Marisa Merz, Sans titre, s. d. Technique mixte sur papier, fil de cuivre ; 150 x 209 cm. Collection Merz. Courtesy Fondazione Merz – Gladstone Gallery, New York  Thomas Dane Gallery, Londres © Adagp, Paris, 2024. Photo : M3Studio

La fragilité

À côté, ses dessins à la mine de graphite, plus figuratifs, saisissent des visages comme des paysages mystérieux, tandis que ses toiles revisitent la grande peinture religieuse, avec ses madones, ses anges et ses femmes en prière, dont les mains en papier sortent littéralement de la feuille, prêtes à s’envoler. « On entre ici dans un monde fragile et poétique »… mais pas non plus dénué d’humour et de fantaisie. En témoigne ce lion façonné en terre crue, avec sa queue en fil de cuivre. Cette sculpture fut réalisée après que Marisa Merz reçut le Lion d’or de la Biennale de Venise, en 2013. Son fauve à elle apparaît bien moins flamboyant, et même pataud, comme s’il attendait d’être modelé. « C’est une façon de ne pas se prendre au sérieux, de se moquer d’elle-même comme du monde de l’art ». N’est-ce pas le symbole d’une absolue liberté ?

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A LIRE ICI / DETOURS DE PISTE

LE PORTRAIT DE L’ARTISTE

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La libération par le salut

En 1969, Anselm Kiefer est encore étudiant à l’Académie des beaux-arts de Karlsruhe lorsqu’il provoque le scandale. Pour cause, il se photographie en France, en Italie et en Suisse en effectuant le salut hitlérien, habillé de l’uniforme d’officier de la Wehrmacht de son père. Baptisée Occupations, cette série lui valut d’abord l’étiquette de “provocateur”. Lui se voit plutôt comme un « révélateur », s’interrogeant sur le rôle qu’il aurait tenu s’il avait grandi durant le Troisième Reich – il est littéralement “occupé” par cette pensée. « Vous savez, en 1930, tous les Allemands étaient pour Hitler », rappelle-t-il. À travers ces clichés, « il montre aussi à l’Allemagne ce qu’elle se cache à elle-même », ajoute Jean de Loisy, le commissaire de cet accrochage, qui débobine la pellicule pour percer les secrets de fabrication du plasticien. Car la photographie est bien au commencement de son œuvre. « C’est un aspect fondamental, elle nourrit toute l’exposition mais n’est pas l’unique sujet, précise Grégoire Prangé, le co-commissaire. Anselm Kiefer est avant tout peintre et sculpteur ». Le parcours fait d’ailleurs la part belle à nombre de ses toiles, dont certaines iconiques, comme ce gigantesque tableau consacré à Lilith, figure récurrente de sa production.

Der gestirnte Himmel über uns und das moralische Gesetz in uns (Le Ciel étoilé au-dessus de nous et la loi morale en nous), 1969-2009 © Anselm Kiefer. Photo : Atelier Anselm Kiefer

Profondeur de champ

Utilisée à chaque étape de son travail, la photographie (cet « auxiliaire essentiel ») s’affirme aussi comme une oeuvre en tant que telle. En témoignent ces Paysages stériles, soit des images de champs défigurés, rendus infertiles par la guerre. Présentées dans des cadres en acier, celles-ci sont surmontées d’instruments obstétriques… Au centre de l’exposition trône également une grande installation exhibant un vélo noyé sous un déluge de pellicules de plomb. « Il faut y voir un autoportrait de l’artiste, suggère Jean de Loisy. Elle figure une pluie de photographies sous laquelle Kiefer a l’impression de créer ». Lequel n’a pas fini de nous bousculer avec une oeuvre chargée de symboles et souvent incandescente.

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Images volées

« L’oeuvre de Mohamed est profondément sociale », observe Marie-Amélie Senot, responsable du fonds d’art contemporain au musée de Villeneuve d’Ascq. Elle est aussi collaborative, l’intéressé voyant sa pratique comme « un moyen de créer des connexions ». Entre les gens bien sûr, mais aussi des sujets récurrents : il est ici question de contrôle, de rapports de force, de l’autorité… En témoigne le projet Shoplifters, dont le point départ est la découverte de clichés de voleurs à l’étalage, exhibés dans un supermarché de Brooklyn. « Le patron du magasin les photographiait avec dans les mains l’objet qu’ils essayaient de dérober ». Mohamed Bourouissa a soigneusement « shooté » puis restauré ces polaroids détériorés. Disposées sur des grilles, ces images agrandies révèlent des personnes démunies, prises “la main dans le sac”, parfois dépitées mais souvent souriantes. « C’est une forme de défiance, de résistance. J’y vois aussi une généalogie de la surveillance, dont le paroxysme serait l’utilisation des caméras de reconnaissance faciale ».

Vue de l’installation Seum, 2023, Mohamed Bourouissa © Nicolas Dewitte

You’re Under Arrest

Lors de cette exposition, on admire aussi l’installation Seum, qui atteste de l’éclectisme du natif de Blida. Celle-ci raconte l’histoire d’un contrôle policier musclé – qu’il a lui-même subi, chez lui à Gennevilliers, voici un an. Sur les murs sont accrochées des sculptures en aluminium, figurant ici un visage écrasé contre une paroi, là une jambe bloquée ou une main saisissant un entre-jambe masculin. Au milieu de la pièce sont suspendues des aquarelles abstraites, tandis que résonne une musique aux accents doux, méditatifs, qu’il a composée. « Lors d’une fouille, on ne s’appartient plus, on devient un objet, comme vidé de sa propre substance, commente l’artiste. Les dessins placés au centre illustrent cette envie de rentrer en soi-même pour s’échapper de l’extérieur, ce sont des pensées refuges ». Une œuvre puissante, politique et qui nous embarque… sans résistance.

Vue de l’installation Seum, 2023, Mohamed Bourouissa © Nicolas Dewitte

A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

Mohamed Bourouissa (c) Studio Bourouissa

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A quand remonte votre intérêt pour l’art brut ? A mon enfance, à Berck-sur-Mer. Mon père était architecte mais peignait aussi en amateur. Il m’a beaucoup appris sur le sujet. L’art brut est très présent dans le Nord-Pas de Calais. On y trouve des gens qui ont vécu la guerre et construisaient des œuvres avec des obus, par exemple. J’ai aussi découvert Augustin Lesage, ce mineur qui entendait des voix au fond de la mine et s’est mis à peindre de merveilleux tableaux. A l’époque nous croisions aussi Jean Dubuffet, qui passait ses vacances dans la ville voisine du Touquet. Physiquement, il ressemblait beaucoup à mon père. Je me souviens avoir volé ses cahiers de l’art brut au Musée des arts décoratifs, qu’on m’a ensuite volés d’ailleurs… Donc la boucle est bouclée !

Que verra-t-on lors de cette exposition ? Quelle est sa particularité ? Elle rassemble des dessins, des installations, des assemblages… Des oeuvres anciennes mais aussi très récentes, comme La Revanche des animaux, créée spécialement pour Villeneuve d’Ascq. C’est une installation figurant une cité en partie détruite : la Tour Eiffel est cassée, Notre-Dame très abîmée… Tout est recouvert de papier noir, le sol paraît calciné. Par contraste, des têtes de peluches colorées grimpent sur ces éléments, envahissent la ville, comme si les animaux prenaient leur revanche sur l’humanité.

Annette Messager, La Revanche des animaux, 2019-2021. Peluches, dessins, sculptures recouvertes de papier noir, lumière électrique ; h. 300 x l. 500 x p. 440 cm. Courtesy Marian Goodman Gallery, Paris, Londres, New York. © Rebecca Fanuele

Vous dévoilez aussi beaucoup de dessins ici, n’est-ce pas ? Oui, j’adore dessiner, c’est un vagabondage, un exercice proche de la poésie. Ces dessins se présentent tels des haïkus, simples, jetés comme une petite phrase, et tant mieux si c’est un peu maladroit. On redevient d’ailleurs un enfant en dessinant. Disons que j’ai une main de petite fille et une autre de vieille dame !

Quels dessins révélez-vous ici ? Citons la série Tête à tête, qui représente 77 têtes de mort, réalisées à partir de 2019. Ce sont des vanités, un grand classique de l’histoire de l’art mais les miennes sont très ironiques, un peu dans l’esprit de Tim Burton. Il se trouve qu’à ce moment-là j’étais très malade. Mon médecin m’avait intimé de ne pas porter de choses trop lourdes, donc je me suis mise à dessiner. Et puis est arrivé le confinement, on a alors parlé de gens “vulnérables” et j’ai découvert que j’en faisais aussi partie…

S’agissait-il alors de conjurer la mort ? Oui, pour moi l’art c’est à la fois la conspiration, la conjuration et la contradiction. Effectivement, j’ai toujours envie de faire une chose et son contraire !

Comment avez-vous conçu la parcours de cette exposition ? Je voulais donner l’impression d’une visite chez moi et non pas dans un musée d’art contemporain. L’éclairage est donc important, on joue avec l’intensité de la lumière à certains endroits. Le parcours n’est pas du tout chronologique mais tout en bifurcations. L’agencement des œuvres dépend de la place qu’elles occupent et certaines sont très imposantes…

Par quoi ouvrez-vous cette exposition ? Il y a d’abord un panneau annonciateur, empli de mots créés avec des filets noirs comme “icône”, “comédie”, “tragédie”… Ensuite, et c’est une première pour moi, j’ai enregistré un son (“comme si”) qui accompagne la visite comme un murmure, un écho, au début et à la fin.

Pourquoi ce titre d’ailleurs, Comme si ? J’avais d’abord appelé cette exposition Rendez-vous, jusqu’à la lecture de Personne de Gwenaëlle Aubry, qui parle de la maladie du “comme si”. Pour elle, beaucoup font “comme si” tout allait bien, “comme si” on n’allait jamais mourir… Je pense que l’on fait tous “comme si”.

Que découvrons-nous dans la première salle ? Daily, soit une installation constituée de grands éléments suspendus en skaï noir représentant des objets du quotidien, auxquels on s’attache parfois de façon absurde comme une clé, un téléphone… De petits êtres humains en tissu y sont accrochés avec des fils, comme des pantins. Ils semblent dérisoires à coté de toutes ces choses gigantesques. Tout ça à un petit côté sado-maso.

Annette Messager, Daily, 2015-2016. 21 éléments en skaï noir et tissus, 9 rats en black wrap et peinture noire, filets; dimensions variables. Courtesy Marian Goodman Gallery, Paris, Londres, New York. Photo: Atelier Annette Messager.© Adagp, Paris, 2022

Pourquoi accordez-vous tant d’importance aux éléments quotidiens ? Je pense qu’il n’y a rien de plus surréaliste, bizarre ou inquiétant que le quotidien. Donc j’aime bien utiliser des objets de la vie de tous les jours en les déformant, les triturant…

Parmi les œuvres les plus spectaculaires, il y a aussi Dessus-dessous. Pouvez-vous nous en parler ? C’est la reprise d’une pièce que j’avais réalisée pour la 51e Biennale de Venise. Elle est constituée d’un tissu rouge en soie agité par un système de soufflerie qui gonfle et se dégonfle, comme une respiration. Il y a des éléments cachés dessous, des trucs cassés, d’autres qui s’allument ou s’éteignent… Cela peut évoquer la mer Méditerranée, aujourd’hui un peu rouge car elle compte beaucoup de cadavres…

Annette Messager, Dessus-dessous, 2019. Voile de soie, lumière, ventilateurs sculptures, objets divers (détail). Courtesy Marian Goodman Gallery, Paris, Londres, New-York, Photo: Annette Messager (c) Adagp, Paris 2022

Vous dévoilez ici une oeuvre appelée Requiem pour Jeanne… Oui, à l’origine de ces dessins il y a cette image qui me fascinait lorsque j’étais petite fille, une peinture kitsch où l’on voit Jeanne d’Arc sur le bûcher, accrochée à une immense croix. Il s’agit d’une oeuvre de Lenepveu qui se trouve à Paris. J’aime beaucoup cette figure. Jeanne d’Arc est l’une des premières féministes, une guerrière au milieu de soldats masculins qui gardait son armure pour ne pas se faire violer. C’était une femme forte alors qu’elle n’avait aucune éducation, ne savait ni lire ni écrire. Son image souffre aujourd’hui d’avoir été récupérée par l’extrême droite… je voulais donc la réhabiliter.

La figure féminine et le rapport au corps traversent aussi votre travail. Vous montrez par exemple ici un vagin ailé… Oui, on a représenté d’innombrables phallus dans l’histoire de l’art, alors pourquoi pas des vagins ? Je vais aussi montrer pour la première fois en France un papier peint de petits utérus tout à fait charmant !

Annette Messager, Vagin ailé, 2018. Acrylique liquide sur papier; 54 x 40 cm. Courtesy Marian Goodman Gallery, Paris, Londres, New York. Photo: Atelier Annette Messager. © Adagp, Paris, 2022

On croise des “escargots-seins” aussi… Oui ! J’affectionne cet être un peu bizarre et qui porte sa maison sur le dos. D’ailleurs je vais en dévoiler un transportant une architecture très contemporaine, remplie d’escaliers. Et puis un autre sur une croix où j’ai écrit “je suis mon prophète”. Dans mon jardin, ils détruisent tout. J’observe parfois leurs traces au petit matin. C’est complètement abstrait et délirant, car leurs parcours n’a rien de très logique. J’ai aussi dessiné ces parcours.

La dernière œuvre présentée au LaM s’appelle Pulsions, et semble très joyeuse… Elle n’est pas si récente, mais je ne l’avais jamais montrée. Elle rassemble des animaux en train de copuler, des humains aussi. J’ai regardé sur internet beaucoup de choses un peu porno pour les réaliser, ensuite j’ai d’ailleurs été bombardée de mails car j’avais été repérée ! Ces dessins seront légèrement cachés, avec un système de voile, pour que les enfants ne voient pas ces petit couples imbriqués dans des positions bizarres… Mais oui, c’est assez joyeux !

Qu’aimeriez-vous que le public ressente en quittant le LaM ? C’est difficile de se mettre à la place des gens. Une fois, à Beaubourg, je me suis promenée au sein de ma propre rétrospective. Et puis quelqu’un derrière moi m’a dit : “mais poussez-vous, vous me dérangez, je ne vois rien !”. Cette personne avait raison : d’une certaine façon mes oeuvres appartiennent à tout le monde…

A LIRE ICI : L’INTERVIEW DE MARIE-AMELIE SENOT, COMMISSAIRE DE L’EXPOSITION

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Sébastien Delot : Avant tout la surprise. On ne saurait pas reconnaître au premier coup d’œil une de ses toiles, car on ne peut enfermer Paul Klee dans une lecture univoque. Toute sa vie il a cherché un langage propre, expérimentant sans cesse, à travers les techniques, les sujets, les formes… c’est un “mégacréateur”.

Jeanne-Bathilde Lacourt : Oui, il y a toujours un petit quelque chose d’inattendu, d’inédit chez lui. D’un point de vue technique, il oscille entre le dessin et la peinture, son œuvre est marquée par une grande recherche matérielle. Il réalise par exemple des marouflages, superposant un papier sur une toile, mais aussi des collages, des peintures sous verre, il utilise la gouache, des couleurs délavées… C’est assez unique. Sur le fond, ses tableaux sont marqués par l’ambivalence, l’incertitude. On ne sait pas toujours dans quelle mythologie on se situe (nordique ? Orientale ?) ni même comment interpréter certaines formes.

Par exemple ?

Jeanne-Bathilde Lacourt : Citons ce Paysage avec deux fruits II. Cela ressemble à un paysage au premier abord, mais en regardant de plus près ces deux fruits noirs, on distingue alors des yeux qui transforment la toile en visage.

Sébastien Delot : Ce qui me fascine chez lui, c’est cette diversité de techniques, de formes, de mythologies, personnelles ou pas. On navigue sans cesse entre ces mondes. Quand vous pensez avoir compris une toile, il y a toujours un petit quelque chose remettant tout en question. Paul Klee provoque un éveil constant.

Paul Klee, Zweifrucht-Landschaft II (Paysage aux deux fruits II), 1935, 49. Gouache sur papier. 13 x 33 cm. Collection particulière. Photo : DR Laure

Comment a-t-il façonné cette œuvre si singulière ?

Jeanne-Bathilde Lacourt : Paul Klee s’est très tôt distingué de l’art classique qu’il avait appris à l’Académie des beaux-arts de Munich. Il fut vite déconcerté par cet art mimétique qui n’est finalement pour lui qu’une éternelle répétition plus du tout appropriée à l’époque moderne. Il a donc cherché une forme de création se nourrissant d’une sorte de chaos primordial, puisant en particulier dans différentes images alors rendues accessibles durant la première moitié du XXe siècle par les découvertures archéologiques, les nouvelles collections ethnographiques. Il s’intéresse ainsi à l’art asilaire, aux arts du monde, à la Préhistoire, aux dessins d’enfants aussi, très importants pour lui, notamment après la naissance de son fils Felix.

Sébastien Delot : Oui, les dessins enfants le fascinent car c’est un moment de la vie où le regard n’est pas pollué par celui de l’adulte. Paul Klee, c’est l’art de la subtilité, du merveilleux, de la complexité aussi. Comme tous les grands artistes, c’est une éponge. Son époque est ponctuée de grands bouleversements géopolitiques, avec l’émergence des Etats-Unis, l’effondrement de grands empires… des soubresauts qui se traduiront par deux guerres mondiales. Dans cette société en ébullition, Paul Klee souhaite trouver d’autres repères. Il a besoin d’aller vers les marges pour y extraire des éléments intellectuels et visuels nouveaux. Il n’est jamais dans la citation.

Paul Klee, Bastard (Bâtard), 1939. Donation Livia Klee, Zentrum Paul Klee, Berne

Pourquoi avoir intitulé cette exposition “Entre-mondes” ?

Jeanne-Bathilde Lacourt : Paul Klee est un artiste singulier, car difficile à situer – une de ces œuvres s’appelle d’ailleurs Funambule . Il est toujours entre deux mouvements, deux disciplines différentes, la musique et la peinture. Il est à la recherche d’un espace situé à la jonction du visible et de l’invisible, essaie d’avoir accès à ce qu’il appelle un “monde intermédiaire”, où tout est possible. Il n’est jamais dans la répétition d’un modèle, mais en quête de ce qu’il y avait “avant” la création du modèle.

Sébastien Delot : Il veut atteindre l’essence des choses, revenir à des formes “qui vont de soi”. Cette exposition permet d’approcher un Klee universel à travers des thématiques faisant écho au LaM et à des carrefours de l’histoire de sa vie, ses temps forts.

Justement, comment avez-vous conçu le parcours de cette exposition ?

Jeanne-Bathilde Lacourt : Celle-ci est organisée selon quatre grandes thématiques (l’art préhistorique, mais aussi l’art asilaire, l’art extra-occidental et les dessins d’enfants) tout en s’appuyant sur des archives personnelles de Paul Klee, présentées dans des îlots centraux. Nous suivons cette idée d’une origine invisible de la création après laquelle il court, sans lui-même être sûr de la trouver, comme une enquête…

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