Je m’appelle Francesco Camillo Giorgino, plus connu sous le nom de Millo. Je suis né en 1979 à Mesagne, dans le sud de l’Italie, avant de m’installer à Pescara pour étudier l’architecture. Le dessin a toujours fait partie de ma vie. Depuis l’enfance, c’est ma manière la plus naturelle d’exprimer des émotions et d’observer le monde qui m’entoure.

Comment décririez-vous votre travail en quelques mots à quelqu’un qui ne vous connaît pas ? Qu’est-ce qui définit votre style, et comment a-t-il évolué au fil du temps ?

Je peins généralement des figures humaines gigantesques évoluant dans des villes, en noir et blanc, au milieu des rues, des voitures, des câbles et des immeubles. La ville que je représente est une métaphore de notre vie moderne : chaotique, répétitive, écrasante. Au cœur de cette complexité, mes personnages tentent de retrouver une forme d’innocence et d’humanité. Ce qui caractérise peut-être mon style, c’est le contraste entre une architecture minimaliste en noir et blanc et quelques éclats de couleur utilisés comme des surligneurs pour attirer l’attention sur une idée précise. Au fil du temps, mon travail a évolué tant sur le plan émotionnel qu’esthétique. Au début, j’exprimais davantage de colère. Aujourd’hui, je préfère susciter de l’espoir, de l’empathie et des liens humains positifs. La beauté peut parfois être plus puissante qu’une accusation frontale.

Plus précisément, comment décririez-vous votre processus créatif ? Comment vos œuvres prennent-elles forme ?

Je puise surtout mon inspiration dans le quotidien : une conversation dans la rue, un enfant qui joue, les informations à la radio ou les rêves… Tout peut se fondre dans une fresque murale. En général, tout commence par une intuition plutôt que par un concept très précis. Je dessine, une ville apparaît, puis des personnages et des histoires émergent presque spontanément. Des symboles surgissent aussi au fil du processus : des avions en papier, des plantes, des animaux, des jouets… Des formes fragiles qui deviennent des symboles de liberté ou d’évasion face à la machine urbaine.

Comment identifiez-vous et choisissez-vous les emplacements de vos installations ou de vos peintures murales ? Est-ce le lieu qui inspire l’œuvre, ou est-ce l’inverse ?

Pour moi, un mur n’est jamais une simple surface. Le lieu influence toujours l’œuvre. Je prends le temps d’observer le quartier, l’architecture, les habitants, l’atmosphère et le contexte social. Je m’intéresse particulièrement aux périphéries et aux espaces urbains anonymes, parce qu’ils recèlent souvent des histoires humaines très fortes. Parfois, j’arrive avec une image déjà en tête, que j’adapte ensuite au lieu. C’est donc un véritable dialogue entre le mur et l’idée.

Quel sentiment ou quelle réaction souhaitez-vous susciter dans le public ?

Les grandes villes nous poussent à aller toujours plus vite, à consommer frénétiquement, sans vraiment réfléchir. Mes fresques tentent de briser ce rythme, ne serait-ce que quelques secondes, pour renouer avec des émotions simples : la vulnérabilité, l’affection ou l’imagination. Les villes que je peins sont bondées et chaotiques, mais mes personnages recherchent toujours une forme d’intimité et de contact. Cela dit, je ne veux jamais imposer une seule interprétation. Je préfère que chacun trouve son propre sens à l’œuvre.

Votre travail comporte également une dimension sociale, voire politique, n’est-ce pas ?

Bien sûr. Derrière leur apparente douceur, mes œuvres évoquent toujours des réalités très concrètes : l’isolement, les inégalités, les sans-abri, les migrations, le consumérisme ou encore l’exclusion sociale. Les personnes fragilisées par nos systèmes économiques impitoyables deviennent souvent invisibles dans les grandes villes. En intervenant dans l’espace public, j’essaie de leur redonner une forme de visibilité et de dignité.

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Vertige moral

Où qu’il aille, Nick Brandt compose des tableaux d’une beauté désarmante. La douceur des regards contraste avec la gravité des destins. Ses clichés abolissent les frontières entre espèces, continents et cultures. Le message est reçu tel un uppercut : tous subissent, avec dignité, les conséquences d’un désastre qu’ils n’ont pas provoqué. Cette ironie cruelle confère à l’œuvre une portée politique. Car Brandt ne se contente pas de documenter, il nous intime de prendre position. Certains modèles nous fixent d’ailleurs dans les yeux, interrogeant notre responsabilité. De la brume d’Afrique australe aux falaises jordaniennes, The Day May Break résonne comme un cri d’alarme. L’aube ou l’abîme : le choix ne leur appartient plus. Il est désormais le nôtre.

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Un autre Doisneau

Au fil de près de 400 photographies réparties en une dizaine de salles thématiques se dessine également le portrait d’un artiste engagé. Infatigable arpenteur, jamais sans son Rolleiflex, Doisneau savait révéler le merveilleux niché dans le quotidien. Mais son regard humaniste s’est aussi posé sur des réalités plus sociales – la pauvreté, les prostituées ou encore la rudesse du monde du travail. En 1934, à l’âge de 22 ans, ce graveur-lithographe de formation fut en effet embauché au service photo de l’usine Renault de Billancourt. De cette expérience, il tire de sublimes portraits d’ouvriers s’échinant à la tâche… avant de se faire licencier par la marque au losange cinq ans plus tard pour retards répétés – tant mieux !

Bons baisers de Liège

Tout aussi méconnus, on trouve dans cette exposition ses photoreportages réalisés en Belgique, entre 1956 et 1970. C’est ici les fameux Gilles de Binche, là les canaux de Bruges, des portraits de George Simenon ou encore de Nicolas Schöffer, père de l’art cinétique, immortalisé devant la Tour cybernétique… du parc de la Boverie ! Joli symbole de l’éclectisme et de l’insatiable curiosité d’un artiste qu’on n’a décidément pas fini de redécouvrir.

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Portrait de mineur, Kasimir Zgorecki, 1927 1994 (Tirage moderne), H. 50 cm ; L. 40 cm
CRP/ Centre régional de la photographie Hauts-de-France
© adagp / CRP Hauts-de-France

De la mine au studio

Chaudronnier de formation, Zgorecki est d’abord mineur à la fosse 10 de Billy-Montigny. Mais au bout de six mois, il reprend le studio que son beau-frère exploite à Rouvroy. Celui-ci l’initie à une pratique focalisée sur le portrait de studio et en extérieur. Jusqu’en 1939, son succès est indéniable, lié au plein essor de la photographie et à la place de choix qu’il occupe au sein de “la Petite Pologne” du Pas-de-Calais. Pour donner des nouvelles au pays, Zgorecki immortalise la diaspora sous son meilleur jour. Scènes de mariage, devant une épicerie ou familles endimanchées dans un décor… Il faut suggérer la réussite sociale, tout en occultant les conditions de travail dantesques dans les mines et une intégration rude.

Trésor caché

Noir et blanc charbonneux, essais colorisés, sens évident de la mise en scène, regards intenses et rectitude des postures servent des images souvent bouleversantes, parfois drôles. Sans oublier les nombreux autoportraits décalés du Polonais. Signalons enfin que cette exposition n’existerait pas sans Frédéric Lefever. Petit-fils par alliance de Kasimir Zgorecki, c’est lui qui, en 1989, a découvert 3 700 de ses plaques de verre dans le grenier du studio de Rouvroy. Un trésor révélé, dans tous les sens du terme.

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Montigny-en-Ostrevent (59), buvette du siège colombophile, 22 avril 2017
Collection de l’artiste

Humanité

Si le hasard a voulu qu’il capture deux fois l’un des ponts d’entrée de ville, à Douai, Thierry Girard n’a pas exploré les mêmes lieux, évitant de dresser un “avant-après” un peu vain. « Il ne s’inscrit pas du tout dans une démarche documentaire ou journalistique », prévient Virginie Malolepszy, commissaire de Carnets du Nord. D’ailleurs, le Français ne prit pas tout de suite conscience du déclin industriel frappant la région. Se présentant lui-même comme « un artiste-arpenteur », Thierry Girard traverse librement le territoire, au gré de ses rencontres ou balades, pour « en mesurer la singularité, la diversité mais aussi l’unité ».

Cette méthode lui a permis de saisir des scènes à l’improviste, réalistes ou emplies de poésie et d’humanité. A l’image de ce couple s’embrassant goulument au centre d’un paysage d’usines et de briques à Denain, en 1981, devant un troisième larron dépité, clope à la main. On admire aussi des compositions remarquables, jouant sur les lignes et les profondeurs. Elles évoquent par endroit des toiles de maîtres flamands, soulignant les charmes tout naturels du bassin minier. « Ce travail représente notre diversité. Il dépeint un territoire très jeune, multiple, en cours de rénovation ou très bucolique. Une région où les traditions anciennes côtoient de nouveaux loisirs ». Cette exposition pourrait inspirer plus d’un cinéaste en mal de décor baroque ou surréaliste. D’ailleurs, le public est invité à livrer (via Instagram) sa propre vision d’une terre qui a plutôt… bonne mine.

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Spleen et urgence

Marc Trivier évoque volontiers l’immanence de la photographie. Ses images dépouillées de tout artifice servent d’abord une quête formelle. La manière dont la lumière accroche ses motifs prime sur la profondeur psychologique, l’épaisseur de la chair ou de la matière. Il se dégage de ce travail une mélancolie, correspondant à ce moment furtif où le sujet s’abandonne devant l’artiste. L’inclinaison corporelle de Francis Bacon, qui ne souhaitait pas être photographié, en est un bel exemple. Émergent ainsi de ces portraits ou paysages l’urgence de la prise de vue, et la nostalgie de ce qui est définitivement passé.

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