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A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

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Selon vous, qu’est-ce qui caractérise votre travail ? J’aime me définir comme une créatrice de mondes fantaisistes. Mon style se caractérise par des formes arrondies et volumineuses et des surfaces bruyantes. Mes œuvres combinent des éléments du pop art, de l’animalisme et de l’art naïf.

Serena (Deities) (c) Mary Maka

Quels thèmes aimez-vous explorer ? Nombre de mes œuvres s’intéressent à l’intersection des mondes naturels, fictifs, mythologiques et humains – généralement en tissant ces éléments en une seule composition. Je m’inspire souvent de notre environnement, inventant de nouvelles créatures et de nouveaux écosystèmes.

Est-ce sur notre coexistence avec notre écosystème qui vous souhaitez focaliser ? Passer du temps dans la nature est essentiel pour moi : j’aime l’observer et m’y immerger. À l’école, je participais à des activités de plein air et j’effectuais souvent des randonnées en forêt avec un sac à dos. Pour moi, la forêt est un lieu de paix. Je crois en l’idée d’une harmonie entre l’Homme et la nature, où les deux peuvent coexister et trouver un équilibre.

Labet (Deities) (c) Mary Maka

D’où vient cette attirance pour la mythologie et les contes de fées ? J’ai des ancêtres finlandais, mais le lien avec mes racines s’est perdu il y a longtemps. J’ai voulu m’y reconnecter en étudiant la mythologie et la culture finno-ougrienne. Lors d’une résidence artistique, j’ai consacré du temps à la lecture de contes de fées, d’épopées et de textes historiques, et j’ai documenté mes découvertes par le biais de la gravure. Cette recherche m’a tellement captivée que j’ai commencé à explorer d’autres cultures et leurs mythes. Les légendes africaines, en particulier, m’ont profondément marquée.

Vos compositions regorgent de couleurs ! Comment choisissez-vous votre palette ? Je peux parler du rose, car il apparaît fréquemment dans mon travail et j’aime l’utiliser. Cette couleur véhicule de nombreux stéréotypes culturels. Lorsque j’étais étudiante, elle était rarement utilisée, souvent rejetée car considérée comme “frivole” ou réservée aux filles. Après avoir obtenu mon diplôme, les premiers tubes de peinture que j’ai achetés étaient roses. Je voulais l’explorer à fond et, d’une certaine manière, me le réapproprier en tant que couleur neutre et puissante.

Bouquet (c) Mary Maka

Plus généralement, quel est votre processus créatif ? Il commence par la recherche et la collecte de références pour affiner mon idée. Je réalise ensuite un à trois croquis en noir et blanc, en fonction de la complexité de la composition. Après avoir discuté de ces esquisses avec le client, je passe à la couleur. Je commence par des formes vectorielles puis j’incorpore des textures à l’aide de programmes de trame. J’utilise également un ensemble de pinceaux personnalisés que j’ai mis au point. Bien que j’aie une palette préférée, j’aime expérimenter et explorer de nouvelles combinaisons. Mes œuvres sont souvent riches en détails et en transitions de teintes subtiles.

Quels sont vos sujets préférés et vos sources d’inspiration ? J’explore une grande variété d’œuvres d’art et je visite souvent des musées et des galeries dans le monde entier. Tout au long de mon parcours artistique, j’ai beaucoup étudié l’art européen et l’art russe, qui m’ont beaucoup influencée. En particulier l’avant-garde russe et le postmodernisme français. L’une des expériences les plus frappantes que j’ai vécues fut au Louvre, où j’ai découvert la salle d’art iranien ancien. Je n’en savais rien auparavant et le fait de la voir pour la première fois m’a profondément marquée.

Deva (c) Mary Maka

Quels sont vos projets ? Je planche actuellement sur un court-métrage. Je veux continuer à progresser en tant que directrice d’animation et donner vie à davantage d’histoires par le biais de l’animation.

Qu’auriez-vous fait si vous n’aviez pas été artiste ? Je serais biologiste, j’étudierais les plantes ou les micro-organismes.

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A LIRE ICI / LE PORTRAIT DE MARY MAKA

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Comment décririez-vous votre style en quelques mots ? Coloré, minimaliste et conceptuel. Il utilise souvent des textures subtiles qui donnent à mon travail une chaleur vintage, tout en conservant une esthétique contemporaine.

Ocean (c) Eglė Plytnikaitė

Comment l’avez-vous développé ? Cela a commencé par une réflexion sur moi-même. Je me suis demandé qui j’étais et quelle esthétique me correspondait le mieux. Développer un style, c’est comme s’embarquer pour un voyage à la découverte de soi. J’ai toujours aimé le vintage, qui s’est donc naturellement retrouvé dans mon travail. Je suis également attirée par les messages audacieux et percutants, qui se reflètent dans mon art. Les couleurs vives me manquent dans mon pays, surtout pendant les saisons froides, je les ai donc intégrées à mes œuvres. Au fil du temps, j’ai l’impression que mon travail est devenu plus nuancé, tout comme la vie. Je suis impatiente d’expérimenter davantage et d’inclure plus de détails.

Kiss (c) Eglė Plytnikaitė

Vous utilisez très peu de couleurs dans vos images. Comment les choisissez-vous et les harmonisez-vous ? J’ai quelques combinaisons de couleurs favorites, mais je suis toujours prête à tester de nouvelles choses. Pour moi, trouver la bonne combinaison, c’est comme composer un beau morceau de musique : il faut que tout soit parfait. Parfois, je passe des heures à chercher la palette idéale. À d’autres moments, le déclic se produit instantanément. J’entretiens également des tableaux d’humeur remplis de mes tonalités préférées. Je les utilise comme source d’inspiration et pour susciter de nouveaux alliages inattendus.

Grâce aux textures que vous utilisez, vos créations ont également un aspect vintage. Pourquoi ce choix ? J’adore l’art contemporain minimaliste, mais son esthétique me semble souvent un peu trop dure. Pour l’adoucir, j’ai créé une collection de textures de papier vintage. Cela ajoute un sentiment de chaleur tout en conservant l’esthétique contemporaine globale, et j’aime ce contraste.

Peaking (c) Eglė Plytnikaitė

Votre style minimaliste vous permet-il aussi de véhiculer un message de manière plus directe et efficace ? Oui, j’ai toujours admiré les personnes qui disent la vérité sans l’édulcorer ni la déformer. Le minimalisme révèle les choses sous leur forme la plus pure et la plus audacieuse.

Il y a aussi de l’humour, et parfois un peu d’ironie dans vos images… Oh, absolument ! Cela reflète vraiment qui je suis. J’aime l’humour et ne pas me prendre, ou prendre quoi que ce soit, trop au sérieux. La vie est courte, et le rire souvent le meilleur des remèdes.

Vos illustrations expriment aussi des messages politiques, n’est-ce pas ? Oui, j’ai réalisé de nombreux projets en faveur d’un avenir plus durable, pour les droits des femmes ou pour soutenir l’Ukraine dans sa lutte pour la liberté. Je pense que l’art est une arme puissante et je veux l’utiliser pour susciter des changements. Par ailleurs, je consacre beaucoup de temps au bénévolat dans diverses organisations, principalement liées à la protection et à la conservation de la nature, et j’utilise activement mon art pour amplifier ce message. Croire que mon travail peut avoir un impact significatif et contribuer à un avenir meilleur est ma principale motivation.

Together (c) Eglė Plytnikaitė

Quelles sont vos sources d’inspiration ? La nature et l’époque dans laquelle nous vivons. Mon art est le reflet direct de ce que je suis, ressens et pense. Tout ce que je vis se retrouve naturellement dans mes illustrations. Cela m’aide à me rapprocher des autres car, en tant qu’êtres humains, nous vivons tous des choses similaires.

Concrètement, comment travaillez-vous ? Je commence toujours par des croquis sur papier – j’en ai des tonnes dans mon studio. Une fois que l’idée et la composition sont claires, je passe à l’ordinateur et travaille sur ma tablette. Je commence par tout vectoriser et supprimer les détails inutiles. Les dernières étapes consistent à choisir les couleurs et, à la toute fin, à ajouter des textures.

Parmi cette sélection d’images, pouvez-vous en commenter une ? Lady Chanterelle est une œuvre très personnelle. J’ai grandi dans une région où la tradition de la cueillette des champignons est très forte. Chaque été et chaque automne, les gens se rendent dans les forêts pour ramasser des chanterelles. C’est comme ça que j’ai gagné mes premiers sous. Je continue à en ramasser aujourd’hui, mais seulement pour de délicieux dîners. C’est comme quelque chose d’ancré dans mon ADN, une étrange obsession que je ne peux pas expliquer. Dans l’illustration, la dame est coiffée d’une girolle géante, symbolisant la façon dont le champignon semble la contrôler.

Lady Chanterelle (c) Eglė Plytnikaitė

Si vous n’étiez pas devenu illustratrice, quel métier auriez-vous exercé ? Je serais certainement une scientifique, travaillant dans la nature et le domaine de la conservation pour étudier les espèces rares et la biodiversité.

Quels sont vos projets ? C’est une excellente question ! J’aimerais continuer à créer des illustrations traitant de questions qui me tiennent à cœur. Je souhaiterais également transformer mes illustrations en objets ou les imprimer sur différentes surfaces. Comme je l’ai déjà mentionné, j’ai besoin de plus de couleur dans ma vie, et ajouter mon art à des choses de tous les jours est un moyen d’y parvenir.

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Justement, comment définiriez-vous votre style ? Je dirais que c’est du cartoon pop-art, relevé d’une touche de féminisme.

Xaviera Altena – Stella

Les femmes et le féminisme semblent importants pour vous, n’est-ce pas ? Oui, je souhaite en particulier défendre une représentation plus diversifiée des femmes dans le design et illustration, à l’image de la mode.

Vous trouvez vos références dans les nineties. Pourquoi cette attraction ? J’adore l’esthétique de cette époque. C’est l’ère ultime des affrontements entre l’ancienne génération, qui a grandi sans internet, et la nouvelle qui a accès à toutes les informations du monde entier, comme en témoignent les formes actuelles de culture, d’art et de musique.

Vos couleurs sont très “pop” ? Comment les choisissez-vous ? Je ne sais pas vraiment, je suis naturellement attirée par les tonalités vives.

Quelles sont vos influences artistiques ? Certainement le célèbre artiste pop-art Keith Haring mais aussi des créateurs contemporains comme Yayoi Kusama. J’adore leur façon de jouer avec les lignes, les couleurs et les motifs. Mes influences se situent aussi du côté des auteurs de BD, découverts très jeune, comme Hergé ou Willy Vandersteen. J’adore la ligne claire, ce style ultra-propre et “plat”.

Quels sont vos sujets favoris ? J’aime dessiner les femmes, car vous pouvez les représenter dans nombre de styles et de couleurs. Je me concentre aussi sur des thèmes sociétaux comme le changement climatique, notre façon de traiter les animaux ou le consumérisme.

Quelle serait votre création préférée ? Je n’ai pas d’image favorite mais, si je devais choisir, alors j’évoquerais “Stella” et le portrait que j’ai récemment réalisé de Winnie Harlow (ndlr : une mannequin canadienne atteinte de vitiligo).

Winnie – Xaviera Altena

Quel est votre processus de création ? Cela dépend si c’est une commande ou un travail personnel. Pour les clients, j’effectue des croquis, en noir et blanc ou en couleur. Ensuite, après leur retour, je commence à créer en numérique. Pour ma part, je débute presque toujours par le numérique, jouant avec les lignes, les couleurs et observant ce qui se passe…

Plus généralement, que voulez-vous provoquer chez le spectateur ? J’aimerais qu’il soit plus ouvert d’esprit, et surpris peut-être. En tout cas, j’espère que ces couleurs vives rendront les gens heureux, c’est l’essentiel.

Si vous n’aviez pas été illustratrice, quel métier auriez-vous exercé ? Il y en a beaucoup, pas forcément réalistes mais je peux rêver ! J’adorerais par exemple travailler avec des animaux domestiques, des chiens en particulier. J’aime aussi cuisiner, donc pourquoi pas cheffe ? Enfin, j’adore les mystères, les énigmes entourant les crimes. Je me verrais donc bien détective…

Summer Body – Xaviera Altena

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