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J’ai toujours baigné dans le monde de l’art, mais pas nécessairement dans le dessin. J’ai longtemps travaillé à la radio, pratiqué la sculpture… puis je me suis progressivement rapproché du milieu de l’illustration. Et là, ça a été le coup de foudre.

Quel rôle votre grand-père a-t-il joué dans votre carrière artistique ?

Écrire et illustrer un livre sincère sur mon grand-père a été le déclic dont j’avais besoin pour commencer à dessiner des personnages. Je n’ai aucune formation professionnelle en art ou en dessin : j’ai tout appris sur le tas. Créer des personnages pour ce livre — que je n’ai d’ailleurs jamais terminé — m’a amené à réaliser des portraits, devenus depuis ma marque de fabrique.

Vivez-vous toujours à Barcelone ? Qu’est-ce que cette ville vous apporte ?

Oui, j’y vis toujours, et je l’adore. C’est une ville créative, qui regorge d’artistes, même si le tourisme et le modèle économique qu’il engendre sont devenus insupportables pour les habitants. Barcelone reste à la pointe de la modernité : il s’y passe toujours quelque chose de nouveau, et elle demeure une source d’inspiration constante. Après tant d’années, certaines choses me sont devenues indispensables — surtout les gens, plus que la ville elle-même.

Comment définiriez-vous votre travail à quelqu’un qui ne vous connaît pas ?

Je le décrirais comme une fête rose clandestine où la musique cumbia est jouée à plein volume.

Vous faites souvent référence au Mexique. Est-ce une source d’inspiration centrale ?

Le Mexique est sans aucun doute une source d’inspiration inépuisable pour moi. J’ai à cœur d’en dessiner toutes les facettes : ses habitants, ses coutumes, sa culture, ses rues.

Pourquoi concentrez-vous le plus souvent votre attention sur les visages ?

Chaque visage raconte une histoire. Je suis attentif aux expressions, aux regards, à la peau, aux cheveux. Je tiens à ce que le spectateur s’identifie à certains d’entre eux.

Et le rose : pourquoi cette couleur ? Que vous permet-elle d’exprimer ?

Le choix du rose est plutôt technique. Je ne dessine jamais personne en train de sourire, beaucoup de mes personnages pleurent… Le rose atténue donc ce côté dramatique.

Que représentent les nombreux symboles qui apparaissent dans vos images : larmes, flammes, paillettes, fleurs, chaînes, tatouages ?

Ils traduisent ce que je suis : la passion, le drame, la culture, la rue, le quartier, les gens. C’est un langage global. Chaque symbole possède sa propre signification, mais tous dialoguent entre eux.

Plus précisément, comment décririez-vous votre processus créatif ? Comment vos images prennent-elles forme ?

Je commence toujours par l’écriture : je note des idées, des synopsis. Ensuite, je passe à l’esquisse, très librement. La finalisation arrive assez vite. J’utilise presque toujours un iPad, même si je m’en éloigne progressivement pour revenir à des techniques plus manuelles, comme la peinture ou le dessin.

Quels sont vos projets pour l’avenir ? Avez-vous un projet d’exposition ou de publication en cours ?

J’aimerais peindre de grands tableaux un peu plus abstraits. Je souhaite expérimenter des techniques manuelles, mais en racontant toujours des histoires qui parlent de moi et auxquelles les gens peuvent s’identifier.

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Soit une respiration bienvenue dans un monde numérique oppressant. Sous la naïveté apparente, Nicko Phillips cache aussi une vraie rigueur graphique : aplats nets, silhouettes souples, palette volontairement saturée. « L’optimisme, c’est quelque chose qu’il faut cultiver techniquement ; j’essaie d’en mettre une pincée partout », dit-il. Cette énergie se nourrit aussi de musique, l’un de ses moteurs créatifs. Grand mélomane, il a notamment collaboré avec le groupe texan Khruangbin, dont il partage le goût pour les ambiances psychédéliques. Aujourd’hui, Nicko Phillips enchaîne les projets et les expositions. Son style reconnaissable entre mille — drôle, solaire, sincère — s’impose comme une signature à part sur la scène visuelle australienne. Avec lui, l’illustration agit comme un remède, une invitation à voir le monde sous un filtre plus doux.

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À lire ici / L’interview de Three Koma

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À LIRE ICI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

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© Ranafout

Sans complexe

Féministe, Sabine Vincent l’est vraiment devenue à la naissance de sa première fille. « Il y a vingt ans, c’était une insulte. Aujourd’hui, les gens me remercient d’en parler sans complexe. L’essentiel, pour moi, c’est de rire ensemble », note « madame Ranafout », comme l’appelaient les premiers à s’esclaffer sur les marchés de Saint-Denis, en 2017, devant les punchlines que cette graphiste exposait pour s’aérer l’esprit. En bon cheval de Troie, ses produits qui déconstruisent la pensée dominante ont utilisé la magie du capitalisme numérique pour exploser leurs ventes depuis un an. « Mes tasses viennent de Chine et mes pin’s d’Espagne, mais je fabrique mes autres accessoires dans un fablab local. J’essaie de tout rapprocher peu à peu, pour créer de l’emploi dans le 9-3 », assure Ranafout. Elle reverse un euro à la Maison des femmes de sa ville à chaque pin’s “Ragnagnas” vendu, offre les bénéfices de son “Fuck Friday” à des associations et participe à un atelier de collages féministes le 8 mars. Derrière les mots, un vrai (et joyeux) combat.

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