Vadym Kholodenko © Ira Polyarnaya

Mélodies sans frontières

L’ouverture méditerranéenne s’impose comme l’un des fils conducteurs. La chanteuse palestinienne Nai Barghouti tisse entre musique arabe traditionnelle et compositions personnelles un dialogue d’une grâce souveraine. Le retour en force des ciné-concerts prolonge cet esprit : improvisation sur Nosferatu avec Noiseferatu ou encore un Azur et Asmar accompagné par l’Orchestre de Picardie. Du côté du grand répertoire, Vadym Kholodenko s’attaque à la transcription lisztienne de la Symphonie fantastique de Berlioz pour piano seul. Un exploit rare, presque déraisonnable. La clôture appartient à Jean-Claude Casadesus (fondateur du festival) au pupitre pour le Troisième Concerto de Rachmaninov avec la pianiste franco-albanaise Marie-Ange Nguci. Une façon de célébrer cinquante ans d’histoire sans tourner le dos à demain.

The post Lille Piano(s) Festival 2026 appeared first on LM magazine.

The post 100% MAGIE appeared first on LM magazine.

Enki Bilal

Matière sensible

Cette édition distingue quatre grandes tendances pour lire le présent. Le parcours affiche d’abord, un intérêt marqué pour la nature. Nombre d’artistes interrogent en effet l’impact écologique de leur pratique. Matériaux recyclés, biomatériaux ou objets détournés nourrissent des œuvres sensibles, à l’image des recherches de Joëlle Jakubiak où le déchet devient ressource et le geste, manifeste. Ensuite, on note le retour du corps et du visage, très présent dans la peinture actuelle. Portraits, figures fragmentées ou scènes introspectives questionnent la construction de soi, notamment chez Chloé Kelly Miller ou Michael Fanta.

Falling 8, Photographie © Isabelle Wenzel

Au-delà du réel

L’imaginaire occupe aussi une place importante, avec des œuvres qui s’éloignent du réel pour inventer des mondes étranges, parfois teintés de science-fiction, de Diane Segard à Enki Bilal. Enfin, le textile et la céramique signent un retour remarqué du geste et du fait main, à la croisée de l’art et des savoir-faire. Temps fort de cette édition, l’exposition Thema est consacrée à Isabelle Wenzel. Depuis vingt ans, l’artiste allemande utilise son propre corps comme matière première, entre photographie et performance : suspendu ou à la limite de la chute, sans trucage ni retouche, avec pour seul outil un retardateur. Une œuvre libre, parfois burlesque, mais engagée physiquement, qui résume à elle seule l’esprit de Lille Art Up! : un art qui se vit autant qu’il se regarde.

The post LILLE ART UP! appeared first on LM magazine.

Liste des tatoueurs > ici 

 Retour en images de l’édition 2024

The post International Lille Tattoo festival appeared first on LM magazine.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de documenter cette communauté ?
En grandissant, je savais que j’étais différente, sans pouvoir me confier à personne. Sur Internet, je ne trouvais que des blogs relatifs aux personnes queer, sans photos ni représentations concrètes. J’ai alors décidé de combler ce vide, pour que les jeunes puissent s’identifier et savoir qu’ils ne sont pas seuls.

Est-il dangereux d’affirmer son orientation sexuelle au Nigeria ?
Oui, la législation et le climat social empêchent d’évoluer librement. En Afrique, la répression de l’homosexualité est souvent justifiée par la ”tradition”, mais elle découle en partie des lois de l’époque coloniale et de l’influence des mouvements religieux conservateurs. Au Ghana ou en Ouganda, les dirigeants politiques se focalisent sur les personnes queer pour mieux détourner l’attention des échecs économiques. On sert de boucs émissaires.

Combien de temps avez-vous passé à Lille ?
Ma résidence artistique à Lille a duré deux semaines. Ce qui m’a frappée, ce sont à la fois les similitudes et les différences (entre les communautés queer du Nord de la France et du Nigéria, ndlr). À Lille comme à Lagos, ces groupes débordent de créativité, les gens se rassemblent et construisent des familles de cœur. Mais le contexte est vraiment différent. à Lagos, la ”queeritude” est criminalisée tandis qu’à Lille, on peut s’afficher en public avec plus d’aisance. Cela dit, même ici, j’ai remarqué des disparités entre les personnes queer blanches et les autres, qui mènent souvent d’autres combats – au-delà de leur homosexualité. En effet, notre origine et notre histoire déterminent aussi la façon dont on peut vivre son orientation sexuelle.

Comment avez-vous sélectionné les 30 photographies exposées au théâtre du Nord ?
Elles ont été choisies en collaboration avec l’Institut pour la photographie. Comme prévu, cette sélection présente deux facettes : elle instaure un dialogue entre des portraits réalisés à Lille et au Nigeria. Je souhaite montrer ainsi le caractère intime et universel de la question queer.

Comment décririez-vous votre style ?
Il s’agit d’une approche intime et symbolique, en mettant l’accent sur la narration. Je privilégie les cadrages serrés ou les plans moyens pour ressentir la présence du sujet. Mais je joue aussi avec l’espace, en laissant de la place autour d’un corps pour suggérer l’isolement, ou en l’entourant de nature pour évoquer la liberté. J’accorde une grande importance à la lumière, si possible naturelle : la douceur du petit matin ou de la fin d’après-midi.

The post Rachel Seidu appeared first on LM magazine.

Nouveau souffle
Créée en 1986 à l’Opéra-Comique de Paris, l’œuvre lyrique traduit à merveille le surréalisme et la fantaisie du livre… et n’a bizarrement plus été jouée en France depuis. C’était sans compter sur l’arrivée à l’Opéra de Lille de Barbara Eckle. Séduite par une version donnée à Stuttgart en 2012, et surtout par « cette liberté et cette écriture polystylistique », la nouvelle directrice veut offrir l’occasion de (re)découvrir cette pièce méconnue. Mise en scène par Anna Smolar (familière du répertoire de Joël Pommerat), cette production (interprétée en français) place cette fois au centre de l’intrigue, non pas Colin, mais Chloé, son amante malade. En tout cas, elle s’annonce déjà comme un grand moment de poésie, d’humour… et de musique !

The post L’Écume des jours appeared first on LM magazine.

The post Miami Mauritius appeared first on LM magazine.

Cœur de coureur

Et du côté artiste ? On diminue « la surenchère technique » (moins d’effets de lumière ou de matériel sur scène), on les incite à opter pour la mobilité douce (ils débarquent à Lille en van, en train… mais pas en avion !) le tout sans attenter à l’exigence propre à la salle lilloise, ni culpabiliser personne. « C’est avant tout un manifeste joyeux, pas une leçon de morale ! ». Pour cette deuxième édition, on attend par exemple Léonie Pernet (et ses Poèmes pulvérisés), la mélancolie douce de Sophie Jameson, French79 ou Dominique A (qu’on ne présente plus). On découvre aussi des nouvelles têtes (la rappeuse lilloise Lynx IRL et ses beats UK) et des initiatives sortant des sentiers battus. Ainsi du pianiste Melaine Dalibert qui, en traileur aguerri, joue directement chez l’habitant (pour peu qu’il ait un piano)… en courant d’une maison à l’autre – histoire de garder le bon tempo !

The post Sustain appeared first on LM magazine.

Selon vous, qu’est-ce qui fait l’identité de ce lieu ? Il y a ici une approche du répertoire particulière, le baroque a toujours joué un grand rôle, comme les œuvres contemporaines, offrant une rare diversité artistique. Et puis je crois que le public lillois n’est pas conservateur. On peut donc construire quelque chose d’inédit ensemble, et cette curiosité permet l’expérimentation.

Comment décririez-vous votre projet et comment l’avez-vous élaboré ? Il s’appuie sur l’activité existante en développant les notions d’ouverture et de modernité. J’ai conçu la programmation aux côtés de Miron Hakenbeck, avec lequel je travaillais déjà à l’opéra de Stuttgart. Nous sommes dramaturges tous les deux et regardons toujours au-delà de l’oeuvre pour en distiller l’enjeu social, politique, philosophique… C’est pourquoi nous avons créé les “constellations”, une par saison, de l’automne à l’été.

De quoi s’agit-il ? De créer un petit monde autour d’une oeuvre lyrique, à travers une programmation de danse et de concerts, en lien avec l’esthétique et le sujet de l’opéra présenté. Pour cela, on travaille avec des artistes en prise avec leur époque. Ils peuvent parfois être très jeunes, donc une génération qui n’apparaît pas souvent à l’opéra. La programmation varie ainsi entre noms reconnus ou émergents.

Vous dites vouloir ouvrir les portes de l’opéra à un public encore plus large. Comment ? L’Opéra est ouvert lors des représentations, mais fermé le reste du temps, alors qu’il s’y passe beaucoup de choses ! On ne peut pas programmer plus de dates, mais on peut ouvrir le lieu durant une semaine spécifique, baptisée “Open Week”. Parallèlement aux répétitions d’une oeuvre lyrique (deux ou trois semaines avant la première), il y aura de la danse, des concerts, des conférences, des ateliers, des rencontres avec les artistes… Avec le public, on souhaite transformer l’opéra en lieu situé quelque part entre le terrain de jeu et l’agora.

Pouvez-vous nous parler des concerts “Sieste” et “Insomniaque” ? Il y a toujours eu les concerts du mercredi à 18h, avec un public très fidèle. C’est génial, mais ce format existe maintenant depuis plus de 20 ans. Nous avons donc imaginé d’autres manières de faire découvrir la musique. D’abord avec le concert “Sieste”, on s’allonge sur une natte pour écouter 45 min de musique à la pause déjeuner. Les concerts “Insomniaque” auront lieu la nuit, de 21h jusqu’à 1h ou 2h du matin, avec trois représentations consécutives, toujours sur des nattes. Cela suppose un autre état d’esprit et de corps. De plus, on met le public au même niveau, connaisseurs ou néophytes. Il y aura aussi de la musique électronique.

Comment allez-vous ouvrir cette saison ? Avec un moment qui reflète nos intentions, cet esprit d’ouverture et de liberté. On s’est appuyé sur le concept de parade. On va donc ouvrir la saison en dehors de l’opéra. Des groupes amateurs jouant des musiques très variées viendront de divers quartiers. Il y aura les harmonies de Lille-Fives et de Lille-Centre, un groupe de punk, Big Death Amigo, le chœur d’enfants de l’Opéra de Lille, Finoreille, un groupe d’avant-garde de jazz, une chanteuse lyrique…

Et ensuite ? Tous ces groupes vont se rassembler sur la place de l’opéra pour jouer une œuvre originale, composée par Michael Wertmüller, qui va fédérer les styles. Ensuite, on entrera dans l’Opéra pour écouter l’ONL jouer Parade d’Erik Satie, face au fameux rideau de scène peint par Picasso lors de la création du ballet, et prêté par le Centre Pompidou. Les élèves pianistes du conservatoire de Lille joueront aussi à tous les étages de l’Opéra.

S 62° 58′, W 60° 39′ de Peeping Tom © Samuel Aranda

Pourquoi avez -vous choisi, comme premier grand opéra, L’Écume des jours d’Edison Denisov, d’après Boris Vian ? Un roman qui résonne dans notre imaginaire collectif… Exactement, c’est l’une des raisons. Cet opéra a été créé à Paris en 1986. Je l’ai découvert à Stuttgart et j’ai toujours été très étonnée de voir qu’il n’avait jamais été repris en France. Edison Denisov a vécu en union soviétique quand les artistes étaient très contraints. Arrivé en France, il a pu créer librement. Il a développé un langage mêlant des styles de toutes les époques : le jazz, bien sûr, des chants de l’église orthodoxe, le surréalisme… Il est tant de découvrir cette œuvre, et Lille est le bon endroit !

Comment allez-vous construire cette constellation autour de L’Écume des jours ? En distillant les sujets de cette œuvre, la fragilité de la vie et de l’amour. Pour la danse, nous avons invité Peeping Tom. La pièce raconte l’histoire d’un navire prisonnier de la glace polaire, dans lequel les passagers tentent de survivre avant de développer un questionnement existentiel qu’on retrouve dans L’Écume des jours, quelque chose de l’ordre de l’innocence perdue. Et parmi les concerts, on entendra une œuvre que j’aime beaucoup, d’une poésie surréelle : Harawi d’Olivier Messiaen, sur l’amour au-delà de la mort.

On observe pas mal d’œuvres du XXe siècle dans la programmation. Est-ce là aussi un parti pris ? Je voulais donner de la place à des langages musicaux novateurs. C’est le cas pour Edison Denisov ou de Leoš Janáček, qui composait à partir de la mélodie des paroles autour de lui, dans la rue, et bien sûr la musique minimaliste de Philip Glass avec Les Enfants terribles. Donc oui, ce sont trois œuvres du XXe siècle, pas du tout académiques mais très abordables !

Vous faites aussi la part belle au répertoire avec, en été, La Flûte enchantée de Mozart… Oui, et cette mise en scène de Suzanne Andrade et Barrie Kosky est vraiment particulière, joyeuse, s’adressant à toutes les générations. L’histoire est servie par un film d’animation, qui traduit la rapidité des idées de Mozart et la place de la jeunesse, qui doit s’émanciper des parents pour trouver son propre chemin à l’aide de l’amour. C’est très moderne !

The post Barbara Eckle appeared first on LM magazine.

Quelle forme prend-il ? Je suis face à un mur d’images représentant des tableaux dans lesquels je plonge au fur et à mesure de mes explications. Car apprécier la peinture, en général, c’est effectuer des zooms arrière et avant avec les yeux.

Comment avez-vous choisi les oeuvres que vous présentez ? J’ai retenu les meilleurs tableaux des meilleurs peintres, je crois. Je n’ausculte que l’art occidental, mais c’est déjà énorme. J’embrasse exactement sept siècles de création, de Giotto jusqu’à nos jours. À Lille, je m’intéresserai par exemple à La Vierge du chancelier Rolin de Van Eyck, L’Annonciation de Léonard de Vinci, L’Amour vainqueur du Caravage ou encore aux Grands arbres au Jas de Bouffan, de Cézanne.

Selon vous, comment faudrait-il regarder un tableau ? Il n’y a pas de règle ni de théorie. C’est à force d’observer et d’écouter la manière dont d’autres grands amateurs les jugent qu’on finit par tout percevoir. C’est en tout cas le but de ce spectacle.

Quels aspects méritent d’abord d’être interrogés : la période, le thème, la lumière… ? Tout compte mais, en général, je conseille de regarder ce que la toile représente sans se demander ce qu’elle veut dire.

Vous organisez aussi des confrontations entre les œuvres. Pourquoi ? Parce que c’est plus pédagogique. En art, on ne démontre rien, on montre et on compare.

Émettez-vous parfois des avis négatifs sur les toiles que vous étudiez ? Dans le spectacle, je compare de grands artistes à des créateurs encore plus remarquables… pour en dire finalement du mal ! Ainsi, je vais mettre en défaut Botticelli pour mieux mettre en valeur le génie de Léonard, ou même Van Gogh pour faire valoir celui de Cézanne. Cela peut choquer, je sais, mais cela permet au spectateur de comprendre comment j’appréhende les tableaux et ce que j’apprécie chez eux.

Le public joue-t-il un rôle dans votre dispositif ? Non. Pas de démagogie !

Il paraît que vous n’êtes pas un grand fan d’art contemporain. Est-ce le cas ? En fait, je suis collectionneur de peinture contemporaine. Le problème, c’est que “l’art contemporain” ne désigne plus la peinture d’aujourd’hui mais une création qui n’est ni picturale, ni photographique, ni sculpturale. À travers cette appellation, on regroupe toutes sortes d’installations ou d’objets tout faits. C’est un art mineur, presque toujours conceptuel, parfois spectaculaire et souvent dérisoire dont je ne m’occupe pas trop.

Photo : Dominique Houcmant Goldo

Ce spectacle sur l’histoire de la peinture rassemble des dizaines de milliers de spectateurs. Comment expliquer un tel succès ? D’abord, j’exclus de mes explications toutes références culturelles. Puis je plonge le spectateur dans les détails de l’oeuvre en pointant le plus jouissif à regarder. J’apporte des éclaircissements après la “dégustation” et parfois une petite touche d’humour.

Il me semble que vous nourrissez un affection particulière pour les œuvres de Chardin, n’est-ce pas ? Oui, mais aussi pour Vélasquez, Andrea del Sarto… tous les artistes dont la touche est un peu floue.

Au final, quel est l’objectif de votre spectacle ? Rendre les gens heureux devant un ou deux tableaux qui resteront gravés dans leur mémoire. Ce que je donne à voir et à comprendre ne se trouve pas sur Wikipédia.

Selon vous, quel est le rôle du critique d’art ? Non pas expliquer ni interpréter les oeuvres, mais les faire aimer.

The post Hector Obalk appeared first on LM magazine.