A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

Amanita Muscaria (c) Eglė Plytnikaitė

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Comment décririez-vous votre style en quelques mots ? Coloré, minimaliste et conceptuel. Il utilise souvent des textures subtiles qui donnent à mon travail une chaleur vintage, tout en conservant une esthétique contemporaine.

Ocean (c) Eglė Plytnikaitė

Comment l’avez-vous développé ? Cela a commencé par une réflexion sur moi-même. Je me suis demandé qui j’étais et quelle esthétique me correspondait le mieux. Développer un style, c’est comme s’embarquer pour un voyage à la découverte de soi. J’ai toujours aimé le vintage, qui s’est donc naturellement retrouvé dans mon travail. Je suis également attirée par les messages audacieux et percutants, qui se reflètent dans mon art. Les couleurs vives me manquent dans mon pays, surtout pendant les saisons froides, je les ai donc intégrées à mes œuvres. Au fil du temps, j’ai l’impression que mon travail est devenu plus nuancé, tout comme la vie. Je suis impatiente d’expérimenter davantage et d’inclure plus de détails.

Kiss (c) Eglė Plytnikaitė

Vous utilisez très peu de couleurs dans vos images. Comment les choisissez-vous et les harmonisez-vous ? J’ai quelques combinaisons de couleurs favorites, mais je suis toujours prête à tester de nouvelles choses. Pour moi, trouver la bonne combinaison, c’est comme composer un beau morceau de musique : il faut que tout soit parfait. Parfois, je passe des heures à chercher la palette idéale. À d’autres moments, le déclic se produit instantanément. J’entretiens également des tableaux d’humeur remplis de mes tonalités préférées. Je les utilise comme source d’inspiration et pour susciter de nouveaux alliages inattendus.

Grâce aux textures que vous utilisez, vos créations ont également un aspect vintage. Pourquoi ce choix ? J’adore l’art contemporain minimaliste, mais son esthétique me semble souvent un peu trop dure. Pour l’adoucir, j’ai créé une collection de textures de papier vintage. Cela ajoute un sentiment de chaleur tout en conservant l’esthétique contemporaine globale, et j’aime ce contraste.

Peaking (c) Eglė Plytnikaitė

Votre style minimaliste vous permet-il aussi de véhiculer un message de manière plus directe et efficace ? Oui, j’ai toujours admiré les personnes qui disent la vérité sans l’édulcorer ni la déformer. Le minimalisme révèle les choses sous leur forme la plus pure et la plus audacieuse.

Il y a aussi de l’humour, et parfois un peu d’ironie dans vos images… Oh, absolument ! Cela reflète vraiment qui je suis. J’aime l’humour et ne pas me prendre, ou prendre quoi que ce soit, trop au sérieux. La vie est courte, et le rire souvent le meilleur des remèdes.

Vos illustrations expriment aussi des messages politiques, n’est-ce pas ? Oui, j’ai réalisé de nombreux projets en faveur d’un avenir plus durable, pour les droits des femmes ou pour soutenir l’Ukraine dans sa lutte pour la liberté. Je pense que l’art est une arme puissante et je veux l’utiliser pour susciter des changements. Par ailleurs, je consacre beaucoup de temps au bénévolat dans diverses organisations, principalement liées à la protection et à la conservation de la nature, et j’utilise activement mon art pour amplifier ce message. Croire que mon travail peut avoir un impact significatif et contribuer à un avenir meilleur est ma principale motivation.

Together (c) Eglė Plytnikaitė

Quelles sont vos sources d’inspiration ? La nature et l’époque dans laquelle nous vivons. Mon art est le reflet direct de ce que je suis, ressens et pense. Tout ce que je vis se retrouve naturellement dans mes illustrations. Cela m’aide à me rapprocher des autres car, en tant qu’êtres humains, nous vivons tous des choses similaires.

Concrètement, comment travaillez-vous ? Je commence toujours par des croquis sur papier – j’en ai des tonnes dans mon studio. Une fois que l’idée et la composition sont claires, je passe à l’ordinateur et travaille sur ma tablette. Je commence par tout vectoriser et supprimer les détails inutiles. Les dernières étapes consistent à choisir les couleurs et, à la toute fin, à ajouter des textures.

Parmi cette sélection d’images, pouvez-vous en commenter une ? Lady Chanterelle est une œuvre très personnelle. J’ai grandi dans une région où la tradition de la cueillette des champignons est très forte. Chaque été et chaque automne, les gens se rendent dans les forêts pour ramasser des chanterelles. C’est comme ça que j’ai gagné mes premiers sous. Je continue à en ramasser aujourd’hui, mais seulement pour de délicieux dîners. C’est comme quelque chose d’ancré dans mon ADN, une étrange obsession que je ne peux pas expliquer. Dans l’illustration, la dame est coiffée d’une girolle géante, symbolisant la façon dont le champignon semble la contrôler.

Lady Chanterelle (c) Eglė Plytnikaitė

Si vous n’étiez pas devenu illustratrice, quel métier auriez-vous exercé ? Je serais certainement une scientifique, travaillant dans la nature et le domaine de la conservation pour étudier les espèces rares et la biodiversité.

Quels sont vos projets ? C’est une excellente question ! J’aimerais continuer à créer des illustrations traitant de questions qui me tiennent à cœur. Je souhaiterais également transformer mes illustrations en objets ou les imprimer sur différentes surfaces. Comme je l’ai déjà mentionné, j’ai besoin de plus de couleur dans ma vie, et ajouter mon art à des choses de tous les jours est un moyen d’y parvenir.

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De quand datent vos premières créations artistiques ? En 2003, je me suis dit qu’on pouvait faire plus que simplement se moquer. Et une fois que vous commencez à créer, tout change : votre façon de voir, penser et ressentir. J’ai toujours été un grand observateur de la nature. Lorsque j’étais enfant, j’avais l’habitude de regarder les nuages dans le ciel qui dessinaient toutes sortes d’objets imaginaires, les vagues de la mer former des paysages…

Comment définiriez-vous votre style ? Je parlerais volontiers de surréalisme. Mes images viennent d’un état de rêve, d’une manière ou d’une autre. Je le qualifierais aussi de contemporain, car il explore l’actualité moderne : les séries Réalité génétiquement modifiée, Le zoo et Les Gens invisibles parlent de nous et de ce qui se passe dans le monde.

Cloud Hunter (c) Ceslovas Cesnakevicius

Difficile de ne pas penser à Magritte devant votre œuvre. Est-ce une référence pour vous ? J’entends cette comparaison tout le temps. Mais je l’accepte, c’est un honneur pour moi, même si son travail m’a tardivement touché. Ma source d’inspiration, à l’origine, c’était plutôt Pieter Brueghel l’Ancien, un excellent conteur visuel. Je suis un grand fan d’art en général.

Quelle est l’histoire du personnage au chapeau apparaissant dans vos compositions ? Il est né avec l’image Cloud Hunter, que j’ai réalisée en 2007. J’observais le ciel quand, tout à coup, un nuage s’est légèrement tourné, comme si quelqu’un le compressait. C’est ainsi que m’est venue l’idée d’un illusionniste, un petit homme vêtu de noir faisant de la magie avec les paysages, réalisant des tours à grande échelle. Et je suis son humble représentant.

Concrètement, comment travaillez-vous ? Je commence par l’image, puis développe une idée. Ou alors j’ai d’abord l’idée, puis collectionne des photographies pour créer l’image. Au fil des années, la deuxième méthode a tendance à prendre le dessus. Et je n’utilise que mes propres photos.

Quel est votre objectif ? S’agit-il de nous montrer que la réalité peut être relative ? Je veux d’abord raconter une histoire et partager une émotion. Surprendre les spectateurs. Mais, oui, la réalité est absolument relative. Imaginez deux personnes. L’une est, disons, très instruite, avec beaucoup de responsabilités, toujours occupée, stressée par sa prochaine mission, avec de l’argent et une belle maison dans laquelle elle ne fait que dormir. L’autre personne est un facteur de village, travaillant de 8h à 17h, livrant le courrier aux gens qu’il connaît, discutant avec ses voisins. Il n’est pas aussi riche que l’autre, mais son quotidien est relativement calme. Alors, quelle vie qualifieriez-vous de plus heureuse ? Certains citeraient la première, d’autre pas. La réalité dépend donc de la façon dont nous percevons les choses. Enfin, je pense.

Genetically modified reality#04 (c) Ceslovas Cesnakevicius

Quelle serait votre création préférée parmi cette sélection ? La poire, de la série Réalité génétiquement modifiée. La logique a toujours été le pilier de ma perception de la réalité, mais ces dernières années ont bouleversé cette façon de penser, comme la pandémie de Covid, par exemple, sur laquelle, pour être honnête, je n’ai toujours pas d’opinion claire. Il y a là un ensemble d’événements illogiques, mêlés de mensonges de toutes parts à des fins politiques et financières, de manque de connaissances et de manipulation via les réseaux sociaux. Si la science n’a pas de position solide sur un sujet, alors les discours diffusés sur Facebook, Twitter et autres formeront une opinion à sa place. Je ne suis un expert en rien dans cette vie, mais j’ai un esprit curieux et je me demande : si nous pouvons modifier la nourriture, changer les faits historiques, nier la science, sommes-nous au stade où la réalité du grand public peut être modifiée ? Les plateformes sont-elles la réalisation ultime de l’humanité telle que nous la connaissons, et mèneront-elles à de nouvelles existences artificielles et scénarisées ? Tel est le propos de cette série, qui est plus largement dédiée aux graffeurs, les artistes ultimes.

Sur votre site, vous vulgarisez la création d’images surréalistes. Pourquoi ? Je suis un homme généreux ! Plus sérieusement, j’aime partager, et si une âme perdue peut trouver de l’inspiration dans mes petits messages…

Quels sont vos projets ? Mon dernier événement marquant remonte à longtemps, en 2017 à Paris. J’espère monter une exposition sur la Réalité génétiquement modifiée d’ici fin 2024. Mon art mérite un accrochage à grande échelle. Je suis sûr que cet article m’aidera !

Nous célébrons cette année le centenaire du surréalisme. Allez-vous célébrer cet événement ? J’adore ce mouvement. Et, oui, je vais fêter cet anniversaire en essayant de créer autant que possible. Les surréalistes sont cependant en danger, car le soi-disant “monde réel” tente de brouiller les pistes et pioche dans le bagage surréaliste, en produisant des événements qui n’ont aucun sens…

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Parlons de votre travail. Comment en êtes-vous arrivé à cette série de dessins colorés, à ces visages à l’expression un peu mystérieuse ? Mon style a évolué au cours des années. Pendant une époque je m’inspirais beaucoup de l’estampe japonaise. Puis je me suis tourné vers les posters, et l’illustration. Pour les visages, je prends souvent modèle sur des photographies. J’ai parfois vécu des choses un peu tristes, qui m’ont amené à créer certains dessins dans cette atmosphère. Au fil du temps, ces visages sont devenus de plus en plus mélancoliques. Mais vous savez, Nietzsche a cette réflexion au sujet de la vie, qu’il compare au fait de grimper au sommet d’une montagne. Durant toute notre existence on poursuit l’objectif d’être heureux et, finalement, ce n’est pas l’arrivée qui compte, mais le processus, le chemin que l’on emprunte pour y parvenir.

La philosophie semble vous inspirer… Beaucoup de choses m’inspirent, on peut le constater dans mes différentes illustrations. Je suis par exemple un fan de culture grecque, j’aime les récits de l’Iliade et de l’Odyssée, les dieux, la magie, les statues… De façon générale, les histoires me plaisent. J’admire aussi Le Caravage, surtout pour ses références bibliques. Demain, je pourrais m’inspirer de Matisse, de ses collages. Pourquoi pas de Picasso. Je me sens aussi connecté avec la nature, sa beauté. C’est un thème que j’aimerai explorer. Je tente également des choses un peu plus abstraites, en essayant de rendre une chevelure plus ronde, plus géométrique. Depuis un an, je réalise quasiment une illustration par jour, ce qui m’a conduit à développer pas mal de styles différents.

Quelles sont vos envies ? J’ai un projet de livre, mais pas encore très avancé. Sinon, mon rêve serait de réussir à créer une œuvre permettant aux gens de passer par toutes les émotions lorsqu’ils la regardent. Une seule illustration, qui serait un peu mon chef-d’œuvre. C’est un gros défi !

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