Votre formation en architecture influence-t-elle la manière dont vous créez vos images ? La plupart du temps, je ne m’en rends pas compte, mais il est vrai que cela a eu un impact sur mon processus créatif. Non seulement, il m’est beaucoup plus facile de planifier des projets et d’y consacrer du temps, mais cela se reflète également dans la façon dont je trouve des concepts. L’architecture a rendu mon travail beaucoup plus fluide. J’ai un sens aigu de la composition grâce au travail avec les grilles et les proportions, et je consacre beaucoup d’efforts à la conception d’une esthétique visuelle uniforme dans mes œuvres.

Girl with a Rose (c) Andrei Nicolescu

Les formes géométriques jouent-elles un rôle important dans vos créations ? Si vous regardez en arrière, il y a quelques années, je dirais que c’est sans aucun doute le cas. Qu’il s’agisse d’illustration ou de typographie, il était évident que je pensais d’une manière très volumétrique et structurelle. Mais mon travail a évolué. De façon générale, j’aime le contraste entre les lignes et les formes géométriques simples et les touches organiques et expressives.

Le point commun de vos images est l’utilisation de couleurs vives. Pouvez-vous nous en dire plus ? C’est un style que j’ai développé au fil des ans, parce que j’aime cette part d’éclat dans l’art. Et puis je n’ai travaillé que dans le spectre RVB tout au long de ma carrière. Parfois, cela se retourne contre moi, car certains clients peuvent avoir des yeux plus sensibles.

Il y a aussi cet aspect “granuleux” offrant beaucoup de relief à vos images. Comment y parvenez-vous ? Il n’y a pas vraiment de processus particulier pour obtenir cet effet. J’ai commencé à chercher des artistes ou des illustrateurs qui adoptaient ce type de style, pour essayer d’inverser la façon dont ils obtenaient leur effet. J’ai découvert “mon” grain en jouant avec les options des calques dans Photoshop, puis j’ai créé le mien. J’aime utiliser cet aspect granuleux car il confère à l’œuvre plus de profondeur, et une touche personnelle. Je n’aime pas les effets trop lisses, je trouve cela artificiel.

Fashionista (c) Andrei Nicolescu

Où puisez-vous l’inspiration ? Je suis influencé par l’animation, la BD et les films en Technicolor. Je pense en particulier à l’esthétique de Wes Anderson. Actuellement, je suis fasciné par l’utilisation des couleurs dans les médias des années 1980. Je m’inspire aussi de la mode et du graphisme. L’architecture est également une référence constante pour les combinaisons de couleurs. Pour l’instant, je me concentre sur les BD et la peinture, car j’essaie de renouveler mes compétences en matière de composition. J’ai construit une bibliothèque d’images avant de découvrir Pinterest, où je répertorie maintenant de nouvelles influences.

Vos sujets sont très variés, mais semblent toujours le point de départ d’une histoire, n’est-ce pas ? Je n’ose pas dire que chaque pièce contient une histoire, mais la plupart du temps, il y a un élément de narration dans mon travail. La série Girls, Girls, Girls par exemple, couve une atmosphère mystérieuse. Il s’agit d’une évolution de mon travail depuis Faboulous Fashion, où je me concentrais sur le portrait et les silhouettes. Concernant le travail éditorial, j’essaie toujours de trouver un petit concept. Une image est un instantané, le noyau d’un récit que le lecteur doit découvrir…

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Collection Nationaal Museum van Wereldculturen

Hérauts de la liberté

Mais pourquoi parler de “héros” ? « Nous rassemblons des figures remarquables au sens large et qui trouvèrent une large audience avec leurs messages : religieux, politiques ou artistiques », éclaire Françoise Cohen. Oh, pas de jugement de valeur ici, mais beaucoup de questions. Ainsi de la série de photographies de la Palestinienne Ahlam Shibli réalisée à Naplouse lors de la deuxième intifada (2000-2005). Ces clichés révèlent une glorification des martyrs au sein des foyers, entretenant leur mémoire, mais aussi la haine… Certains personnages, eux, ont plié de rires des millions d’Algériens, comme Bouzid, le paysan acerbe du dessinateur Slim, un vétéran de la caricature arabe. Publiés, entres autres, dans Algérie Actualités dès 1967, ses strips dépeignent avec une liberté de ton rare la situation politique du pays, avant que l’auteur ne s’exile au Maroc durant les années de plomb, menacé par le FIS…

Sous le voile

Entre autres affiches célébrant les stars de la chanson (Oum Khaltoum) ou du cinéma (Dalida en vamp, dans Un verre, une cigarette en 1955), on découvre aussi une nouvelle génération d’autrices féminines. Citons l’Égyptienne Deena Mohamed et sa super-héroïne : Qahera. Né durant les manifestations au Caire en 2011, ce personnage lutte contre le harcèlement de rue et pour le droit des femmes, en ayant le visage dissimulé derrière un hijab. Ou comment porter le voile tout en étant féministe. Vous avez dit iconoclaste ?

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© Philippe De Gobert

L’âge de réseau

Empruntant à l’art brut comme au pop art (Warhol n’est pas loin), la production de Mullican fut très tôt marquée par l’utilisation du pictogramme, « ce langage situé entre l’image et le mot, comme une version moderne des hiéroglyphes égyptiens », remarque Denis Gielen, le directeur du MACS. Et cela bien avant l’avènement des smartphones. Ces sigles, qui normalisent désormais nos échanges, ponctuent ce parcours « organique » où les pièces semblent se répondre au sein d’un vaste réseau.

© photo Oscar Monsalve

« Matt est un visionnaire, il observe l’évolution de notre société des médias vers un idiome de plus en plus codifié ». L’artiste confirme : « Je pense que mon travail est lié à la vie contemporaine, aux préoccupations des gens, à Internet et la façon dont leur monde pourrait être régenté ». Son œuvre est ancrée dans le réel, donc, mais aussi le virtuel. Ce représentant de la Pictures Generation fut ainsi l’un des premiers à créer avec un ordinateur, et embrasse toutes les techniques. Au MACS, vidéos et dessins (parfois sur des draps) cohabitent avec ses frottages, « soit le moyen de reproduction mécanique de l’image le plus archaïque », dit-il, persuadé que son « art est dirigé par son subconscient ». Ce fantôme qui le hante (« that person ») ressort d’ailleurs lors de performances sous hypnose dont on découvre les films, joli symbole, dans une pièce du musée située au sous-sol…

Langage propre

Cherchant à traduire la complexité du monde, Mullican a également créé sa propre « cosmologie », soit un vocabulaire régi par un système de couleurs : le vert pour la nature, le bleu pour la vie quotidienne, le jaune pour l’art, le noir pour le langage et le rouge pour la subjectivité. Il est ici matérialisé dans une grande salle découpée en sections, où les objets sont classés par thèmes (des bois de cerf dans la partie verte, des pellicules dans la noire…).  « Face à ce travail, on a une bonne idée de ce qu’est l’Homme contemporain, découvrant cette façon de penser en rhizomes, en motifs répétitifs ou cette obsession pour l’archive, observe Denis Gielen. C’est comme un Snapchat permanent ». À partager sans modération.

Matt Mullican_Representing the work Cortesía de NC arte, credit photo Oscar Monsalve

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MARIE CHOMINOT

N’y a-t-il pas un déséquilibre entre images de colons et celles de colonisés ? Oui, c’est évident. Ceux qui avaient des appareils photos, mais aussi l’habitude culturelle de prendre des clichés, étaient des colons. Une petit élite algérienne a certes pu se photographier, mais la majorité du peuple n’avait pas accès à cette pratique. Les premiers regards portés sur l’Algérie sont donc extérieurs. Il s’agit d’une vision exotique et coloniale plus que documentaire.

Comment évolue ce déséquilibre durant la guerre d’Algérie ? La production d’images entre les deux “camps” est extrêmement disproportionnée, comme les moyens l’étaient. Toutefois, les choses changent durant cette période. Les nationalistes algériens s’emparent de la photographie comme d’une arme. Il leur était en effet indispensable d’engendrer eux-mêmes un discours iconographique de leur combat.

Comment cela ? Plusieurs stratégies furent adoptées. La première consistait à donner des appareils photos amateurs à leurs soldats mais aussi leurs représentants politiques. Utilisés par les services mis en place par le FLN, ces clichés seront diffusés dans la presse algérienne et internationale. L’autre stratégie consiste à inviter des journalistes étrangers dans les maquis, “embedded” dirait-on aujourd’hui, afin qu’ils documentent la guerre, mais vue de leur côté. On peut par exemple citer les Américains Peter Throckmorton et Herb Gree.

Retour des réfugiés vers l’Algérie, à la frontière tunisienne, en 1962 (c) M. Kouaci

Dans quel but ? La dimension diplomatique de cette guerre fut très importante. Elle n’était pas seulement menée sur le terrain des armes, mais également sur la scène internationale. Les diplomates algériens tentaient de plaider leur cause aux États-Unis, en particulier à l’ONU. Ces images auront un impact, et personne ne pouvait parler de propagande puisqu’elles venaient de médias occidentaux “libres”.

Peut-on donc parler d’une guerre d’images ? Oui, car les photographes accrédités par l’armée française, qui n’avaient pas accès à l’autre camp, diffusaient un discours bien encadré. En gros, la France ne faisait pas la guerre mais la “paix”. Elle véhicule ainsi très peu de scènes de combats. Côté algérien, ils recevaient des consignes très strictes, retrouvées dans des notes de service de l’armée de libération nationale : ils devaient dévoiler des villages détruits, des victimes, dont des enfants…

Enfants réfugiés (c) M. Kouaci

Parmi ces photographes algériens, on peut citer Mohamed Kouaci, responsable de l’organe de presse du FLN, El Moudjahid… Tout à fait. Lui se trouve en France au début de la guerre, puis se rapproche du syndicat étudiant. Il participe en 1957 au festival mondial de la jeunesse à Moscou pour représenter l’Algérie, qui n’existe pas encore officiellement sur la scène internationale. Au retour de ce voyage il est contacté par le FLN, qui souhaite utiliser ses talents de photographe. Il n’est pas envoyé dans le maquis, car à l’époque le pays est fermé et le barrage infranchissable, mais est intégré dans l’équipe de presse, en Tunisie.

Quelle est alors sa mission ? Il photographie les camps de réfugiés situés à la frontière mais aussi toute l’activité politique et diplomatique du FLN, avec la constitution du gouvernement provisoire de la république algérienne en 1958, à Tunis. Celui-ci essaye de rayonner à travers le monde et de se faire reconnaître officiellement. Mohamed Kouaci est le “monsieur image” du FLN. Il prend des photos, bien sûr, mais en collecte aussi. Car pendant la guerre, les Algériens ne se contentent pas des images qu’ils produisent, mais récupèrent toutes celles qu’ils trouvent, y compris celles provenant de l’armée française. Ils les publient avec une autre légende, donc un autre discours…

Jours d’indépendance, 5 juillet 1962 (c) M. Kouaci

Qu’en est-il de la liberté d’expression aujourd’hui en Algérie ? Durant longtemps, sortir un appareil photo n’était pas simple. Cette complexité demeure encore aujourd’hui. Parce qu’il y a une présence policière importante dans les rues. Comme les militaires ou les bâtiments officiels, ils ne doivent pas apparaître dans le cadre, même si vous vous intéressiez à autre chose. Beaucoup d’ami(e)s photographes se retrouvent souvent au poste à cause de cela. Et puis, une certaine méfiance persiste toujours au sein de la population. Les gens craignent que leur image puisse servir aux autorités. Notons enfin que, durant les années de plomb, marquées par le terrorisme, les tueurs ne connaissaient pas forcément leurs victimes, mais assassinaient à partir d’une photo. Heureusement, cette peur-là est en train de s’estomper…

Qui seraient les grands photographes algériens contemporains ? Les premiers professionnels se sont formés immédiatement après la guerre, autour de Mohamed Kouaci. Une nouvelle génération est en train d’émerger aujourd’hui. Entre les deux, il y a eu une sorte de “trou” et pas forcément de transmission de savoirs, notamment à cause de la “décennie noire”, durant les années 1990. Dorénavant, on compte en Algérie des artistes âgés de 20 à 30 ans qui, je trouve, portent sur leur pays un totalement libéré de cette histoire, de ces contraintes. Ils ont commencé à photographier leur quartier, saisissant la vie là où ils sont installés. Un rapport de confiance s’est donc créé entre eux et la population.

Alger,
2 juillet 1962
© « Marc Riboud

Pourriez-vous nous citer un nom ? J’aime beaucoup le travail de Fethi Sahraoui, un jeune homme né en 1993. Il saisit l’Algérie contemporaine, dans la tradition de la “street photography”. Ses images sont majoritairement en noir et blanc et extrêmement proches des gens. Il a par exemple réalisé l’année dernière une série sur les stades de foot, mais auprès des supporters. Il saisit sa société de l’intérieur…

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Spleen et urgence

Marc Trivier évoque volontiers l’immanence de la photographie. Ses images dépouillées de tout artifice servent d’abord une quête formelle. La manière dont la lumière accroche ses motifs prime sur la profondeur psychologique, l’épaisseur de la chair ou de la matière. Il se dégage de ce travail une mélancolie, correspondant à ce moment furtif où le sujet s’abandonne devant l’artiste. L’inclinaison corporelle de Francis Bacon, qui ne souhaitait pas être photographié, en est un bel exemple. Émergent ainsi de ces portraits ou paysages l’urgence de la prise de vue, et la nostalgie de ce qui est définitivement passé.

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