Chambre à part

Scènes d’émeutes urbaines ou baiser lesbien en gros plan, la jeune Libanaise Myriam Boulos documente toutes les facettes de la révolution qui a embrasé son pays à l’automne 2019, et les traumas nés après l’explosion sur le port de Beyrouth, en août 2020. Cristina de Middel développe quant à elle une idée singulière. Pour Gentlemen’s Club, l’Espagnole a recruté des hommes sollicitant régulièrement des travailleurs du sexe, de Bangkok à Rio. L’artiste a choisi de les payer pour une heure, le temps d’un shooting, retournant ainsi les positions du client et des prostitués. À 75 ans, l’Américaine Susan Meiselas revient de son côté sur A Room of Their Own (“une chambre à eux”), série prise dans un refuge pour femmes et enfants victimes d’abus, au Royaume-Uni. Une telle intimité aurait-elle pu éclore entre les familles et la reporter, si cette dernière avait été un homme ? Close Enough laissera le public décider – et prendre du recul.

The post Close Enough appeared first on LM magazine.

Quel est votre propos ? Notre campagne dédiabolise les poils des femmes. Notre credo est : faites ce que vous voulez de votre corps. Acceptez-le avec ses poils ou continuez à l’épiler, mais surtout pas pour les autres.

Peut-on qualifier votre démarche de féministe ? Oui, car elle montre des femmes refusant les diktats et les aide à s’accepter, donc à s’aimer.

Pourquoi cette pilosité mérite-t-elle d’être défendue ? Parce qu’elle est difficilement tolérée dans notre société, contrairement à la pilosité masculine. Cela traduit une espèce de contrôle absolu du corps de la femme, lequel doit être lisse, mince, blanc aussi, car on voit très peu de modèles noires… Tout cela répond à certains canons. Voyez toutes ces pubs pour les parfums avec ces filles à moitié nues et retouchées (rires). On voulait démonter ces standards, montrer les femmes telles qu’elles sont.

©Le Sens du Poil

Selon vous, l’épilation féminine trahit-elle un impératif ? Oui, c’est une contrainte sociale, une norme. Si tu n’y adhères pas, tu peux essuyer des regards, des remarques, voire des insultes, comme en témoignent certaines de nos modèles. Ces commentaires proviennent parfois d’enfants très jeunes. C’est étonnant de constater à quel point ils ont déjà intégré cette notion… Beaucoup de femmes aussi sont anti-poils, et très virulentes, ça pose question.

Plus personnellement, vous épilez-vous ? Non, car il n’y a aucune raison que la femme s’épile et pas l’homme. Ensuite, ce n’est pas forcément bon pour le corps. Si les poils sont là, il doit y avoir une bonne raison ! Et puis j’ai la flemme…

Quels sont les avantages de cette non-épilation ? On gagne du temps ! Surtout, ça représentait une énorme charge mentale. Je craignais tout le temps qu’on aperçoive mes poils à la piscine ou en short… Aujourd’hui j’accepte mon corps tel qu’il est.

©Le Sens du Poil

Avez-vous reçu des remarques désagréables ? Non. Elles étaient finalement plus nombreuses quand je me rasais, par rapport aux repousses…

Selon vous, le poil peut-il aussi être esthétique ? Pour les laisser pousser, il faut tout de même atteindre un certain stade d’acceptation. D’ailleurs est-il indispensable de trouver cela beau ? La femme a-t-elle toujours vocation à être belle ? Ne peut-on pas regarder ce poil avec indifférence ?

En attendant, pourquoi est-il considéré comme masculin voire sale ? Si une femme se les laisse pousser, on a tendance à penser qu’elle ne prend pas soin d’elle, ne se lave pas. Et puis il y a un aspect lié au genre : une fille qui ne se rase pas serait masculine voire lesbienne… des raccourcis absurdes. Finalement, ces petits poils sur le corps s’avèrent très politiques, perçus comme militants.

Comptez-vous aussi des soutiens masculins ? Quelques-uns. Certains sont sympas mais un peu à côté de la plaque, soutenant que les femmes poilues sont très sexy. Ce n’est pas le but…

Comment choisissez-vous vos modèles ? Ce sont elles qui viennent à nous. Au sein de notre groupe, Charlotte et Laure prennent les photos car elles adorent ça. Lors des séances nous décidons ensemble des lumières, des poses.

Pourquoi avoir choisi la photo ? Puis la web-série ? La photo est le support idéal pour frapper les esprits. Et Instagram la plateforme incontournable pour valoriser notre démarche. Seulement, les témoignages limités à un nombre de caractères empêchaient d’aller au fond des choses. Voilà pourquoi on a tourné une web-série rapportant l’expérience de nos modèles.

Quels en sont les différents sujets ? On s’intéresse à l’adolescence, la période où les poils apparaissent et les injonctions commencent. On évoque aussi le business du poil, l’investissement en temps et en argent, la pression psychologique… Le dernier épisode focalise sur les poils invisibles, comme la moustache ou ceux autour des tétons, pas réservés aux hommes !

©Le Sens du Poil

A LIRE AUSSI : VAGINA MUSEUM

© Elisabeth Blanchet

The post Le Sens du poil appeared first on LM magazine.

Que signifie Koketit, ce personnage que vous avez créé ? C’est la traduction en hébreu de “coquette”, soit “qui aime plaire”. En quelque sorte, à travers cette figure, je flirte avec les images. Nous vivons tous à travers des avatars nous représentant dans le monde digital, ils sont presque réels.

© Koketit

Comment ce personnage a-t-il évolué ? L’illustration pour la mode ayant été ma principale occupation pendant plusieurs années, j’avais une approche bien plus figurative, même lorsque je dessinais sur des photos. Au départ, Koketit ressemblait plus à un cartoon. J’ai fini par la déshabiller complètement et n’ai gardé que l’essentiel. Je suis tombée amoureuse du dialogue qui s’en est suivi, c’est-à-dire en la dessinant sur une photographie qui racontait déjà une histoire. En traçant des lignes sur ces images, je change la narration sans toutefois la bouleverser radicalement.

Que voulez-vous exprimer à travers vos œuvres ? Mes travaux sont principalement autobiographiques car ils reflètent l’état d’esprit dans lequel j’étais lors de leurs créations. Ils sont la manifestation d’un sentiment très personnel, les gens s’identifient donc à eux. Tout le monde a souffert d’un chagrin d’amour ou ressenti les picotements d’un ardent désir. En regardant mes images, le spectateur se connecte en réalité avec lui-même.

Quel est votre processus de création ? Je ne travaille jamais sous la contrainte. J’ai des intentions, certes, mais il me faut être dans un certain état d’esprit. C’est une envie soudaine, comme ça nous arrive avec la nourriture ou le sexe. Parfois, ça ressemble à un éternuement, ça a juste besoin de sortir.

photo © Anne Marie Kevandrimmelen

Comment trouvez-vous l’inspiration ? Il y a deux types de processus : l’un est global et l’autre immédiat. Le premier résulte de l’assiduité, de la persévérance. Le fait d’avoir une routine et une certaine discipline lors de la pratique artistique est très important, car cette aptitude a besoin d’être aiguisée. Avec le temps, on obtient des résultats, un peu comme lorsque l’on fait du sport. Le processus immédiat de création, lui, implique de rester ouvert, de trouver l’inspiration partout, être attentif aux signaux et les exploiter. J’écoute toujours mes émotions.

“Le monde est ma toile” semble être votre devise, n’est-ce pas ? En tant qu’artiste digitale, je ne connais pas de limite. Cette technologie me permet de dessiner sur un immeuble ou des nuages, de donner vie à toutes les images me venant en tête puis de le partager avec le monde de la façon la plus simple. Pouvoir créer ce que je veux, sans aucune restriction, est la seule manière dont je veux vivre.

The post Shira Barzilay appeared first on LM magazine.

The post Les Tailleurs appeared first on LM magazine.

Est-ce à ce moment-là que vous avez découvert les Walés ? Oui, et complètement par hasard, car il n’existe aucune documentation sur ce rituel. Cela faisait trois ou quatre ans que je trainais dans cette zone. Le long d’un lac, il y avait deux chemins et, à chaque fois, je prenais celui menant vers la gauche. Un jour, j’ai décidé de prendre à droite. 20 kilomètres plus loin, je suis tombé sur une femme à la peau rouge. C’était une Walé. Ces femmes m’ont fasciné et je me suis immergé dans leur quotidien.

Qu’est-ce qu’une Walé ? Au nord de la RDC, au cœur de la forêt, vivent les Ekondas. Ce peuple a créé un rituel célébrant les femmes après la naissance de leur premier enfant. Celles-ci ont entre 15 et 18 ans et la plupart sont des pygmées. Toutes ne deviennent pas Walés, c’est au père de décider. Dès lors, la jeune fille quitte son mari pour retourner dans la case de sa mère durant une période de semi-réclusion de deux ans, parfois cinq.

La Walé à la balançoire, Lokito – la bruyante.

Pourquoi cela peut-il durer plus longtemps ? L’honneur final est de sortir de ce confinement avec une valise, sorte de dot composée de biens précieux. C’est le rôle du mari de la constituer. A une époque, il s’agissait d’ivoire, de cuivre, de peaux de bêtes… Mais avec la globalisation et l’arrivée des produits chinois, ces Walés veulent désormais des sacs, des montres, des chaussures… tout cela peut donc coûter cher ! Ayant acquis énormément de prestige, il y a beaucoup de concurrence entre ces femmes. Elles restent donc coincées à cause de leurs ambitions.

Comment se déroule ce confinement ? Durant la première année, la Walé bénéficie d’un transfert de savoir de la part de sa mère, sa grand-mère et d’autres femmes du village, afin d’apprendre à s’occuper de l’enfant et devenir parent. Elle est alors célébrée comme une reine-mère, porte des attributs royaux comme des bracelets, un chasse-mouche… Elle est bien nourrie et demeure en très bonne santé. Elle n’a pas le droit de travailler dans les champs, de se préparer à manger, se promener seule sans sa cour et, surtout, respecte un interdit sexuel. Les pygmées croient en effet que le sperme pourrit le lait maternel.

Ensuite ? Durant la deuxième année, chaque femme doit produire un spectacle de danse et de chant lors duquel elle raconte son vécu pendant la réclusion. C’est une littérature chantée. Les autres clans écoutent sa performance et, à la fin de la journée, elle redevient une femme comme les autres, mais Walé à jamais.

En quoi consiste votre série, Songs of the Walés ? J’ai créé une représentation visuelle de chaque chanson inventée par ces femmes. C’est ma façon de traduire leurs pensées intimes, mais aussi de leur rendre hommage. Chaque femme joue ainsi son propre rôle au sein de scènes et de décors construits sur place, avec les matériaux du bord et l’aide de chasseurs, pêcheurs, artisans… Il n’y a dans mon travail aucune retouche numérique.

Walé Asongwaka s’envole

Qu’est-ce qui vous fascine dans ce rituel ? Ces gens prennent le temps de se poser et de célébrer la vie, les vraies valeurs humaines. Dans nos société occidentales, nous ne prenons plus le temps pour cela, alors que c’est tout de même énorme, l’origine du monde !

Comment définirez-vous votre travail ? Pour moi, la photographie constitue la dernière étape de tout un processus participatif. Il me faut parfois trois mois de travail et d’immersion pour réaliser une scène. Une seule image relève à la fois du théâtre, de l’installation, de la performance, de la musique, de la peinture… C’est une démarche hybride.

Votre pratique se situe-t-elle entre l’art et le documentaire ? Oui, mais elle est avant tout collaborative. Il m’importe en effet que le sujet devienne acteur de son histoire. Il s’agit de créer un décor avec cette personne afin qu’elle y joue son propre rôle.

Ntembe, Walé épervier

Pourquoi ces femmes ont-elles la peau rouge ? Elles s’appliquent sur le corps de la poudre de bois ngola, qui est donc rouge et représente la couleur royale. Celle-ci est censée chasser les mauvais esprits et les hommes. Elle protège aussi la peau contre diverses maladies.

Quels sont vos projets ? Ils sont nombreux. Je me suis récemment installé à La Haye, dans un atelier de 300 mètres carrés, mais je suis toujours en voyage à travers le monde. Ce qui m’intéresse avant tout, c’est l’échange humain. Débarquer dans des lieux improbables et réussir à créer avec des gens très différents de moi.

The post Patrick Willocq appeared first on LM magazine.

Trio complice

Baptisée “L’eau à la bouche”, la séquence “Birkin” ouvre cette rétrospective au parcours chronologique. Mais très vite, Gainsbourg, rencontré en 1968 sur le tournage de Slogan, surgit sur les tirages en noir et blanc et dans le quotidien de la fratrie. « Jane est tombée amoureuse de Serge, je suis tombé amoureux de Serge. Dès que j’avais un moment libre, je prenais un avion et les retrouvais, à Paris ou sur les plateaux de cinéma », se souvient Andrew. Il immortalise alors de l’intérieur le bonheur des amants que la presse s’arrache. Shootings promos à Oxford, déjeuners animés à la campagne, virée en voiture de luxe ou moments de tendresse avec les toutes jeunes Kate Barry et Charlotte Gainsbourg… Une douce nostalgie se dégage des instantanés du cinéaste. En filigrane, ils racontent aussi la collaboration artistique fructueuse – et parfois scandaleuse – entre la muse à la voix chuchotante et “l’homme à tête de chou”.

Je t’aime… Moi non plus

Riche de nombreuses bandes-annonces, extraits de films, objets personnels et références au contexte culturel, Jane & Serge. Album de famille sort du seul cadre du livre, et accorde « une salle entière à l’influence de Jane Birkin sur le travail de Serge Gainsbourg », détaille la directrice du Musée des beaux-arts, Anne-Claire Laronde. « C’est pour elle qu’il a composé son premier album-concept devenu culte, Histoire de Melody Nelson, avant de créer son personnage de dandy décadent ». Les frasques de Gainsbarre, à l’aube des années 1980, eurent raison de leur histoire. Les images d’Andrew Birkin, elles, ne retiennent que la face lustrée d’un mythe français.

The post Jane & Serge appeared first on LM magazine.

Parlez-vous le dauphin ?

Le parcours est jalonné de vidéos, photos, dessins, témoignages et même… de méduses. Confiées par Nausicaa, ces créatures à la fois « magnifiques et maléfiques » prolifèrent en effet dangereusement, « trouvant avec les déchets en plastique un habitat idéal… ». Voyageant de l’Arctique aux mangroves, en passant par la Polynésie où la population lutte contre la montée des eaux, le visiteur découvre aussi de curieux objets. à l’image de cette capsule sous-marine du Mexicain Ariel Guzik. Digne d’un roman de Jules Verne, « cette sculpture musicale permet de communiquer avec les cétacés »… Nos sens, aussi, sont bouleversés, notamment par les compositions de Jana Winderen. La Norvégienne a posé ses micros à Dunkerque, restituant en direct le paysage sonore et subaquatique de la mer du Nord. Un drôle de carnaval…

The post Océans appeared first on LM magazine.

Moataz Nasr, I’m Free © Galleria Continua,
San Gimignano, Beijing, Les Moulins, Habana

Histoire immédiate

Pour autant, il est beaucoup question de politique. Poussant les portes de “Saint So”, nous sommes accueillis par une installation monumentale. Signée par Moataz Nasr, représentant de l’Égypte à la Biennale de Venise en mai, celle-ci ressemble à une pyramide sur laquelle le public est invité à grimper. Arrivé au sommet, des ailes se déploient dans le dos du visiteur, mais aussi une inscription, « I’m free », en référence aux slogans de la révolution égyptienne. Tout aussi engagée, Crossings, de Leila Alaoui, tuée à Ouagadougou en 2016 lors de l’attaque du Cappuccino, relate le calvaire de migrants subsahariens, traversant la Méditerranée pour gagner une terre qu’ils imaginent meilleure. Mêlant témoignages réels et fiction, cette installation vidéo montre à quel point l’Europe persiste dans l’imaginaire africain comme un eldorado, une utopie toxique. La planète est devenue un village global où les chances de départ sont très aléatoires. Le Béninois Meschac Gaba réinterprète cette idée avec poésie. Sweetness se présente ainsi comme la maquette d’une ville rassemblant des monuments historiques du monde entier, tout en sucre. Pour l’occasion, l’artiste y a ajouté le Beffroi de Lille. Cette cité symbolise donc une société unifiée mais fragile. Celle-ci est bâtie avec une substance renvoyant aux heures sombres de l’Histoire : ce sont les esclaves africains, déracinés par les Portugais, qui s’échinèrent dans les plantations de sucre brésiliennes jusqu’à la fin du xixe siècle…

Ni thématique, ni chronologique (« j’ai horreur de ça »), ce parcours est avant tout conçu comme une déambulation, instaurant un dialogue entre les oeuvres. Pour exemple Calao, cette tenture du Malien Abdoulaye Konaté, qui montre l’oiseau sacré des Sénoufos chargé de transporter les âmes des défunts. Elle est placée en face des photos chamarrées du Marocain Hassan Hajjaj, magnifiant les vendeurs de Marrakech. « Voici deux déclinaisons sur le thème du voyage : l’un est spirituel, l’autre physique… commente Simon Njami. J’invite le spectateur à explorer des terres étrangères, pas à un cours de géographie ni d’histoire de l’art, il s’agit de se découvrir soi-même. Comme dans tous les voyages ».

The post Afriques capitales appeared first on LM magazine.