Selon vous, qu’est-ce qui définit votre style ? Il est assez reconnaissable par l’usage de formes courbées, de couleurs vives et de textures brillantes. Avec le temps, j’ai cherché à simplifier mes compositions, en me concentrant sur l’impact visuel et sur des éléments graphiques plus forts et assumés.

D’où vous vient cet attrait ? J’ai toujours été attirée par les formes douces, les couleurs franches, les objets lisses ou brillants. Cela vient sûrement de mon amour pour le design mobilier Space Age et Memphis. Rien qu’en les regardant, on se sent bien.

Quel est votre objectif en accompagnant, avec ces formes et couleurs, les modèles qui peuplent vos créations ? Je vois ça comme une manière de compléter le corps, d’augmenter l’image. Ces formes accentuent une posture, un mouvement ou une émotion. C’est aussi une façon de créer une relation entre réel et virtuel. J’aime le mix des deux et la dimension surréaliste qui en découle.

Danse (c) Launorma

On observe qu’il y a aussi beaucoup de motifs floraux dans vos créations. Pourquoi ? C’est vrai, je suis un peu obsédée par les fleurs. C’est un motif que je décline depuis longtemps, sans m’en lasser. Il y a chez elles une infinité de formes, et ça me permet de jouer graphiquement tout en gardant un lien avec la nature. C’est aussi un symbole de liberté et de paix, deux notions qui me sont essentielles.

S’agit-il aussi, quelque part, de symboliser une certaine forme d’harmonie entre l’être humain et la nature ? En effet, et c’est une façon de montrer la beauté de la nature, en la glorifiant, en l’extrapolant.

Par ailleurs, vous souhaitez que vos créations soient « presque thérapeutiques », écrivez-vous. En quoi cela ? Je veux que ce soient des images ou des objets qui font du bien à regarder. Qu’ils soient joyeux, optimistes et surtout qui nous donnent envie de rêver. Comme du bonbon pour les yeux. Qu’ils égayent nos espaces physiques ou digitaux, en véhiculant des messages légers comme la paix, la liberté, la joie.

Plaisir d’offrir (c) Launorma

Concrètement, comment travaillez-vous ? Quel est votre processus créatif ? Je commence souvent par une photo ou un croquis, puis je compose en digital, en ajoutant petit à petit les formes, les couleurs, les textures. C’est un travail assez instinctif, je teste beaucoup de choses jusqu’à trouver un équilibre.

Prenez-vous vous-même les modèles en photo ? Parfois oui, mais la plupart du temps ce sont des images de photographes que j’aime beaucoup. Ensuite, je compose de façon assez libre, sans schéma fixe. Je me laisse guider par ce que le cliché dégage.

Plus généralement, quelles sont vos sources d’inspiration et vos influences artistiques ? Je suis influencée par le mouvement Memphis, le design des années 1970, les formes organiques dans le mobilier ou encore certaines esthétiques pop, psychés, ou naïves. Je m’inspire aussi beaucoup de la nature, surtout des fleurs, et de tout ce qui me fait une impression visuelle forte, même dans des choses du quotidien.

Quels sont vos projets ? Je souhaite implanter davantage mon travail dans le réel, dans l’espace physique. Par l’objet, des fresques, du décor. J’ai envie que les gens puissent s’immerger dans ma nature fantasmée. Je réfléchis donc à une exposition immersive autour de cette “supernature” avec la création de structures de différentes tailles. C’est mon rêve. Affaire à suivre…

Trois œuvres commentées

Orgy

Orgy (c) Launorma

« J’ai appelée cette œuvre Orgy, car toutes les formes semblent fusionner, se croiser, s’imbriquer. Il y a quelque chose de très vivant et de sensuel dans leur interaction. Ici, les fleurs sont presque personnifiées pour créer une image érotique, autour d’une nature luxuriante, vibrante et presque appétissante. C’est une image où je me suis amusée à laisser parler la forme et la matière, sans trop réfléchir au message. C’est surtout une question de sensations ».

Realities Theory

Realities Theory (c) Launorma

« Ce visuel fait partie de ma série Realities Theory, un projet sur la perception subjective de la réalité.
L’idée, c’est que chacun vit un peu dans son propre monde, avec ses filtres, ses émotions, ses projections. Même si on partage un espace commun, on ne perçoit pas les choses de la même manière. Dans cette image, le visage expressif est entouré de formes très lisses, brillantes, presque intrusives. Elles représentent ces “bulles personnelles de réalité” qui nous enveloppent, nous isolent parfois ou nous protègent. Elles ne sont ni bonnes ni mauvaises. Elles sont juste là, comme une couche en plus entre nous et le monde extérieur. Ce projet mélange des éléments très humains (comme des gestes, des regards) avec des formes numériques abstraites. J’aime explorer cette tension entre ce qui est réel et ce qui est fabriqué par le mental ».

Sexy Bouquet

Sexy Bouquet#1 (c) Launorma

« Ce bouquet une sculpture en résine que j’ai imaginée pour OFF/SCRIPT, en édition limitée (aujourd’hui sold out). Je l’ai appelé Sexy Bouquet car, même si c’est un objet très mignon et coloré au premier regard, il y a une intention un peu plus joueuse et suggestive derrière. Les fleurs ont des formes un peu exagérées, presque cartoonesques, avec des couleurs très franches. C’est kitsch, pop, et assumé. C’est aussi une manière de matérialiser mon univers digital dans un objet réel. J’adore cette idée de pouvoir faire exister mes fleurs en volume, de les rendre “touchables”. C’était une première collaboration en sculpture, et ça m’a donné très envie d’aller plus loin dans ce type de projets ».

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A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

Amanita Muscaria (c) Eglė Plytnikaitė

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Votre formation en architecture influence-t-elle la manière dont vous créez vos images ? La plupart du temps, je ne m’en rends pas compte, mais il est vrai que cela a eu un impact sur mon processus créatif. Non seulement, il m’est beaucoup plus facile de planifier des projets et d’y consacrer du temps, mais cela se reflète également dans la façon dont je trouve des concepts. L’architecture a rendu mon travail beaucoup plus fluide. J’ai un sens aigu de la composition grâce au travail avec les grilles et les proportions, et je consacre beaucoup d’efforts à la conception d’une esthétique visuelle uniforme dans mes œuvres.

Girl with a Rose (c) Andrei Nicolescu

Les formes géométriques jouent-elles un rôle important dans vos créations ? Si vous regardez en arrière, il y a quelques années, je dirais que c’est sans aucun doute le cas. Qu’il s’agisse d’illustration ou de typographie, il était évident que je pensais d’une manière très volumétrique et structurelle. Mais mon travail a évolué. De façon générale, j’aime le contraste entre les lignes et les formes géométriques simples et les touches organiques et expressives.

Le point commun de vos images est l’utilisation de couleurs vives. Pouvez-vous nous en dire plus ? C’est un style que j’ai développé au fil des ans, parce que j’aime cette part d’éclat dans l’art. Et puis je n’ai travaillé que dans le spectre RVB tout au long de ma carrière. Parfois, cela se retourne contre moi, car certains clients peuvent avoir des yeux plus sensibles.

Il y a aussi cet aspect “granuleux” offrant beaucoup de relief à vos images. Comment y parvenez-vous ? Il n’y a pas vraiment de processus particulier pour obtenir cet effet. J’ai commencé à chercher des artistes ou des illustrateurs qui adoptaient ce type de style, pour essayer d’inverser la façon dont ils obtenaient leur effet. J’ai découvert “mon” grain en jouant avec les options des calques dans Photoshop, puis j’ai créé le mien. J’aime utiliser cet aspect granuleux car il confère à l’œuvre plus de profondeur, et une touche personnelle. Je n’aime pas les effets trop lisses, je trouve cela artificiel.

Fashionista (c) Andrei Nicolescu

Où puisez-vous l’inspiration ? Je suis influencé par l’animation, la BD et les films en Technicolor. Je pense en particulier à l’esthétique de Wes Anderson. Actuellement, je suis fasciné par l’utilisation des couleurs dans les médias des années 1980. Je m’inspire aussi de la mode et du graphisme. L’architecture est également une référence constante pour les combinaisons de couleurs. Pour l’instant, je me concentre sur les BD et la peinture, car j’essaie de renouveler mes compétences en matière de composition. J’ai construit une bibliothèque d’images avant de découvrir Pinterest, où je répertorie maintenant de nouvelles influences.

Vos sujets sont très variés, mais semblent toujours le point de départ d’une histoire, n’est-ce pas ? Je n’ose pas dire que chaque pièce contient une histoire, mais la plupart du temps, il y a un élément de narration dans mon travail. La série Girls, Girls, Girls par exemple, couve une atmosphère mystérieuse. Il s’agit d’une évolution de mon travail depuis Faboulous Fashion, où je me concentrais sur le portrait et les silhouettes. Concernant le travail éditorial, j’essaie toujours de trouver un petit concept. Une image est un instantané, le noyau d’un récit que le lecteur doit découvrir…

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Vous venez d’une famille d’artistes, comptez notamment un grand-père peintre. Vous a-t-il initiée à son travail ? Effectivement, mon grand-père était artiste-peintre et professeur d’arts plastiques au collège, donc inutile de vous dire que j’ai eu droit à l’histoire de l’art en large et en travers, et surtout à son expertise implacable. Je lui ai rendu hommage, il y a quelques années, en lui organisant une exposition, car cela me tenait à cœur de le remercier.

Ariane est un pseudonyme, n’est-ce pas ? Oui, il provient de la mythologie grecque, l’histoire du fameux “fil d’Ariane” qui a permis à Thésée de retrouver son chemin dans le labyrinthe du Minotaure. C’est une sorte de fil conducteur. Mon grand-père fut le premier à porter ce pseudo, “Ariane”, puis ça a été au tour de mon père, animateur radio. C’est donc devenu une tradition familiale, et peut-être que mes enfants le porteront aussi, un jour.

Wanted (c) Annabelle Ariane

De façon générale, comment définiriez-vous votre travail ? Mon style est un dérivé du pop art. Au départ, j’ai commencé à travailler avec des formes simples, en vectoriel comme avec un pochoir, mais la technique s’est affinée avec le temps pour laisser place à plus de détails… Le vecteur est une technique qui ne me facilite pas la tâche pour ce style, mais c’est justement le challenge et j’aime ce rendu à l’aplat, sans flou ni dégradé, juste des couleurs vives et intenses.

Pourquoi vous concentrez-vous sur les portraits ? Parce qu’ils me permettent de personnifier et de transmettre des émotions. Je choisis d’ailleurs mes modèles en fonction de cela.

Certains de vos portraits sont poétiques, d’autres reprennent des codes plutôt 90’s… Qu’est-ce qui motive la création d’une image ? Je suis uniquement guidée par mes émotions. Mon compte Instagram représente mon “mood” du moment. Je suis parfois nostalgique, et m’inspire alors de classiques de la pop culture. Mais je peux aussi être onirique, poétique, avoir envie de peps ou de douceur… Je suis mes envies, pour ne pas tourner en rond.

Néanmoins, la pop culture semble être une de vos inspirations, n’est-ce pas ? Oui, ça a été un moteur lorsque j’ai commencé à dessiner. Je suis une vraie geek dans l’âme et forcément influencée par la pop culture, au sens large : cinéma, BD, séries, jeux vidéo…

Luminescence (c) Annabelle Ariane

On reconnaît d’ailleurs des personnages de films et de séries dans vos oeuvres.  Justement, quels sont vos films et séries cultes ? C’est sans doute un cliché, mais je suis une grande fan de Star Wars. D’ailleurs, dans tous mes dessins, il y a une référence à la reine Amidala et ses deux petits points sur les joues, c’est devenu ma signature. Au-delà du clin d’œil, ils traduisent aussi une inspiration asiatique, représentant le Yin et du Yang, l’équilibre de chaque chose. C’est une thématique assez récurrente dans mes projets.

Concrètement, comment créez-vous les images que vous présentez sur les réseaux sociaux ? Tout commence dans mes rêves, c’est vraiment là que je trouve la plupart de mes inspirations. Ensuite je retranscris l’idée avec un croquis. Je cherche alors des images, me photographie souvent pour trouver les bonnes postures, puis passe au tracé, réalisant d’abord des zones d’ombre et de lumière. Enfin, je me concentre sur la mise en couleur et peaufine les détails.

Avisée (c) Annabelle Ariane

Comment choisissez-vous vos couleurs ? C’est une grande partie de mon travail. Je change de palette tous les mois. Je les choisis en fonction du style et de l’humeur du moment. J’aime tester des textures différentes, ça me permet de faire évoluer mes dessins et de thématiser ma collection.

On remarque aussi un choix restreint de tonalités pour chaque image… Oui, je n’utilise pas plus de trois couleurs pour un dessin, avec leurs nuances. Je pense que c’est une déformation professionnelle issue de mon travail de graphiste. J’aime quand mes compositions sont épurées, ordonnées et qu’on ne s’éparpille pas.

Avez-vous déjà exposé votre travail ? Oui, dans ma région, mais je préfère que mon art soit accessible partout. Les réseaux sociaux restent ainsi ma principale galerie, ouverte sur le monde. De plus, depuis un certain temps, j’anime mes dessins, qui prennent vie sur le digital. Alors, pourquoi pas un jour monter une exposition avec des œuvres numériques en mouvement dans les cadres ?

Quelles sont vos envies aujourd’hui ? Je travaille beaucoup avec le milieu de l’édition et c’est ce qui me plaît le plus. J’ai réalisé des dessins pour une dizaine de livres cette année, mais aussi des affiches d’opéra en Italie, des illustrations animées pour la télévision (NBC), des pochettes d’albums pour des artistes à travers le monde, des créations pour Adobe, Vans… Bref, j’ai plein de projets et bien d’autres à venir.

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A LIRE AUSSI / L’INTERVIEW DE L’ARTISTE

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Des mises en scène loufoques, un style nonsense et une vocation que David Stewart doit un peu… aux Ramones et aux Clash. « Je ne les ai jamais rencontrés, je traînais simplement dans le public avec mon appareil, explique-t-il. A l’époque du punk, les groupes jouaient souvent sur de petites scènes. Ça me permettait de les photographier facilement. Je n’étais pas très doué, mais j’adorais le résultat, même s’il était mauvais. J’ai alors compris que je devais en faire mon métier. Cela a peut-être influencé mon style, quelque peu alternatif, comme cette musique ». Drôle, certes, David Stewart ne rigole toutefois pas avec la technique. Il travaille exclusivement avec des appareils argentiques, au grand angle : « Cela suppose une plus grande attention vis-à-vis du sujet, et vous oblige à suivre votre instinct ». En cela, il honnit le numérique « qui requiert moins de compétences et de réflexion. Les photographes qui se concentrent sur le traitement de l’image cachent souvent un manque de contenu… ». Et vlan !

A LIRE ICI : L’INTERVIEW DE DAVID STEWART

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