Beautés hybrides

Dès l’atrium de la Cité de la dentelle, la rencontre est saisissante. La Tiger Cloud Installation, 2 500 feuilles de tulle découpées à la main et assemblées par des perles, restitue en taille réelle la silhouette d’un tigre suspendu dans l’air, aérien et grave à la fois. Les lampes Altaïca tigris, en forme de crâne de tigre, lui font cortège. L’ensemble rappelle avec élégance la menace qui pèse sur certaines espèces, mais sans pathos : ici le message passe par la beauté. Plus loin, le Boléro Drago de 1992, dont les triangles d’organza évoquent l’écaille d’un dragon, n’a rien perdu de son pouvoir de fascination. L’architecte Zaha Hadid, qui en possédait un exemplaire, y voyait une architecture souple, un vêtement habité par l’imaginaire, qui n’appartient plus tout à fait à la mode et pas encore à la sculpture. Le Vase en céramique dorée brodé de fil de laiton (2023) prolonge cette logique, croisant l’artisanat étrusque et la couture avec une évidence déconcertante.

Éloge du détail

Au Musée des beaux-arts, l’atmosphère se fait plus contemplative. Les 21 portraits de tulipes perroquet de Tal Lancman, photographies rehaussées à l’acrylique, sont l’aboutissement de quinze années d’observation patiente. Ces images suivent la fleur de sa naissance jusqu’à sa momification, révélant dans chaque pétale séché une beauté austère, presque sacrée. Face à elles, des Oiseaux brodés répondent en silence. Avec ces figurines de porcelaine ancienne entièrement recouvertes de plumes d’organza et de perles de verre (chacune fruit de 300 à 350 heures de travail), le fragile se greffe sur l’immuable avec grâce. Anne-Claire Laronde, directrice-conservatrice du pôle muséal de Calais, y reconnaît des « objets amis » pensés pour créer du lien. Elle perçoit aussi l’écho lointain de l’Arte Povera, magnifié par une maîtrise technique qui élève chaque matière, si humble soit-elle, au rang de merveille.

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La rue en partage

Côté programmation, les grandes soirées gratuites s’annoncent mémorables avec Gradur, enfant de Roubaix devenu figure du rap français, et Jungeli, phénomène de la nouvelle génération. Les arts visuels brillent avec Isham One et Naime Merabet, l’Anti-Fashion Project questionne les codes de la mode urbaine. Et puis la danse, discipline-mère du festival, réunit deux monuments du hip-hop chorégraphique : Mourad Merzouki et Farid Berki, dont les trajectoires sont indissociables de l’histoire culturelle de cette ville. Cinq bougies, mais la flamme n’est pas près de s’éteindre.

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Première collaboration Créateurs

La révolution à domicile

Issue du monde agricole, la famille Pollet fonde à Roubaix une filature de laine peignée en 1837, dont la qualité est rapidement reconnue. En 1925 paraît Pénélope, prélude au catalogue de vente par correspondance qui marque un tournant : la mode et l’art ménager entrent dans les foyers. De chaque côté de la revue, « on trouve des femmes », ouvrières ou acheteuses, rappelle l’autre commissaire de l’exposition, Sandrine Tinturier. Suivront des innovations structurantes – service Minitel, livraisons accélérées – qui redessinent les usages… Plus de 300 pièces (vêtements, mobilier, archives) jalonnent un parcours chronologique ponctué de digressions thématiques : “s’habiller comme maman”, podium yéyé… Au fil des salles, une évidence s’impose. En faisant de l’image un outil au service du désir, La Redoute a inventé, bien avant l’heure, les codes du commerce moderne.

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Modèles hybrides

L’exposition du MoMu ne cherche pas à mythifier le groupe mais à en montrer la complexité. Les débuts à l’Académie, le contexte économique difficile des années 1980, le rôle du plan textile belge, puis la reconnaissance internationale : chaque étape rappelle que cette réussite tient autant à l’amitié qu’à une détermination hors norme. Comme le souligne la directrice du musée, Kaat Debo : « Les Six ont profondément façonné l’histoire récente de la mode, tout en refusant de devenir une école ou un style unique ». Car ils n’ont jamais formé un collectif au sens strict. Chacun a développé un style personnel : la poésie sombre et romantique d’Ann Demeulemeester, les harmonies de matières et de motifs de Dries Van Noten, l’énergie graphique et colorée de Walter Van Beirendonck, la rigueur sportive de Dirk Bikkembergs, les recherches artisanales de Dirk Van Saene ou encore l’approche introspective de Marina Yee. Autant de directions différentes, guidées par une même liberté. Quarante ans après leur virée londonienne, leur influence reste intacte. L’exposition le rappelle avec justesse. Plus qu’un groupe, les Six d’Anvers ont incarné un moment de bascule, celui où la Belgique a cessé d’imiter pour commencer à inventer. Anvers n’a depuis plus jamais quitté la carte mondiale de la mode.

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Le refus de l’ordinaire
Devenir un “Blitz Kid” ou un “New Romantic”, c’était refuser l’ennui conformiste d’une société grise et d’une culture de masse imposée. Dans ce refuge on osait tout : androgynie, costumes de théâtre, maquillage outrancier… On empruntait à Bowie – habitué du club – au cinéma expressionniste, au cabaret berlinois. Les silhouettes ressemblaient à des sculptures mouvantes. Le Blitz devenait un laboratoire esthétique, un manifeste visuel. Et derrière ce tourbillon, un hymne indémodable : Fade to Grey, tube du groupe Visage, dont Steve Strange était le visage, justement.

Un manifeste pour la liberté
On célèbre aujourd’hui cette légende à travers 250 objets : vêtements, flyers, vinyles, photographies, objets de design, projection de films rares et magazines. Les reconstitutions immersives font revivre le bar, la piste de danse, les ombres des clubbers. Sur les murs, des affiches d’après-guerre rappellent l’origine du nom : Blitz, l’éclair – celui des bombardements, mais aussi de la fulgurance. La musique de Rusty Egan, autre cofondateur et DJ, enveloppe l’espace : de Soft Cell à Kraftwerk. Des projections montrent des silhouettes papoter, boire, fumer, danser… On se laisse happer par l’énergie folle de cette faune baroque dont on regrette de ne pas avoir fait partie.

Retiens la nuit
Le Blitz n’a existé que dix-huit mois. Suffisant pour bousculer les corps, les genres et les codes de la mode. De ces nuits londoniennes ont émergé des figures flamboyantes : Boy George, Sade, Spandau Ballet, Bananarama, Ultravox, ainsi que des créateurs de mode comme Stephen Jones et Judy Blame, ou les fondateurs de The Face et i-D. Tous envisageaient leur existence comme une performance et la nuit comme une promesse. L’exposition interroge aussi notre présent. Que reste-t-il de cette envie de se réinventer ? Dans un monde numérique où l’image, souvent calibrée, se partage en un instant, y a-t-il encore de la place pour la singularité, le bizarre assumé ? Le Blitz n’était pas seulement un club : c’était une manière de revendiquer le droit d’exister autrement, se sauver par l’art et la poésie dans un monde désenchanté.

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La friche, c’est chic

Outre des rappeurs à découvrir d’urgence (le Britannique Ocean Wisdom, l’étoile montante de Saint-Denis Nayra), le festival fait aussi la part belle à la danse. Notamment à travers une figure roubaisienne bien connue, Brahim Bouchelaghem, qui célèbre au Colisée les 20 ans de la compagnie Zahrbat via une rétrospective de son immense répertoire. Parmi les temps forts, on note aussi le défilé 100% féminin d’Anti Fashion, le tournoi e-sport de Super Smash Bros. Ultimate, avant d’aller du côté de l’ancien bowling. Abandonné depuis 2018, ce vaste site a été investi par des graffeurs locaux (le Plateau 112), qui font honneur au “Made in Roubaix”.

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(c) Julien Damien

La fée électricité

Parmi les autres thèmes abordés dans cette exposition, citons celui du genre, par exemple symbolisé avec ce portrait très masculin de George Sand, signé Delacroix, ou à l’inverse les Self-Portraits in Drag d’Andy Warhol. « Chef-d’œuvre absolu de la peinture », selon Olivier Gabet, Un Atelier aux Batignolles de Fantin-Latour immortalise de son côté de grandes figures du XIXe siècle (Monet, Zola, Renoir…) qui, et on l’observe désormais sous un autre jour, sont toutes vêtues de teintes sombres. « Il s’agit de se détacher des couleurs de l’Ancien Régime, c’est très politique. Le costume noir apparaît alors comme une possibilité égalitaire ». C’est également un code bien ancré de l’élégance masculine… qu’Yves Saint Laurent détournera avec une grâce infinie à travers sa pièce la plus iconique : le smoking noir féminin. Car oui, aujourd’hui le vêtement s’est lui aussi imposé comme une oeuvre d’art, au même titre que la sculpture ou la peinture. C’est la Robe électrique d’Atsuko Tanaka toute en ampoules, le Veston aphrodisiaque de Dalí (sur lequel sont cousus des petits verres remplis de liqueur !) ou encore les costumes du duo Gilbert & George, aussi guindés que ces trublions anglais sont subversifs… l’habit ne faisant décidément pas le moine !

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