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Sur le fil

Entre le « jonglage post-punk » de Wes Peden ou le Poulomaton de la compagnie des Plumés (oui oui, il s’agit bien d’un photomaton avec des poules) on se gondole aussi avec Tite Hugon. Tout à la fois clownesse, transformiste et funambule, cette artiste part en quête de sa féminité dans un one-womanshow de haute voltige. Au passage, elle dévoile ses secrets de fabrication lors d’un atelier. Et, qui sait, peut-être vous apprendra-t-elle à retirer votre culotte en équilibre sur un fil de fer ? C’est inutile, on vous l’accorde, mais c’est bien pour ça que c’est essentiel.

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La caravane passe
Le trio engage alors six semaines de travaux, chine du matos et commence à brasser chez Lepers à Warneton trois premières mousses : la Fauve, la Dorée et l’Isabelline. Dans cet élan, le chef Maxime Schelstraete, l’éleveur-boucher Grégory Delassus, le maraîcher-voyageur Julien Magniez et le glacier piémontais Corrado Barberis alimentent l’Hirondelle avec leurs recettes originales à consommer sur le pouce. Outre sa longue terrasse ombragée, ce lieu éphémère dispose d’un bar de 60 m² et d’un grand hangar de briques et de béton, sur deux niveaux. Au rez-de-chaussée, une caravane dorée, un camion de boucherie vintage et un corner de street food asiatique composent un décor bariolé, complété par le triporteur mauve d’un glacier. « Cet espace est libre jusqu’en octobre 2020, on a saisi l’occasion de le louer », détaille Benjamin. Il faudra donc vous dépêcher, en sachant que ça se bouscule au portillon !

© Mange Lille !, M.L. Fréchet

Sans se plumer
Inaugurée le 13 juin, l’Hirondelle reçoit plus de 2 000 convives chaque fin de semaine. « Ce succès s’explique par la convivialité, l’originalité du concept et la qualité de ce qu’on y déguste, sans se ruiner », remarque Maxime Schelstraete. En plus du breuvage maison, on y trouve des bières réputées (brasseries Saint Germain, De Ranke, Thiriez…). Côté nourriture, l’offre est éclectique et savoureuse. Elle associe des planches de charcuterie, hot dogs et autres burgers aux pickles de Grégory Delassus et Willy Kedziora. Citons aussi les bo buns végétaux de Julien Magniez. En cette rentrée, l’oiseau rare accueille également des marchés de producteurs, de créateurs, des concerts… et autres envolées lyriques !

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Poésie et politique

Cette réalité traverse l’exposition, constituée de photographies, vidéos, installations, peintures… « Il n’y a pas de fil rouge. Nous n’avons pas nécessairement sélectionné des oeuvres engagées ». Celles-ci se distinguent par leur puissance plastique et poétique. Telle Fango d’Elizabeth Cerviño, sublime métaphore de la condition humaine, soit neuf statues conçues en argile. Arrosées durant l’accrochage, elles redeviendront progressivement de la boue, puis de la terre… D’autres artistes ne s’interdisent pas de critiquer leur société. Avec humour… et subtilité. À l’image de ce gigantesque portrait de Fidel Castro façonné par Yoan Capote avec des charnières de portes rouillées, les niveaux de lecture sont innombrables. Et c’est toute la richesse de cet art, « percutant, sans en avoir l’air ».

Leur part du gâteau

Citons aussi Occidente Con Esteroides, du collectif Stainless. Cette pièce prend la forme d’un gros gâteau coloré, semblant crouler sous son propre poids. Pourquoi ? « À Cuba, il n’y a pas de dessert, c’est donc un clin d’oeil à cette nourriture occidentale, cette opulence régnant à seulement 200 km » commente Justine Weulersse. Cette friandise monumentale est aussi couverte de langues, symbolisant la parole castriste : « Comme autant de couches de discours qui tiennent le pays. Cela en devient écœurant et tout s’effondre… ». Idem pour ces photographies d’Humberto Diaz. En montrant une série d’habitants poireautant sous des arrêts de bus, livre-t-il une simple métaphore de l’attente ? Epingle-t-il l’absence totale de liberté de circulation dans son pays ? Symbolise-t-il l’espoir d’un monde meilleur ? Si le départ de Raul signe la fin de l’ère Castro, personne n’est dupe : le régime, lui, perdure… « Mais ces artistes gardent une énergie et une foi inébranlable en leur pays. En l’avenir ». Une belle leçon de courage.

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De l’autre côté du miroir

Ce parcours promet aussi de « bousculer la pratique de l’exposition », notamment grâce à sa dimension participative. « Dès lors qu’on évoque la performance, on dépasse la simple contemplation pour impliquer le spectateur lui-même ». A l’image de Present Continuous Past(s), de Dan Graham. Datée de 1974, cette installation vidéo accueille le visiteur dans une pièce recouverte de miroirs… en le filmant à son insu. Passant dans une salle annexe lui est alors retransmise son image, mais décalée de # 78 quelques secondes. « Vous êtes à la fois acteur et témoin d’une expérience perceptive assez troublante, vous confrontant en direct à votre passé », s’enthousiasme Marcella Lista, la co-commissaire.

Double jeu

Second événement : Jeux, rituels et récréations, visible à la Gare Saint Sauveur. Nous voici cette fois plongés dans une pénombre illuminée par une ribambelle d’écrans. Le parcours n’est pas forcément ludique. Jouer, c’est s’amuser certes, mais aussi « s’extraire du monde réel », et sublimer la souffrance, comme le montre cette série de 16 vidéos réalisées par Francis Alÿs, intitulée Children’s games.  Depuis 1999, l’artiste belge filme les jeux que les enfants inventent dans l’espace public aux quatre coins du monde. Certains naissent sur des champs de bataille, à l’image de ces gamins se touchant avec les rayons du soleil projetés grâce à un miroir – rappelant les snipers – ou encore cette marelle captée dans un camp yézidi, en Irak…

Du fil à retordre « Jouer, c’est aussi apprendre les règles, la liberté et la contrainte, c’est un chemin initiatique nous menant vers l’âge adulte » rappelle Marcella Lista. C’est également une forme de contre-pouvoir, comme en témoignent les films de Cameron Jamie sur le “backyard wrestling”, soit du catch ultraviolent improvisé par des ados américains dans l’arrière-cour de leurs quartiers, comme un bras d’honneur à la société… Déambulant au milieu d’une vingtaine de créations, le visiteur se prend lui-même au jeu… et les pieds dans le tapis. Le sol est en effet recouvert de 6 000 kilomètres de fils de coton noir (teints à La Gorgue, dans le Nord de la France) prolongeant les poils d’un petit balai. Intitulé La Bruja – “la sorcière” –, ce vilain tour est signé du Brésilien Cildo Meireles – et s’apparente à une véritable… performance.

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Moataz Nasr, I’m Free © Galleria Continua,
San Gimignano, Beijing, Les Moulins, Habana

Histoire immédiate

Pour autant, il est beaucoup question de politique. Poussant les portes de “Saint So”, nous sommes accueillis par une installation monumentale. Signée par Moataz Nasr, représentant de l’Égypte à la Biennale de Venise en mai, celle-ci ressemble à une pyramide sur laquelle le public est invité à grimper. Arrivé au sommet, des ailes se déploient dans le dos du visiteur, mais aussi une inscription, « I’m free », en référence aux slogans de la révolution égyptienne. Tout aussi engagée, Crossings, de Leila Alaoui, tuée à Ouagadougou en 2016 lors de l’attaque du Cappuccino, relate le calvaire de migrants subsahariens, traversant la Méditerranée pour gagner une terre qu’ils imaginent meilleure. Mêlant témoignages réels et fiction, cette installation vidéo montre à quel point l’Europe persiste dans l’imaginaire africain comme un eldorado, une utopie toxique. La planète est devenue un village global où les chances de départ sont très aléatoires. Le Béninois Meschac Gaba réinterprète cette idée avec poésie. Sweetness se présente ainsi comme la maquette d’une ville rassemblant des monuments historiques du monde entier, tout en sucre. Pour l’occasion, l’artiste y a ajouté le Beffroi de Lille. Cette cité symbolise donc une société unifiée mais fragile. Celle-ci est bâtie avec une substance renvoyant aux heures sombres de l’Histoire : ce sont les esclaves africains, déracinés par les Portugais, qui s’échinèrent dans les plantations de sucre brésiliennes jusqu’à la fin du xixe siècle…

Ni thématique, ni chronologique (« j’ai horreur de ça »), ce parcours est avant tout conçu comme une déambulation, instaurant un dialogue entre les oeuvres. Pour exemple Calao, cette tenture du Malien Abdoulaye Konaté, qui montre l’oiseau sacré des Sénoufos chargé de transporter les âmes des défunts. Elle est placée en face des photos chamarrées du Marocain Hassan Hajjaj, magnifiant les vendeurs de Marrakech. « Voici deux déclinaisons sur le thème du voyage : l’un est spirituel, l’autre physique… commente Simon Njami. J’invite le spectateur à explorer des terres étrangères, pas à un cours de géographie ni d’histoire de l’art, il s’agit de se découvrir soi-même. Comme dans tous les voyages ».

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Posée en face de Walter, le lapin-baudruche « surgi du néant » de Dawn Ng, cette table de ping-pong circulaire imaginée par Lee Wen accueille bien plus de joueurs que d’ordinaire. Et redéfinit avec joie les règles ancestrales de ce sport olympique. Elle illustre parfaitement l’esprit d’Art Garden, conçu comme « une exposition familiale et interactive » selon les commissaires Naomi Wang et Nicole Tan. Elle dit aussi beaucoup de l’art contemporain singapourien : anticonformiste. « Il est très jeune, à l’image du pays, qui n’est indépendant que depuis 50 ans », explique Naomi Wang, qui le qualifie volontiers d’« underground ». Un peu à part dans la grande Asie, ce petit dragon qui porte 5 millions d’habitants a misé depuis peu, mais avec vigueur, sur l’art. Conviés par lille 3000 dans le cadre du festival Singapour en France, douze artistes issus de « la ville jardin » dévoilent ici sculptures, peintures, vidéos… Des oeuvres qui se caractérisent par des couleurs vives et ne semblent traversées par aucune influence ni nostalgie. étranges, telles les créatures mi-fruits mi-animaux de la street-artiste Sheryo, elles se tournent résolument vers le présent et le futur. Vivifiant.

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