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Êtes-vous en train d’amorcer une série avec ce type de format ? Oui, car il traduit un questionnement artistique omniprésent, deux choses qui me sont chères : le dessin et le muralisme. J’ai une double culture : muséale avec la peinture contemporaine, et urbaine. Il y a aussi la question de l’étrange dans l’ordinaire. Finalement, j’invite le public à regarder des choses assez simples, évoquant l’énigme du vivant. C’est un sujet que je cuisinais déjà à travers d’autres médias. J’ai photographié beaucoup de gens dans la rue. Là, avec la peinture, j’ai la liberté de tout recréer.

Dada, acrylique sur toile, 60x73cm © André

Que vous a apporté la photographie ? Avec la vie professionnelle, il y a eu une période où je dessinais moins et où je ne pratiquais plus, en tout cas dans la rue. Mais je ne reste pas longtemps sans créer. J’ai alors découvert la photo, qui m’a appris à composer une image. Puis rapidement s’est posée la question du sujet, qui répondait à ma sensibilité : des environnements urbains, une sorte de poésie de l’ordinaire…

Est-ce en relation avec le métier d’éducateur que vous exerciez alors ? Il y a une sensibilité à la justice sociale, forcément. Je voyais ma pratique de la photo de rue comme un témoignage de gens qui me touchaient, des situations très simples de la vie quotidienne.

La photographie constitue-t-elle la matière de vos peintures ? La production de mes toiles n’est pas forcément liée à une photo que j’ai prise. C’est un sujet qui me travaille, je ne sais pas si cela deviendra plus important ou pas. Je suis en questionnement perpétuel, cette matière peut prendre plus ou moins d’épaisseur. Ces derniers mois, je travaille davantage la peinture pure.

L’ Olivier, acrylique sur toile, 73x60cm © Adré

Quels sont vos sujets ? Ma peinture doit être l’image de nos parcours, de nos existences, de notre condition d’humain, rien n’est rectiligne. La beauté se trouve dans des détours, des aspérités. Selon ce principe, j’essaie de peindre en laissant apparaître des accidents, en laissant quelque chose d’un peu sinueux, volontairement.

Souhaitez-vous lier des aspects à la fois rationnels et inconscients ? Je veux que la forme rejoigne le fond. Ça peut parfois être très dense ou beaucoup plus vide, puissant ou beaucoup plus doux. Métaphoriquement, c’est à l’image de nos existences, avec sa fragilité, ses contrastes…

Comment définiriez-vous votre style ? Je ne le définirais pas du tout ! Je ne veux pas m’enfermer. Mon art est en perpétuel mouvement, je laisse faire. Il y a une sorte d’errance dans ma pratique et ça me plaît de me promener. Je suis parfois spectateur de tout ça, de cette surprise, cette évolution, de la façon dont mes influences ressortent. J’ose espérer que l’assiduité produise une sorte de singularité…

© Adré

Que cherchez-vous à véhiculer à travers votre art ? Une forme de sensibilité au monde. Partager une passion pour la peinture et l’histoire de l’art. Et aussi une forme d’humanisme, une sensibilité aux gens, à la tolérance, à la fragilité. Je peins des humains ou du vivant en général, avec toutes ses variations, au même titre que ce que je photographiais auparavant. Il y a le côté implacable de l’éphémère. La beauté de la simplicité. Je me décris comme un contemplatif !

Rendez-vous aussi hommage à différents courants de l’histoire de l’art ? Je suis sans cesse traversé par ces influences, des impressionnistes aux expressionnistes, en passant par les cubistes, les surréalistes… Je m’imprègne aussi de peinture abstraite, sans abandonner la figuration, et je me rends compte à quel point elle est riche de rythmes, de variations.

La mythologie vous inspire également beaucoup, n’est-ce pas ? C’est vrai, mais c’est aussi un prétexte, parce qu’elle permet de dessiner des choses extraordinaires. De me replonger dans des sujets, de lire, de nourrir ma curiosité aussi.

Vos toiles font aussi allusion à des peintres comme Matisse, Picasso ou Botero. Cet exercice de relecture, de restitution, est-il important pour vous ? Oui, c’est une étape indispensable, traduisant une attirance plastique pour ces peintres-là. En même temps, ça renvoie aussi à une partie de mon enfance. Mon père, qui est un artiste confidentiel, m’a transmis cette passion.

Apollon et Daphné, acrylique et fusain sur toile, 61×50 cm, Adré © Selina Aït Karroum

Quand avez-vous développé une pratique artistique plus assidue ? En 2017, je réalisais des collages de papier dans la rue. La pratique avait beau être urbaine, ce n’était pas du tout la même que le graffiti : plus figuratif, très photographique. Je dessinais des personnages plus réalistes. Pour moi la case “street art” ou “dessin” ne se pose pas. C’est d’ailleurs à ce moment-là que j’ai choisi le pseudo Adré, comme un pont entre mes cultures urbaines et mon prénom. Cette activité m’a remis le pied à l’étrier, jusqu’à exposer…

Vous étiez encore éducateur à ce moment-là ? Non, généalogiste successoral ! D’abord dans une petite entreprise lilloise familiale, pendant six ou sept ans. Quand la boîte a fermé, je me suis adressé à des cabinets parisiens. Puis j’ai décidé d’arrêter, me demandant ce que j’allais faire de ma vie. C’est en fréquentant d’autres artistes que je me suis lancé, en 2020. Je me suis installé en atelier, arrêtant de pousser les murs chez moi pour peindre ! Tout est parti de la conviction, de l’insouciance, de l’inconscience, mais avec au fond l’impression d’être à ma place. Aujourd’hui, les trois principales sources de mon activité, ce sont la vente de toiles, les commandes de fresques (dans des espaces de coworking, pour des collectivités territoriales, des commanditaires aussi bien publics que privés) et l’animation d’ateliers pédagogiques. Désormais j’ai davantage une pratique d’atelier qu’urbaine.

Cela vous manque-t-il ? Parfois. Pour nourrir des questionnements artistiques, je vais aller “faire un mur”, juste pour moi. Il y a aussi cette question du geste : il n’est pas du tout le même sur l’espace restreint qu’est la toile. Mais j’aime le travail dans l’atelier. Bref, la double culture !

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(c) Evdoxia, Untitled

Le violon d’Ingres de David Lynch

Comme chaque année depuis 2012 ans, on ne manquera pas non plus Revelation, exposition nourrie par les travaux d’étudiants de l’Eurorégion. Parmi eux Nina Aouadi, de l’UPHF de Valenciennes, qui trace littéralement des figures de feu dans l’air, immortalisées en photos et vidéos. Dans le même esprit, du côté des jeunes artistes internationaux (Interfaces), on admire les gigantesques feuilles d’aluminium de la Chinoise Sizhu Li. Sous l’effet de ventilateurs, celles-ci ondulent et ébauchent dans l’espace d’étonnantes arabesques. Enfin, cherry on the cake, on (re)découvre quelques trésors du Musée du dessin et de l’estampe originale de Gravelines. Situé au coeur de la foire, l’accrochage dévoile les planches xylographiques (sur bois) du Belge Olivier Deprez, ou encore les lithographies d’un certain David Lynch (!), entre autres exquises esquisses…

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Mais le “beach-artist” crée aussi hors de l’Hexagone, se laissant porter par le cadre (des mosaïques orientales au Maroc) ou par la nature environnante. Son “best-seller” est pourtant un insolent code-barres, critique frontale de la marchandisation des espaces publics. « Je tente d’éveiller les consciences, pour que les gens portent un regard plus contemplatif sur leur environnement ». Furtives sur la plage, les œuvres de Sam Dougados entrent peu à peu dans les galeries et collections privées, imprimées sur aluminium brossé (ou blanc). Un passage en beauté de l”effet-mer” à la postérité.

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Comment décririez-vous votre travail ? Minimaliste et scandinave. Mais, comme je l’ai dit, je fais ce que j’aime et le style n’est que le résultat du processus. Et puis j’essaie toujours d’inclure le spectateur dans mon travail, laissant de la place à l’interprétation.

Peut-on dire de votre style qu’il est épuré ? Oui, et rehaussé d’un peu d’humour, mais sans que cela devienne contraignant ou kitsch. Les couleurs jouent aussi un rôle important.

Comment travaillez-vous ? Je varie les techniques. D’abord, soit je réalise une esquisse grossière, soit je traduis par écrits mes pensées en décrivant ce que je vois. Ensuite, je commence l’illustration, sur mon ordinateur sur lequel je peux tester et éditer les couleurs, ou en peignant, le plus souvent à l’acrylique sur toile.

Vos images sont très narratives, n’est-ce pas ? Est-il question de transmettre un message à travers chaque illustration ? Oui, la plupart de mes images fonctionnent de cette façon. Mais certaines ne dévoilent pas leur aspect narratif au premier regard. Je suis alors le seul à connaître leurs intentions. J’essaie de cacher le message de mes œuvres et de ne le rendre visible qu’au second coup d’œil. Certaines créations ne sont pas si simples à interpréter ou aussi évidentes qu’elles n’y paraissent à première vue. Des détails deviennent seulement visibles lorsque vous les regardez de près. Et, tout d’un coup, vous découvrez un nouvel angle…

L’humour semble important chez-vous, n’est-ce pas ? Oui, il est vraiment essentiel. Tout mon travail n’est pas humoristique, mais une bonne partie l’est. J’aime évoquer des sentiments positifs parce qu’il y a déjà trop de choses négatives dans notre quotidien. J’invite donc les gens à se détendre et à se réjouir des belles choses de la vie.

Pouvez-vous nous décrire l’un de vos dessins ? Oui, celle du chien et du chewing-gum. Elle s’inspire d’une histoire bien réelle. Un jour, mon chien a pensé qu’un chewing-gum, trouvé dans la rue, aurait bon goût. Quand ils s’est rendu compte que ce n’était pas le cas, il a essayé de le recracher mais le chewing-gum s’est collé sur son nez. Tentant de s’en débarrasser, il a soufflé par le nez, formant une petite bulle. Bien sûr, j’étais inquiet et lui ai tout de suite retiré. Mais une fois cette situation terminée, j’ai réalisé à quel point c’était drôle. Et l’idée du dessin est née. Bien sûr, la vraie bulle était un tout petit peu plus petite.

Plus généralement, que souhaitez-vous provoquer chez le spectateur ? C’est simple. Je veux faire réfléchir les gens, qu’ils ne considèrent pas tout comme acquis.

Où trouvez-vous votre inspiration ? Dans ma vie, la routine, mes rêves, en tout cas aussi loin que je puisse m’en souvenir. J’ai parfois même trop d’inspiration, et cela m’empêche de me concentrer sur une seule chose à la fois. Malheureusement, les jours ne comptent que 24 heures…

Qui sont vos clients ? Je n’ai pas de clients directs puisque je travaille avec des plateformes ou en collaboration avec des partenaires comme Casper, Breather, Junique, Monoqi ou Society6 et différents décorateurs d’intérieur. Je fais ce que j’aime, sans suivre aucune demande ou instruction spécifique.

Vous créez aussi des vêtements et des designs de skateboard, n’est-ce pas ? Oui, il y a quelques temps, j’ai débuté avec des motifs minimalistes et géométriques pour des tee-shirts ou des planches de surf et de skate. Mais je m’en suis lassé. Maintenant, je raconte mes propres histoires.

Si vous n’étiez pas illustrateur, que seriez-vous ? Enfant, j’ai toujours voulu devenir un auteur, mais la grammaire et l’orthographe n’étaient pas les matières dans lesquelles j’excellais le plus à l’école. Je n’ai donc pas poursuivi dans cette voie… et c’est peut-être la raison pour laquelle j’illustre mes pensées, désormais. Je pense avoir trouvé mon job de rêve. Si ça n’avait pas été celui-ci, ce serait tout de même resté en lien avec l’art. Ou, alors je serais devenu chef ! Il faut cependant avoir bon goût.

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Étranges créatures

Naturellement, à la Louvière, l’image imprimée se taille la part du lion. Et pour articuler ces différents moments d’une carrière, l’espace tout en longueur (nous sommes dans une ancienne piscine) a été scindé à l’aide de cloisons. Les cellules ainsi créées renferment toutes un pan du monde ambivalent, doux ou effrayant, de Françoise Pétrovitch. Elles révèlent des créatures fugaces mêlant l’homme et l’animal, le masculin et le féminin mais aussi les âges de la vie. Les gravures d’”Après les jeux”, inspirées à la plasticienne par les jouets de ses enfants laissés en désordre, figurent l’extravagantes dînettes et des poupées estropiées par 1 000 aventures. Plus sombres, “Les Nocturnes” nous plongent dans l’incertitude avec ses êtres masqués, et partagent avec les images animées de la vidéo Le Loup et le loup un goût pour le drame.

Le quotidien enchanté

L’étage inférieur est entièrement dédié à la série “Rougir”, constituée de 67 sérigraphies à l’encre écarlate. On y décèle un regard bienveillant sur des scènes de la vie quotidienne, des gros plans expressifs (sur un buste, des mollets) ou la trace d’amitiés adolescentes, héritées peut-être d’un roman de Joyce Carol Oates ou de Marguerite Duras. Des « notes dessinées », en somme, directes, à vif, composées entre 2005 et 2015. Ce projet au long cours répond à une autre facette du travail de l’artiste : trois immenses peintures murales, réalisées spécialement pour le lieu « et dominant celui qui les regarde », complétant la palette d’émotions déjà large suscitée chez le visiteur.

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Peinture flamande

Mais par quoi se caractérise cette nouvelle BD flamande ? « D’abord par un humour sans tabou ». Citons la série Dickie de Pieter De Poortere, passé notamment par Fluide Glacial. Qu’il s’aventure dans l’espace ou à Hollywood, le personnage à tête de Playmobil du Gantois manie l’absurde à la perfection… sans texte ! « Une autre particularité de cette génération est d’affronter des sujets graves, à travers le roman graphique, représenté par exemple par Judith Vanistendael ». La Bruxelloise fut remarquée lors du dernier festival d’Angoulême avec La Jeune fille et le Nègre, mettant en scène les amours contrariées entre une femme blanche et un réfugié politique togolais, ou encore David, les femmes et la mort, qui abordait… le cancer. Enfin, il y a ceux qui se démarquent par un graphisme époustouflant. « Oui, il est parfois difficile de parler de planches, certains exécutent de véritables tableaux ». Citons Simon Spruyt, capable de raconter une histoire avec une seule couleur (le bleu dans Junker. Blues de Prusse). Et, bien sûr, Brecht Evens. Entre figuration et cubisme, sans case ni bulle, à la gouache ou l’aquarelle, ce Gantois s’inscrit plus dans les pas des grands maîtres que ceux des bédéastes (d’ailleurs, il cite Matisse ou Picasso plutôt que Hergé). Car, c’est bien connu, les Flamands… osent.

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