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Mémoire fringante

Pour cela, le tandem a élaboré une structure métallique sur laquelle s’amoncellent les étoffes et surélevant les modèles. Ceux-ci sont alors photographiés dans des lieux qui leur sont chers, au bord de la mer, en rase campagne ou simplement devant chez eux. Au-delà de l’aspect sculptural obtenu par l’effet d’accumulation (une des grandes marottes du duo depuis ses débuts dans la mode), il est avant tout question d’identité, de souvenirs, de transmission… C’est ici un caseyeur breton narrant toute une vie de pêche. Là, une cheffe d’entreprise déclamant son amour pour le triathlon ou encore une jeune fille fière de sa double culture et de ses origines mauriciennes, qu’elle expose du haut de saharis familiaux. « Se vêtir, c’est se montrer au monde d’une manière que l’on choisit, ajoute Florent. Une façon de se créer une amure ou un personnage, d’être soi-même ou pas…».

Miroir textile

Dans le prolongement de ce travail situé à la frontière du documentaire et de l’intime, la série Ostension s’intéresse cette fois aux « émotions fortes » vécues par leurs proches (voire eux-mêmes), « de celles qui les ont marqués à jamais ». Que ce soit une rencontre, « un brutal passage à l’âge adulte », une joie ou une peine, ici reconstitués au fil d’allégories visuelles. Le vecteur de cette mémoire enfouie est ici un mouchoir en tissu, utilisé comme accessoire de mise en scène ou en toile de fond. « Ce petit bout de textile recueille nos fluides quand on est triste, malade, joyeux… il est donc imprégné de souvenirs de toutes sortes ». Et pas non plus avare de beauté.

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Crédit : Ken Bromley Art Supplies

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Comment cette série sur les ateliers est-elle née ? Durant mes études, j’étais fasciné par les images de Matisse par Cartier-Bresson, de Picasso par Brassaï… Je les trouvais très “romantiques”. J’ai toujours envisagé la photographie comme un passeport pour percer un milieu. Spécialisé dans le domaine culturel, j’ai ainsi rencontré beaucoup d’artistes. Mais en 2004 j’avais l’impression de tourner en rond en tant que portraitiste. Photographier leurs ateliers m’a permis de brosser des portraits originaux. Certes, les créateurs n’apparaissent pas à l’image, mais leur présence est manifeste.

Vous souvenez-vous du premier cliché de cette série ? J’ai d’abord reçu une commande pour photographier le nouvel atelier du sculpteur Antony Gormley, au nord de Londres. A l’époque, je travaillais en moyen format et n’étais pas convaincu du résultat, car le lieu était énorme. Mon agent m’a alors suggéré d’employer un objectif panoramique, normalement réservé aux paysages extérieurs – celui-là même dont se servait Josef Koudelka. J’ai donc rappelé Antony pour renouveler l’opération. Il m’a demandé de passer en fin de matinée, n’ayant plus le temps de me recevoir. L’atelier était donc vide. Cette première photo trahit vraiment une présence. J’ai l’impression d’y voir Antony, alors qu’il n’est pas là…

Antony Gormley, 2004 © Gautier Deblonde

Votre protocole si particulier est donc le fruit du hasard ? Oui. Après cet épisode, j’ai décidé de réaliser toute la série de cette manière. Dans un atelier inoccupé et à l’heure du déjeuner, soit un moment de pause où tout est encore en place. C’est une parenthèse dans la journée, un temps suspendu.

Comment vous accueille-t-on sur place ? Mes interlocuteurs comprennent vite ce que j’attends. Le plus compliqué est d’instaurer une relation de confiance. Ensuite, ils me laissent seul et je m’accapare leur espace… Au final, j’ai contacté plus de 200 artistes, visité 130 ateliers et il y a 69 photos dans le livre, une par lieu.

Concrètement, comment procédez-vous ? Je place toujours mon appareil à une hauteur d’un mètre cinquante et use d’un temps de pose assez long, jusqu’à trois minutes. Ce format panoramique révèle des paysages intérieurs, intimes. J’impose également un point de vue, une certaine distance. Je ne souhaite pas trop m’approcher, pour ménager un certain mystère. Je suis curieux, mais n’ouvre pas non plus les tiroirs…

Georg Baselitz, 2008

S’agit-il de découvrir les secrets de ces artistes ? Un peu, mais ils aiment garder le contrôle. Ce sont aussi de grands menteurs (rires). Admirer leurs œuvres dans des musées reste fascinant, mais elles sont toujours encadrées sur des murs blancs, des décors cliniques. J’avais envie de remonter à la source : là où elles naissent. De découvrir, non pas une recette, mais des indices, les coulisses. L’atelier demeure un lieu de spectacle, avec une lumière, une ambiance, des traces… Tout cela raconte une histoire.

Que disent ces ateliers de leurs occupants ? A nous de l’interpréter. Ces clichés traduisent leurs obsessions. Leur personnalité règne dans ces espaces uniques. Mes images oscillent entre le documentaire, renseignant sur un lieu de création, le portrait ou une œuvre à part entière.

Par exemple ? J’aime beaucoup cette photo de l’atelier de Damien Hirst. On y retrouve ses fameux crânes humains, ses peintures de boîtes de médicaments ou cette photographie prise durant la seconde guerre en Irak. Celle-ci montre un homme sortant des décombres, couvert d’une poussière grisâtre. On dirait une sculpture, la momification d’un moment dramatique de l’Histoire. Ma photographie illustre la boulimie d’un artiste récupérant toutes sortes de codes et d’images, son côté warholien.

Damien Hirst, 2005 © Gautier Deblonde

Comment avez-vous choisi les modèles ? J’ai dressé deux listes : celle des gens qui me fascinaient comme Ellsworth Kelly, Jasper Johns ou Christian Boltanski… Puis une seconde répertoriant des créateurs très en vue comme Jeff Koons ou Takashi Murakami. Bref, ces enfants terribles de l’art contemporain.

Comment les avez-vous approchés ? Installé depuis une dizaine d’années à Londres, j’ai commencé avec les Anglais que je connaissais, avant d’écrire à tout le monde à l’étranger. Puis, au cours d’un premier voyage à New York, j’ai eu la chance de rencontrer Nan Goldin, Jeff Koons, Ellsworth Kelly et Jasper Johns durant la même semaine ! Une fois que vous avez ces noms-là dans la boîte, les portes s’ouvrent…

Nan Goldin © Gautier Deblonde

Quels sont vos souvenirs les plus marquants ? Je n’oublierai jamais cet instant passé avec Nan Goldin. Je suis arrivé chez elle à New York en début d’après-midi, soit un horaire en dehors de mon protocole. C’était un choix de sa part, que je ne pouvais refuser… Nous étions en hiver, la lumière est vite tombée, nous avons donc allumé les lampes. En m’accueillant, elle m’a dit “faites attention, beaucoup de gens sont morts ici”, puis elle est partie !

A quoi ressemble son atelier ? C’était plutôt un loft. Beaucoup de ses photos et fêtes connues de par le monde ont été réalisées ici, depuis les années 1970, dans ce quartier à l’époque malfamé. Il y a juste cette chambre, ce lit, la guirlande au-dessus… Je ne m’attendais donc pas à grand-chose. Puis lorsque j’ai vu mes clichés, nimbés de cette lumière jaune, j’ai eu l’impression d’avoir participé à une fin de soirée de Nan Goldin. Elle m’avait amené dans son monde sans que je m’en rende compte.

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Pourquoi ce nom, Hell’O ? Jérôme Meynen : Il est d’abord très positif, optimiste, vous accueillant par un “bonjour”, mais très vite cette apostrophe entre le “L” et le “O” renverse la lecture, l’associant à l’enfer. On a ainsi, depuis le départ de notre collaboration, mis le thème de l’ambiguïté en avant.

Justement, comment présenteriez-vous votre travail ? Antoine : Pop, coloré et formel. Il offre des lectures multiples, présentant une ambiguïté et un métissage de références évoluant au gré de notre époque.

Quels en sont les fils conducteurs ? Antoine : La dualité, l’hybridité, les rapports entre le monde animal et l’humain, l’architecture… La notion d’équilibre sert de base à une pratique exécutée en commun, il s’agit de mettre l’ego de coté et trouver le juste milieu. C’est d’ailleurs l’un des thèmes présents, voire omniprésents, depuis le début, à la fois dans la forme et le fond.

Qu’est-ce qui le caractérise ? En visitant votre exposition, nous sommes frappés par la minutie de vos créations, mais aussi leur “générosité”, leur richesse… Jérôme : C’est complètement ça ! Après plus de dix ans de dessins ou de peintures effectués à un rythme très soutenu, la minutie est devenue notre marque de fabrique. Hell’O, c’est un travail fusionnel entre deux personnalités à la fois très similaires techniquement mais aux visions différentes.

Que voulez-vous exprimer ou provoquer chez le spectateur ? Jérôme : L’absence de titre est importante. Il s’agit de laisser le champ libre à l’interprétation, le loisir à chacun de constituer sa propre histoire. Cette dimension ludique est essentielle.

Il semble que vous privilégiez plutôt l’esthétisme que le “message”, n’est-ce pas ? Antoine : Jérôme a tendance à fonder ses idées avant de se lancer, moi je suis beaucoup plus impulsif et ne réfléchis quasiment pas avant de m’y mettre, le résultat est donc très formel mais reste bourré de références multiples, rien n’est réalisé par hasard.

Toutefois, la grande fresque Structure (2009) contient un message assez explicite sur la destruction de l’homme par l’homme, n’est-ce pas? Jérôme : C’est une époque ou nous théâtralisions beaucoup plus nos dessins, la destruction de l’homme était très présente mais souvent associée à des thèmes plus futiles voir stupides, traduisant bien cette notion d’ambiguïté, c’est-à-dire en allégeant des sujets sérieux et donnant de l’importance à des choses qui n’en n’ont pas.

Quelles sont vos sources d’inspiration ? Antoine : Elles évoluent. On peut citer Jérôme Bosch pour les œuvres datant de 10 ans, même si c’était inconscient. Les vanités, les motifs ethniques, le design Memphis et, plus récemment, l’abstraction géométrique traversent nos créations, s’effaçant ou au contraire s’accentuant avec le temps.

Concrètement, comment travaillez-vous ? Antoine : Notre souci de la minutie implique une certaine préparation. Nous creusons une idée, puis le croquis et le calque nous servent à retranscrire le projet afin de garder la surface à peindre la plus propre possible.

Qui fait quoi ? Jérôme & Antoine : ça, on ne le dit pas ! Une personne ignorant que nous sommes deux ne le devinera jamais en regardant nos œuvres.

Quelles techniques utilisez-vous ? Antoine : À l’heure actuelle l’acrylique et l’aérographe, aussi bien sur le papier, la toile, les murs…

Utilisez-vous également le numérique ? Jérôme : Oui, nous concevons régulièrement nos projets muraux sur ordinateur, cela nous permet de travailler à l’échelle du projet sans se tromper. Nous sortons aussi des sérigraphies qui réclament un traitement informatique via Photoshop ou Illustrator.

Comment est née cette exposition au BAM ? Antoine : Le BAM avait acquis une fresque sur bois réalisée il y à 10 ans. Il nous a proposé de monter une exposition s’appuyant sur cette grande peinture. Nous avons accepté le défi.

Comment avez-vous conçu ce parcours ? Jérôme : Il ne s’articule pas vraiment autour de périodes, plutôt de thèmes : les œuvres récentes dans la première salle, le noir et blanc, la fresque, les plantes,… Nous n’avons que la trentaine et le mot “rétrospective” ne nous correspondait pas, l’estimant un peu pompeux au regard de notre courte carrière et de notre âge. Le terme “état des lieux” est plus approprié.

Vous avez également peint une très grande fresque spécialement pour le BAM. Pouvez-vous nous en dire plus ? Antoine : Nous souhaitions mettre en évidence nos peintures murales, qui sont aussi importantes que le reste de nos créations. Nous sommes souvent amenés à créer à l’extérieur, sur des surfaces monumentales. C’est une chance d’avoir cette corde à notre arc. Après de longues heures passées sur des petites surfaces, il est assez gratifiant de conquérir l’espace urbain et de travailler dans la rue à une échelle beaucoup plus grande. Nous avons ainsi décidé d’investir quatre murs d’une des salles du musée, afin d’offrir aux visiteurs la possibilité de voir ce genre de peinture.

On remarque notamment, au fur et à mesure de vos créations, une disparition des corps humains pour des motifs plus abstraits… Jérôme : Nous remettons toujours en question la forme, le fond reste le même. Les sujets figuratifs ne disparaissent pas complètement mais sont associés à des motifs purement abstraits où la couleur tient un rôle primordial.

Antoine : Les sujets figuratifs et les corps qui, à l’époque étaient exécutés dans leur totalité, sont aujourd’hui limités à la tête voire à un œil. Nous ne ressentons plus cette envie pour traduire une idée. Je ne sais pas ou cela nous mènera, nous ne planifions rien mais pour l’instant ce mélange entre la figuration et l’abstraction nous correspond très bien.

Au niveau du style, on remarque aussi une plus grande maîtrise de la couleur au fil du temps, ainsi que la recherche de volumes, de reliefs… N’est-ce pas ? Jérôme : Oui, la couleur occupe depuis le début une grande place. Le noir et blanc qui nous a suivi les cinq premières années avait un impact fort et correspondait bien au contenu des dessins, fourmillant de détails. Avec le temps, nous sommes revenus à la couleur. D’abord timidement, avec des tons pastels, jusqu’à aujourd’hui ou nous associons du fluo à de l’argenté, par exemple. C’est vraiment une partie importante du processus.

Quels sont vos projets ? Antoine : En juin nous présentons deux expositions en Allemagne, nous serons en Italie en septembre et en Espagne en 2019. Nous préparons un gros projet muséal mais ne pouvons en dire plus…

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