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Pipi, caca

Parmi eux, Marcel Duchamp fait figure de totem, excellant dans des calembours que n’auraient pas reniés les Nuls, à l’instar de cette fausse publicité pour le parfum Belle Haleine. Eau de voilette. On doit surtout au Français le canular le plus célèbre de tous les temps. En 1917, le jury de la Société des artistes indépendants de New York commet l’imprudence de ne refuser aucune oeuvre qui lui sera soumise. Duchamp lui envoie un urinoir en faïence, acheté dans un magasin de sanitaire et signé “R.Mutt”. L’objet est évidemment recalé… Au-delà de la blague, le trublion échafaude ici les bases de l’art conceptuel. « Il pose la question du beau, qu’il dissocie de l’art, commente Anne Petre. Par ce geste, il privilégie l’idée, le message plutôt que la forme ». On le voit, l’humour permet d’aborder des sujets très sérieux. « C’est une forme de transgression mais aussi le moteur de l’avant-garde ». Dans la même veine scatologique, l’Italien Piero Manzoni produit en 1961 des boîtes de conserve contenant, dit-il, 30 grammes de ses propres excréments et qu’il vend à prix d’or, « interrogeant cette fois la notion de valeur ». Est-ce de l’art ou du cochon ? À vous de voir.

Œuvres commentées

Et le soleil s’endormit sur l’Adriatique

1910, huile sur toile, Mairie de Milly-la-Forêt. © Espace culturel Paul Bédu, Milly-la-Forêt (Essonne)

Cette huile sur toile fut présentée en 1910 à Paris, au très sérieux Salon des indépendants. « Cette peinture a alors tout pour plaire, resitue Anne Petre. Elle est très avant-gardiste, colorée, évoquant le postimpressionnisme, voire le fauvisme ». Mais qui est donc son auteur, le mystérieux Joachim Raphaël Boronali ? Eh bien… un âne. Plus précisément le dénommé “Lolo”, mascotte du cabaret Le Lapin agile à Montmartre. Dans les faits, un petit groupe de blagueurs a fixé un pinceau sur la queue de l’animal. « C’est l’un des premiers canulars de l’histoire de l’art, et il entraîne son lot de questions : Est-ce une oeuvre ? Qui est l’auteur ? L’âne ? Celui qui a eu l’idée ? ». Une chose reste sûre : plus d’un siècle après, le tableau est toujours aussi poilant.

La Vénus d’Amersfoort

Marcel Mariën, La Vénus d’Amersfoort, 1982, plâtre peint, La Louvière, Collection Province de Hainaut © SABAM Belgium 2021

Connaissiez-vous Marcel Mariën ? On doit à ce surréaliste belge quelques aphorismes imparables comme « les cannibales n’ont pas de cimetière ». Et donc ce plâtre peint. Intitulé La Vénus d’Amersfoort, celui-ci marque la rencontre improbable entre la Vénus de Milo et le sens de la géométrie et des aplats colorés de Mondrian (né à Amersfoort). Cette “Mondrianité” figure parmi d’autres parodies d’oeuvres du Hollandais. Son style, facile à reproduire (même sur des meubles ou des bouteilles de shampoing !) est tourné en dérision par nombre d’artistes, d’Ernest T. à Sylvie Fleury, qui interrogent les notions d’authenticité et de créativité. « On peut y voir une critique mais aussi un hommage », commente Anne Petre. Qui aime bien châtie bien !

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Art et essai

A Charleroi, on ouvre d’abord l’album de famille, dévoilant ses parents, ses vacances ou son mariage avec Georgette, capturés par lui-même ou ses proches. Ceux-ci furent d’ailleurs essentiels dans son travail. « Magritte n’a jamais eu de modèle professionnel, parce que ça l’emmerdait et coûtait cher. Il sollicitera donc ses amis et son épouse. On la retrouve souvent dans ses photos, le couple se mettant en scène dans des images formant le précipité de ses tableaux ». Citons La Tentative de l’impossible, montrant une femme apparaissant sous le pinceau du peintre, et dont on découvre ici une photo préparatoire avec Georgette posant en maillot de bain. « D’ailleurs, d’un point de vue technique, il y a aussi une grande correspondance entre ses peintures et ses photos : elles sont nettes, lisses et très descriptives ».

L’Ombre et son ombre, Bruxelles, 1932, Georgette et René Magritte © 2019-2020, Charly Herscovici c/o SABAM

A contrario, d’autres de ses clichés n’ont aucun équivalent sur toile « et demeurent des œuvres à part entière ». Telle La Marchande de sommeil, où Magritte a simplement déposé une pipe au-dessus de la tête de sa femme endormie au soleil, sur le sable, ou encore L’Ombre et son ombre, où ils “fusionnent” leur visage. « C’est une sorte de création spontanée. Au fond, il se sert de la photographie comme d’un carnet de notes ».

Au cinéma

Au fil de ce parcours on remarque aussi nombre de portraits où il se cache le visage. Avec les mains ou, comme dans Le Géant, un échiquier… « C’est une façon de nier la représentation ». Qu’attend-on d’une bonne photo ? Qu’elle soit fidèle à la réalité. Une hérésie pour Magritte, pour qui « les traits du visage n’expriment en rien notre nature, souligne Xavier Canonne. On peut sourire mais être triste. Chez lui, le mystère demeure essentiel ». Le réel n’est-il pas invisible, insaisissable ? Une raison pour laquelle il appréciait tant Fantômas… La dernière section de l’exposition révèle justement sa passion pour le cinéma. Magritte tourna quelques films en Super 8, mettant en scène ses amis dans des séquences burlesques, « mais en prenant la chose très au sérieux ». Nourrissait-il des ambitions en ce sens ? On n’en sait rien. Mais Xavier Canonne en reste convaincu : « S’il était né plus tard, il aurait sans doute vu dans la photo un moyen de diffuser son œuvre ». Pour sûr, il aurait compté quelques followers.

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Giorgio de Chirico, Mélancolie hermétique, 1919

Association libre

Mais en quoi le Transalpin fut-il un pionnier ? On le comprend dès la première section de cette exposition, à travers La Mélancolie hermétique (1919). « De Chirico associe dans un univers cloisonné des éléments n’ayant pas de rapports entre eux : ici des jouets d’enfant, un bâton, une statue, un tableau… explique Laura Neve, la commissaire de cet accrochage. Ce procédé provoque une rupture avec le réel, cette “inquiétante étrangeté” chère à Freud ». Dans Portrait de Georgette au bilboquet (1926), Magritte use de la même technique, « en reprenant au passage le thème du tableau dans le tableau, interrogeant notre rapport aux images et leur caractère illusionniste » – songez à Ceci n’est pas une pipe.

René Magritte, Portrait de Georgette au bilboquet

Au-delà du réel

Dans L’Incertitude du poète (1919, prêtée par la Tate Modern), De Chirico va plus loin encore, en télescopant les époques, installant un buste antique dans une architecture classique. Au premier plan, un régime de bananes représente cet exotisme nouveau dans la société moderne et, en arrière-plan, un train symbolise le progrès technologique – qu’il déteste. Marqué par les symbolistes allemands, la mythologie grecque (il grandit en Thessalie) et surtout Nietzsche, Giorgio De Chirico voulait traduire en peinture « l’ambiance mystérieuse ressentie à la lecture des écrits du philosophe. Il souhaitait dévoiler la vision profonde des choses, aller au-delà des apparences. Il eut aussi une révélation dans des lieux publics, telle la place Santa-Croce à Florence, où il perçut quelque-chose de l’ordre du métaphysique ».

Giorgio de Chirico, L’incertitude du poète, 1913

Rêve party

Au fil de ce parcours divisé en cinq sections thématiques, on découvre ainsi une œuvre énigmatique. A l’instar de sa Place d’Italie. « Il provoque ici une atmosphère post-apocalyptique, sans présence humaine, créée par ces ombres portées de statues équestres », décrypte Laura Neve. Cette œuvre inspirera également Paul Delvaux et son Palais en ruines (1935). « Le Belge reproduisit la même ambiance atemporelle et pesante, cette architecture néoclassique et, surtout, la théâtralité de la composition ». De Chirico n’hésite pas non plus à introduire des paysages naturels dans des chambres, jouant sur la confusion entre espaces antagonistes, extérieurs et intérieurs…. comme Jane Graverol. L’Ixelloise recouvre par exemple un appartement d’un sol herbeux (Deuxièmes métaphores, 1939) ou enferme la planète bleue dans une cage à oiseaux, réunissant « l’infiniment grand et le domestique ».

Paul Delvaux,
L’aube sur la ville

Pas si classique

Accusé « d’incapacité picturale» sur ses terres, De Chirico initie en 1919 une période de retour à l’ordre – qu’il nomme “Pictor Classicus”. « Il repart à l’école, aux offices à Florence, reproduisant les œuvres des grands maîtres pour réapprendre la technique. Il estime alors que l’avant-garde a trop détruit et qu’il faut réinstaurer la valeur de la peinture classique, l’harmonie, le beau face à la guerre et au chaos ». Ce fut sa réaction à la boucherie de 1914-18. Dès lors, une rupture s’installe avec les surréalistes français. Après avoir été un modèle, il est taxé de trahison, notamment par André Breton. « Malgré tout, les toiles produites durant cette époque restent loufoques, mélangeant les genres, comme ces natures mortes de fruits géants posés au sein de paysages ». Que voulez-vous, on ne se refait pas…

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Comment avez-vous découvert la photographie ?

Grâce à mon père qui m’a appris à développer mes premières photos dans la chambre noire familiale. Cela m’a immédiatement passionné.

Comment définiriez-vous votre travail ?

Je m’efforce de transmettre un message ou une idée à travers les images. J’ai développé une technique de collages / assemblages échelonnés. Ce style a lancé ma carrière.

Comment travaillez-vous? 

Je commence par le dessin : cela m’aide à déterminer les proportions, la composition. Ainsi, je vérifie si l’idée fonctionnera ou non. Ensuite, j’exploite au maximum les capacités de mon appareil photo, pour avoir le moins possible recours à la post-production. Je travaille en studio la plupart du temps.

Quels sont vos modèles et comment les choisissez-vous ? 

Je privilégie les acteurs, plus aptes à évoquer une humeur, un sentiment, un geste. J’aime aussi que mon modèle soit abordable, pas forcément beau. Selon le projet, je les sollicite via Internet ou dans la rue.

Peut-on qualifier votre oeuvre de surréaliste ? On pense à Magritte devant certaines de vos photos… 

On m’a souvent étiqueté comme tel. Pourtant, je ne cultive pas cet aspect surréaliste. Peut-être est-ce parce que je rêve éveillé ?  

Quelles sont vos sources d’inspiration? Vos influences artistiques ? 

J’adore le constructivisme russe, le dadaïsme, le cubisme… Depuis toujours, j’observe des illustrations, des tableaux, des créations graphiques, des dessins, plus souvent que des photographies.

Pourquoi ?

Je trouve le dessin tellement plus inspirant. Si la photo a évolué avec le numérique, elle atteint toujours ses limites visuelles. La peinture, la sculpture sont infinies en termes d’interprétation, de technique, de contenu et d’expression. Leur seule limite est notre imagination.  

On remarque aussi dans vos photographies une esthétique qui renvoie aux années 1950… Pourquoi ?

J’aime tout ce qui est classique, démodé. Ma maison est remplie d’un éventail d’antiquités et ma bibliothèque est truffée d’images vintage et de livres d’arts. Il est vrai que certaines de mes images par les costumes, les accessoires voire les décors sont référencés, mais je ne fais pas nécessairement écho à cette décennie. J’essaye de rendre mes œuvres intemporelles.

Il y a aussi beaucoup d’humour dans votre travail…

Cela dépend de l’image sur laquelle je m’échine. Certaines de mes photographies sont aussi très noires et un peu effrayantes. Mais, si le sujet  justifie, je ne suis pas contre une petite pointe humoristique ou ironique sur la condition humaine.  

Au-delà de la photographie, utilisez-vous d’autres moyens d’expression?

Ma technique englobe déjà tellement d’autres formes artistiques : collage, assemblage, fabrication d’accessoires, construction de décors. Cela m’a aidé à élargir mes compétences. Je suis très concret, j’aime le processus de fabrication dans son ensemble.

Qui sont vos clients ?

Je suis toujours embauché pour des travaux commerciaux, publicitaires, éditoriaux. Ces jobs paient les factures et me permettent de développer mes projets personnels.

Et exposez-vous ?

J’expose, en ligne, à Dusseldorf* et je prépare une exposition personnelle à Los Angeles à la galerie Fathi, en octobre. C’est en quelque sorte une rétrospective regroupant des accessoires artisanaux, des dessins et un ou deux  projets d’animation.

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Filou génial
Participant à diverses revues (dont La Main à plume, Le Ciel Bleu), Mariën se signale aussi et surtout par plusieurs tracts et collages subversifs et, enfin, par un formidable goût pour l’escroquerie : ainsi, il écoule des toiles, attribuées à Braque ou Picasso, mais peintes par Magritte, ou encore de faux billets de francs belges (conçus par Magritte aussi). La plus belle entourloupe (un concours truqué, en 1958) lui permet, avec les gains, de réaliser L’imitation du Cinéma, farce violemment anti-cléricale. Aventurier et voyageur, il parcourt ensuite le monde avant de rentrer à Bruxelles et de signer en 1979 L’activité surréaliste en Belgique (1924- 1950), l’ouvrage de référence sur le mouvement.

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