LIRE AUSSI / L’INTERVIEW DE SANDRO GIORDANO

LA PECORINA (c) Sandro Giordano

The post Sandro Giordano appeared first on LM magazine.

The post Swarm appeared first on LM magazine.

The post Stranger Things – The Expérience appeared first on LM magazine.

Réalisme glaçant

Plutôt qu’un récit linéaire, Ryan Murphy a choisi d’alterner les allers et retours dans le temps, illustrant les phases marquantes de la lente construction du monstre, de son enfance chaotique au sein d’une famille dysfonctionnelle à ses premiers meurtres, en passant par son procès. La série impressionne par son sens du détail et son extrême réalisme, jusqu’à créer la polémique. Les familles des victimes se sont en effet plaintes de revivre ce traumatisme… Au-delà de la scrupuleuse reconstitution des faits et de la recherche d’une explication, la réussite de l’œuvre réside dans son rapport à l’épouvante. Pas (trop) de gore ici. L’horreur n’est jamais montrée frontalement mais suggérée, rendant le récit d’autant plus effrayant, et efficace.

The post Monstre : L’Histoire de Jeffrey Dahmer appeared first on LM magazine.

Les nerfs à vif

Suivant également trois amies de Justine, le récit se déploie dans un moment d’incertitudes conjugales et professionnelles. Davantage qu’une crise, ce sont des processus lents qui apparaissent, parfaitement rendus par le temps de la série. Ainsi, c’est parce qu’elles se répètent que les remarques désobligeantes d’un mari (Mathieu Demy) deviennent autre chose qu’un simple élan d’humeur : l’expression d’un imaginaire patriarcal, que Justine finira par trouver insupportable. L’éventail des situations permet d’évoquer avec autant de subtilité que de drôlerie l’angoisse parentale, la perte du désir, le poids du passé ou le sentiment d’obsolescence. Dans les derniers épisodes, les signes avant-coureurs de la pandémie de Covid se font de plus en plus insistants. Les petites histoires sont rattrapées par la grande, suscitant une certaine nostalgie pour le monde d’avant.

The post On The Verge appeared first on LM magazine.