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Parmi les 17 projets présentés lors de cet accrochage, il y a par exemple celui de Claudia Jaguaribe, qui s’appuie sur ces nouvelles technologies pour donner un visage aux femmes brésiliennes qui ont écrit l’histoire de leur le pays, sans jamais avoir été représentées… Citons aussi Michael Christopher Brown. Ce photojournaliste a franchi le Rubicon en 2023 avec 90 Miles, reportage généré par l’IA et illustrant la migration cubaine vers la Floride, dans les années 1960. Cette période n’ayant pas été documentée, l’Américain l’a “reconstituée” en s’appuyant sur le témoignage des principaux intéressés. Alors, certes, la photo a plus ici valeur d’illustration que de preuve, mais l’information est-elle pour autant erronée ? Cette réflexion prend d’autant plus de relief au regard de l’hommage consacré par le centre Géopolis aux photojournalistes gazaouis, soit les seuls à témoigner, au péril de leur vie, des atrocités commises par l’armée israélienne dans la bande de Gaza. Sans eux, point d’images et toujours plus d’angles morts…

Ragnar Kjartansson, Me and my mother 2015

Profondeur de champ

Au fil de 46 rendez-vous disséminés dans toute la capitale belge, la photographie se dévoile ainsi sous ses formes les plus diverses (documentaires, artistiques) pour aborder une multitude de sujets : l’architecture via l’objectif de Lucien Hervé (grand complice de Le Corbusier), l’identité et la masculinité (les corps “multiples” de Rami Hara et Ugo Woatzi), notre rapport à la nature (le “post-tourisme” de la Polonaise Ada Zielinska, sur les lieux frappés par des catastrophes climatiques)… Surtout, à l’heure où notre société croule sous les images, ce festival nous rappelle l’importance du point de vue, du regard. De l’émotion aussi, à l’instar d’À partir d’elle. Présentée à la Fondation A, cette exposition collective est consacrée au rapport que des artistes entretiennent avec leur mère (de LaToya Ruby Frazier à Sophie Calle) faisant plus que jamais rimer intime et universel.

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Éclat naturel

Il y a là des portraits, bien sûr, à commencer par le sien, marqué par ce regard ténébreux et ces vibrations. Plus loin, on admire un visage de jeune fille empli de spleen ou celui d’un vieux pêcheur buriné par le travail et le passage du temps. Au fil de ces clichés, on trouve aussi des objets, comme cette bouteille renvoyée par la mer et semblant enfermer un morceau de soleil. Il y a également des mains (dont celle de Nick Cave) et des nus, à l’image de cette femme posant à genoux, la tête renversée en avant dans une position insolite et dont la rondeur évoque les toiles de Botero. Citons enfin ses natures mortes, montrant en particulier des cadavres d’animaux ramassés près de chez lui, comme ce cygne inerte trouvé au bord d’une rivière et ici posé sur une table. Capturée dans une atmosphère en clair-obscur, la scène évoque là encore de grands noms de la peinture, tel Rembrandt ou Géricault, entre autres dompteurs de lumière…

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Chambre à part

Scènes d’émeutes urbaines ou baiser lesbien en gros plan, la jeune Libanaise Myriam Boulos documente toutes les facettes de la révolution qui a embrasé son pays à l’automne 2019, et les traumas nés après l’explosion sur le port de Beyrouth, en août 2020. Cristina de Middel développe quant à elle une idée singulière. Pour Gentlemen’s Club, l’Espagnole a recruté des hommes sollicitant régulièrement des travailleurs du sexe, de Bangkok à Rio. L’artiste a choisi de les payer pour une heure, le temps d’un shooting, retournant ainsi les positions du client et des prostitués. À 75 ans, l’Américaine Susan Meiselas revient de son côté sur A Room of Their Own (“une chambre à eux”), série prise dans un refuge pour femmes et enfants victimes d’abus, au Royaume-Uni. Une telle intimité aurait-elle pu éclore entre les familles et la reporter, si cette dernière avait été un homme ? Close Enough laissera le public décider – et prendre du recul.

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Vous avez aussi été repérée par un certain Paolo Roversi… Oui, j’avais alors 16 ans. Il organisait des stages aux Rencontres d’Arles. On pouvait passer la journée avec lui. Le matin, on lui posait des question et l’après-midi il regardait les portfolios de chacun des stagiaires. Ce fut une belle rencontre. C’est surtout sa gentillesse qu’a donné confiance en moi et des ailes dans le dos pour continuer dans cette voie. J’ai alors effectué quelques travaux en Belgique puis, à 19 ans, je suis partie à Paris pour étudier aux Gobelins, l’école de l’image.

Vue d’exposition (c) Camille Baton

Il y a une autre rencontre importante dans votre parcours : celle d’Angèle. Comment s’est-elle déroulée ? Je la connaissais de loin, à Bruxelles, mais ne l’avais jamais rencontrée. Je savais qu’elle était jolie mais pas qu’elle chantait. J’ai commencé à la suivre sur son Instagram en 2016. On l’a voyait interpréter ses morceaux en râpant du fromage ! Elle avait donc une belle voix, mais aussi de l’humour. Et puis assez rapidement sa manageuse m’a contactée afin que je fasse des photos. Angèle allait donner ses tout premiers concerts dans des bars bruxellois mais n’avait aucun visuel. J’ai accepté : cette fille semblait d’avoir du potentiel, et puis on avait pas mal de points communs, notamment ce côté absurde, surréaliste… belge quoi. C’est à ce moment-là que j’ai réalisé ce cliché d’elle avec des spaghettis sur la tête. Ensuite on a poursuivi notre collaboration avec des clips, toutes les images pour l’album Brol, de façon un peu “brol”* justement… Mais c’était très chouette, parce qu’il n’y avait pas de label, de directeur artistique entre nous. Elle m’a laissée beaucoup de liberté, me permettant de m’exprimer. Au regard de nos points communs, tout relevait de l’évidence.

Parmi ces points communs, il y a le féminisme aussi… C’est vrai, et c’est grâce à Ophélie Secq, ma maquilleuse, qui a aussi co-écrit avec moi le clip de Balance ton quoi. Elle m’a inculquée les valeurs du féminisme, puis on les a transmises ensemble à Angèle, qui était plus jeune. C’était une sorte de passation entre filles.

Comment définiriez-vous votre travail ? C’est un équilibre entre l’instinct et la réflexion. Il est assez construit, mis en scène, graphique, avec toujours une petite pointe de surréalisme ou d’absurde et toujours très coloré. Généralement, je montre surtout des corps humains.

Et notamment féminins. Pourquoi cela ? Je pense que cette réflexion est née lorsque j’étais jeune fille. Arrivée à l’adolescence, les regards et les jugements changent. Le corps féminin a toujours été très exploité, montré, mis en scène. Je voulais donc interroger ce regard mais aussi les bouleversements intervenants à différentes étapes de la vie des femmes… A travers mon travail, j’essaie aussi de véhiculer des messages à tous les genres, pour faire en sorte que nous sortions de ce rapport conflictuel avec notre corps, bousculé par tellement d’injonctions de société, et même capitalistes…

Charlotte Abramow – 40Mins of Anaïs V, 2021, Paris © Charlotte Abramow

Il y a donc le féminisme, mais aussi le surréalisme, qui vous vient de Magritte... Et de la Belgique en général ! Mais oui, Magritte m’inspire beaucoup. En une image il parvient à dire tellement de choses à la fois, télescopant des éléments qui n’étaient pas censés se rencontrer, créer de l’inattendu, jouer avec le sens des choses… c’est une grande influence. Le ciel n’appartient pas à Magritte, mais il l’a quand même figé comme personne. Je lui dois d’ailleurs une petite obsession pour les nuages. Ils sont assez rassurants, apparaissent, disparaissent et sont différents tous les jours.

Parmi toutes ces images exposées au Hangar, y en a-t-il une qui recouvre une histoire particulière ? J’aime beaucoup celle de Claudette, toute nue. A l’époque, elle était âgée de 74 ans, on était en 2014, et moi j’avais 20 ans. J’adore ce que cette photographie représente, et même symbolise : on a absolument pas l’habitude de voir une vieille dame nue, et encore moins toute contente et fière de l’être, presqu’hilare sur le devant de la scène. Sa joie de vivre nous montre que la beauté est intemporelle. C’est une ode à l’acception de soi, à la liberté.

Quels sont vos projets ? J’ai bossé une bonne partie de l’été sur cette exposition. Sinon, j’ai un peu mis la pédale douce ces derrière mois, pour me régénérer. Après la crise du Covid, je me suis posée beaucoup de questions sur la légitimité et le sens de mon travail. Est-ce si essentiel si je mène tel ou tel projet ? Est-ce qu’il n’y a pas plus urgent ? Mais la photographie reste ma passion…

* belgicisme signifiant “désordre”

A LIRE ICI / CECI N’EST PAS UN CLICHE

Rouge sur blanc, 2018, Paris
© Charlotte Abramow

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Le choc des cultures

Parmi les 15 séries exposées, plusieurs ont acquis une notoriété planétaire. The Last Resort (1985) sur la petite station balnéaire en déclin de New Brighton, Common Sense (1999), miroir cruel de la société de consommation, Knokke-Le-Zoute (2000-2001), qui moque cette ville de la côte belge devenue un temple du snobisme. Parrathon est l’occasion d’en découvrir d’autres moins célèbres, comme Mexico (2006), sur la confrontation entre la culture mexicaine vernaculaire et celle des marques et icônes américaines – accompagnée de sauce piquante, évidemment.

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