LM magazine » Sculpture

Etienne Poulle

manager — Sun, 01 Mar 2026 00:38:42 +0000

Tailleur de pierre devenu sculpteur, passé par les chantiers du patrimoine avant d’enseigner à l’École supérieure d’Art et de Design d’Angers, Étienne Poulle a gardé de ses débuts le goût des matériaux francs, des gestes précis et des histoires taillées dans la durée. Pour Jouer d’usages, il investit Labanque comme on explore une strate urbaine : en déplaçant les signes, en bousculant les certitudes. Dès l’entrée, deux tentes familières paraissent
attendre leur campeur. Sauf qu’ici, la toile a cédé la place au bois, au zinc, au plâtre. L’artiste fige ainsi l’éphémère pour mieux interroger nos abris. Plus loin, des trognes de saule s’accordent avec des briques Lego dans un curieux bricolage du vivant, tandis que des haches néolithiques gonflées, l’une brillante comme une carrosserie neuve, oscillent entre outil primitif et fétiche contemporain.

Mythologies du quotidien

En sous-sol, les temporalités se superposent. MédiévO 2 assemble parpaings et moulures romanes comme si une muraille brute révélait soudain une dentelle d’architecture. Ruines Lego, elle, propose le contraire : un monde de jeux devenu fracas, mémoire d’un futur effondré. Dans la salle des coffres enfin, des blisters en porcelaine s’exposent comme des bijoux industriels. Ces emballages autrefois jetables deviennent reliques à venir. Jouer d’usages se parcourt ainsi comme un chantier prémonitoire : lorsque les gestes se sont tus et que les objets, soudain, racontent beaucoup plus que leur fonction première.

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Clémence Van Lunen

manager — Sun, 01 Feb 2026 00:48:37 +0000

Intitulée Une joyeuse intranquillité, cette rétrospective retrace près de 40 ans de création. Née à Bruxelles en 1959 et formée à Paris, Clémence Van Lunen a d’abord exploré pierre, bois et matériaux industriels avant de privilégier la terre. Ses séries – paysages chinois, cascades, fleurs ou rideaux – révèlent une sculpture libre, où la couleur souligne et met la matière en tension. Maquettes et pièces monumentales témoignent d’une démarche généreuse et innovante.

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Sand in Your Eye

Julien Damien — Tue, 01 Jul 2025 00:24:41 +0000

Quand avez-vous créé Sand In Your Eye, et dans quel but ? En 2003. C’était d’abord mon nom commercial. Au départ, il s’agissait de réaliser des œuvres d’art sympas, mais aussi de créer une plateforme qui me permettrait de développer une activité dans tout le Royaume-Uni, plutôt que de me déplacer en permanence en tant que sculpteur indépendant. Maintenant, nous avons huit employés et des freelances.

Et comment cette idée vous est-elle venue ? J’ai rencontré un sculpteur sur sable, lors de vacances en Norvège, en 1998. Il était en train de travailler, je l’ai salué et à partir de là ma vie a changé. Il m’a proposé d’essayer, j’ai accepté. Quelques années plus tard, il m’a demandé de bosser pour lui et c’est ainsi qu’à partir de 2003, je suis devenu sculpteur de sable professionnel.

Quels sont les matériaux naturels que vous utilisez ? Nous sculptons avec du sable, de la glace, des citrouilles… Nous réalisons aussi du land art sur les plages en ratissant le sable, et dans les champs avec de la peinture de traçage pour terrain de football. Plus récemment, nous avons commencé à concevoir des sculptures dans la boue.

Ayr, Écosse, 2018, portrait d’un héros de guerre tombé au combat sur la plage durant la Première Guerre mondiale / Photo (c) Katielee Arrowsmith SWNS

Quel est le matériau le plus étrange avec lequel vous avez travaillé ? Bien que cela ne me paraisse pas étrange, je pense que la neige et la glace restent les matériaux les plus inhabituels. La glace est délicate et transparente, mais sa force lui permet de réaliser d’incroyables sculptures qui diffèrent selon que l’on se trouve dans un environnement gelé ou chaud. Conduire un véhicule sur un lac et y plonger une tronçonneuse pour récolter de la glace reste d’ailleurs l’une des expériences les plus étranges que j’ai vécues.

En n’utilisant que des ressources naturelles, essayez-vous d’inciter les gens à penser à la protection de l’environnement ? Je l’espère. Nous nous efforçons de réaliser des travaux ayant un effet important sans pour autant avoir d’impact sur l’environnement, le climat et, après tout, l’avenir de nos enfants.

Le fait que vos œuvres soient éphémères n’est pas non plus anodin, n’est-ce pas ? Ce qui compte dans tout cela, c’est d’être impliqué ensemble dans le processus créatif, plutôt que de réaliser des œuvres permanentes. Les plages sont si belles, c’est un honneur de les parcourir et d’y faire quelque chose, mais cela n’améliorerait pas le paysage si nos œuvres restaient, alors nous sommes heureux de les voir s’effacer ! Et puis nous avons des photographies.

New Brighton, Royaume-Uni, 2021, dessin de 120 mètres © Sand in Your Eye / Bezmond Films

Quelles seraient vos œuvres favorites ? Nous avons dû en créer des centaines, mais je pense que mes préférées sont celles qui, d’une certaine manière, touchent l’âme ou la conscience, de par leur caractère social et environnemental.

Concrètement, comment travaillez-vous ? Quels outils utilisez-vous ? Dans le cas de la sculpture sur sable, il faut d’abord assembler la matière avec beaucoup d’acharnement. Ensuite, il s’agit de lui donner forme à l’aide de pelles, de truelles de construction, de petits couteaux à palette et même d’une fourchette. Pour la sculpture sur glace, nous utilisons des tronçonneuses et des ciseaux. Sur une plage, principalement un râteau.

Les aléas climatiques vous empêchent-ils parfois de créer vos œuvres éphémères ? Mère Nature ajoute certainement un peu de piment au mélange. Mais la plupart du temps, nous y arrivons.

Quels sont vos lieux de prédilection ? Le collectif crée-t-il en dehors de l’Angleterre ? La plupart de nos œuvres sont réalisées au Royaume-Uni. C’est un souhait, car l’un des principes primordiaux était que je n’avais pas besoin de voyager. Mais il arrive que nous soyons accueillis par des rivages étrangers, comme en Normandie, ce qui est toujours un plaisir.

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Rodin / Bourdelle. Corps à corps

Julien Damien — Tue, 01 Apr 2025 03:00:10 +0000

Elle semble surgie de la pierre spontanément, comme si elle était douée de vie. Ce réalisme saisissant, cette façon unique de modeler la lumière… Pas de doute, il s’agit bien d’une sculpture de Rodin. Pourtant, c’est bien Antoine Bourdelle qui a taillé dans le marbre ce buste d’Ève Fairfax, à partir d’un plâtre du maître. D’ailleurs, celui-ci l’apprécia tellement qu’il l’appela « l’Ève de Bourdelle ». Le Montalbanais fut en effet l’un de ses plus éminents praticiens (à l’instar de Camille Claudel). En clair, il seconda son aîné dans l’exécution de ses œuvres, durant une quinzaine d’années. « Tous les artistes fonctionnaient comme ça. Jeunes, ils taillaient pour quelqu’un de plus célèbre, qui pouvait ainsi se concentrer sur la création, nous éclaire Valérie Montalbetti-Kervella, commissaire scientifique de cette exposition. Rodin avait repéré l’habileté de ce jeune homme en 1892, et l’avait donc sollicité ». Bien sûr, de son côté, Bourdelle le révérait aussi. « Pour lui, c’était le grand maître après Michel-Ange », renchérit Lili Davenas, conservatrice au musée Bourdelle. En témoigne ce buste-stèle figurant le sculpteur comme un dieu, avec sa barbe iconique tout « en torrents tempétueux ». Mais qu’on ne s’y trompe pas, « Bourdelle n’a jamais été l’élève de Rodin. C’était plutôt un collaborateur privilégié, qui bâtissait sa propre œuvre en parallèle ». Voilà tout l’objet de ce “corps à corps” : mettre au jour les relations amicales et artistiques entres deux monstres sacrés.

La brouille

Réunissant quelque 170 pièces, cette exposition confronte ainsi leurs travaux respectifs à travers diverses thématiques, du motif de la main au monumental, en passant par le socle ou le torse… leur premier sujet de désaccord. À l’instar de ce Grand centaure mourant de Bourdelle, au poitrail démesurément étiré « où il s’éloigne du réalisme de Rodin pour se diriger vers une construction géométrique du corps », souligne Lili Davenas. C’est encore plus flagrant dans ce Torse de Pallas, à l’architecture totalement cylindrique et en rupture flagrante avec la sensualité du Torse de jeune femme cambrée de Rodin… Mais c’est la Tête d’Apollon avec base carrée, en 1911, qui marquera « le divorce esthétique ». Bourdelle la présente avec des anfractuosités et y ajoute un socle quasiment cubique ! « Rodin ne lui pardonnera pas cette radicalité ». S’il lui doit beaucoup, Bourdelle constituera bien ce maillon vers une autre génération, favorisant l’épure (Brancusi, Chana Orloff…). Il accueillera à son tour d’autres figures essentielles du XXe siècle dans son atelier. Citons Germaine Richier, Alberto Giacometti ou encore Henri Matisse, qui a appris la sculpture à ses côtés, et l’a probablement inspiré. Mais ça, ce sont d’autres corps à corps…

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Panorama

info LM — Mon, 31 Aug 2020 22:25:05 +0000

Familière des dialogues artistiques, la Centrale for contemporary art invite le Français Xavier Noiret- Thomé et le Hollandais Henk Visch. Le premier s’est révélé avec des toiles télescopant les techniques, les cultures classiques et populaires. Jouant avec les échelles (du miniature au monumental) et les matériaux (de l’acier au bronze, en passant par le bois), le second demeure une figure de la sculpture contemporaine. Les voici réunis dans un duo au sommet, questionnant en filigrane la condition humaine.

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Panorama 21

manager — Mon, 30 Sep 2019 23:58:26 +0000

C’est la vitrine d’un savoir-faire unique en France. Conclusion d’une année de recherches artistiques tous azimuts, l’exposition annuelle des étudiants du Fresnoy dévoile 50 œuvres inédites, et un large éventail de techniques : photo, vidéo, sculpture… et parfois tout cela à la fois ! Cette année, ces jeunes créateurs internationaux s’intéressent aux “revenants”. Derrière ce thème se cachent nombre d’interprétations et de sujets. C’est par exemple Eliane Aisso qui interroge le souvenir des défunts, à travers les sculptures béninoises “assen”, liant les vivants et les morts. Dans le court-métrage Pol-len, Blanca Camell Galí filme elle le retour d’une jeune femme hantée par son amour de jeunesse dans sa Barcelone natale, désormais transformée par le tourisme de masse. à travers l’installation Khthon, Yan Tomaszewski imagine une nouvelle ère géologique, succédant à l’animal et au végétal, et marquée par le retour au minéral. En filigrane, il émet l’hypothèse d’une humanité ayant provoqué sa propre fossilisation après avoir exploité toutes les énergies fossiles de la Terre. Pétrifiant.

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Charles Carpeaux

manager — Mon, 30 Sep 2019 23:55:40 +0000

A l’instar d’Antoine Watteau, Jean-Baptiste Carpeaux demeure un nom bien connu des Valenciennois. Pourtant, il y eut bien deux Carpeaux dans la Cité du Hainaut. Charles, le fils aîné du sculpteur (et seul enfant qu’il considéra comme légitime), ne rencontra certes pas la même gloire, mais vécut lui aussi un destin hors norme… en Indochine. Formé aux techniques de moulages, il fuit son pays et une situation familiale difficile après la mort du père, et se battra même en duel pour laver l’honneur de sa mère calomniée. Le jeune homme tente le pari colonial et part pour l’Asie dès 1901, pour rejoindre l’École Française d’Extrême-Orient. Sur place, il participe notamment aux fouilles du Bayon d’Angkor et de son temple royal, et mène des travaux archéologiques d’importance au Vietnam et au Cambodge. Comme Jean-Baptiste avant lui, Charles Carpeaux documente et note scrupuleusement tout ce qu’il voit. Cette exposition révèle les photographies stéréoscopiques sur plaques de verre, sculptures ou bas-reliefs façonnés par cet aventurier, offrant le témoignage unique d’une Indochine rêvée.

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Brancusi

manager — Mon, 30 Sep 2019 22:02:09 +0000

Considéré comme l’un des pères de la sculpture moderne, Brancusi a poussé son art dans ses retranchements, en regardant vers l’abstraction et le surréalisme. Première grande exposition consacrée au Roumain depuis 25 ans, ce parcours montre des pièces emblématiques, comme sa célèbre Muse endormie ou Le Baiser. En provenance du monde entier, ces œuvres répondent ici à d’illustres contemporains, de Man Ray à Modigliani, en passant par Rodin duquel il fut apprenti.

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Gerhard Richter

manager — Mon, 01 Jan 2018 01:31:06 +0000

C’est sans doute l’un des plus grands artistes vivants. Né en 1932 à Dresde, Gerhard Richter s’est aussi bien intéressé à l’abstraction qu’à la figuration, s’attaquant à tous les supports (tissu, verre…). Une oeuvre guidée par l’expérience et le hasard qui n’a jamais démontré qu’une chose : la peinture ne peut reproduire le réel. Elle n’apporterait pas de réponse, mais poserait un questionnement permanent – n’est-ce pas l’essence de l’art ? Quatre décennies se sont écoulées depuis sa dernière exposition en Belgique. C’est dire toute l’importance de celle-ci. Le parcours du S.MA.K. s’article autour de deux périodes clés de la carrière de l’Allemand : le début et la fin. De ses peintures de rideaux ou de fenêtres (Window, 1968, semblant utiliser la lumière comme une matière) à cette sculpture en verre (7 Ruiten(Kaartenhuis), 2013), on découvre huit nouvelles pièces. Réalisées en 2017, elles prennent la forme de couches de couleurs vives apposées sur des canevas, rappelant les premières heures de l’impressionnisme. Si le titre de l’exposition semble bien banal (“sur la peinture”), son contenu demeure extraordinaire.

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Bernard Pras

manager — Thu, 30 Nov 2017 23:01:21 +0000

Bernard Pras s’est rendu célèbre avec ses installations entre peinture et sculpture. L’artiste français donne une seconde vie aux objets de notre quotidien, les assemblant pour former de magnifiques anamorphoses – l’image se révèle selon un point de vue précis. Parmi la quinzaine d’oeuvres présentées ici, citons ce portrait de Dali réalisé avec un piano, des chapeaux ou animaux empaillés… Une technique impressionnante doublée d’une réflexion pertinente sur notre incessant besoin d’accumulation.

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