D’où vient ce surnom, “Three Koma” ? À côté de mon activité d’illustrateur je suis aussi batteur. J’ai été membre d’un groupe de rock durant quelques années et en avais dessiné le logo : un personnage avec sur la tête trois virgules – soit “comma” en anglais. Le groupe s’est arrêté mais j’aimais bien le logo, qui m’a donc inspiré ce nom.

Qu’est-ce qui caractérise votre style selon vous ? Il est assez moderne et coloré. Mes créations s’inspirent de la pop culture et de tout ce qui m’entoure, même les choses les plus simples de la vie quotidienne. L’idée de départ, c’était de rendre un objet banal un peu plus extraodrinaire. Au-delà du fait de transformer une lampe de bureau en station de bronzage, ce procédé peut aussi servir des sujets plus complexes, comme lorsque je travaille pour le journal Les Échos par exemple. C’est d’ailleurs pour cela que l’on fait appel à moi : pour le décalage et les images à double, voire à triple sens de lecture. Il faut qu’il s’y passe quelque chose, qu’elles mènent à la réflexion ou à la rêverie.

Cassette (c) Three Koma

Parmi vos créations, pourriez-vous en commenter une ? Il y a par exemple ce détournent de K7 audio. La bande magnétique m’évoque un tapis roulant perpétuellement sur lequel court un runner, soit une activité où, en général, on écoute de la musique, en l’occurrence ici avec un baladeur, à l’ancienne.

Il y a aussi cette poétique casquette-cage, d’où s’évade un oiseau… Oui, c’est la figuration de l’esprit humain qui s’envole, du lâcher-prise… mais après chacun voit les choses à sa façon !

Concrètement, comment travaillez-vous ? C’est assez simple. Je réalise un premier croquis sur la tablette graphique, un contour noir classique sur un fond blanc. Une fois satisfait du rendu j’effectue le passage en couleurs, recherchant la gamme adéquate, généralement des couleurs assez vives, très pop. Depuis ma première illustration, je travaille sur un fond uni, pour les réseaux sociaux, car ça fonctionne plutôt bien. Mais je réalise de plus en plus de paysages.

Plus généralement, quelles sont vos sources d’inspiration ? Au tout départ, mes principales influences étaient Shepard Fairey et Andy Warhol. J’aime beaucoup le pop art, des artistes comme Roy Lichtenstein par exemple, surtout pour l’utilisation des couleurs franches, des formes assez simples et des objets aussi.

Quels sont vos projets ? J’adorerais monter une exposition. Je réalise des couvertures de livres pour d’autres mais j’aimerais aussi sortir un recueil de mes illustrations.

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Vous vous présentez donc comme illustrateur… Oui, car je tire la majorité de mes revenus de cette activité, même si j’ai démarré cette carrière assez tardivement. J’ai commencé par le flat design, soit du design graphique axé sur les aplats de couleurs et le minimalisme, et petit à petit j’ai ressorti mes pinceaux et ma peinture acrylique.

Utilisez-vous davantage le digital ou la peinture ? Généralement le travail de commandes, pour des clients français ou étrangers comme Orange, Tissot, ou British Airways, est digital. En ce qui ce concerne les œuvres plus personnelles, je préfère les supports tangibles. Mais l’un nourrit l’autre. D’ailleurs, mon espace de travail est pour partie un bureau, pour partie un atelier. Je passe constamment de la position assise, face à mon ordinateur, à celle debout devant mes toiles.

De façon générale, comment présenteriez-vous votre travail ? J’aime les choses sobres, y compris chez les gens. Le dessin que vous avez choisi en couverture, Childhood, est un motif que j’ai produit sur toile et qui illustre bien mon approche minimaliste. Il synthétise également mes centres d’intérêt : les silences, l’intériorité, l’enfance. J’ai envie que chaque personne remplisse à sa façon les vides, les questions laissées sans réponse dans cette image.

Remue méninges (c) Jérôme Masi

Parmi notre sélection, certaines œuvres ont-elles une signification particulière ? Les trois hommes qui marchent figurent l’évolution, le changement, le fait d’avancer dans les étapes de la vie. La sérigraphie représentant un homme de dos, coiffé d’une casquette rose, frôle l’abstraction et questionne le fait d’être au pied du mur. Je l’ai baptisée Behind the Wall et l’ai récemment vendue aux enchères. Citons également cette création montrant deux personnages se passant une tête en forme de lune. Celle-ci illustre l’empathie, la communication, le fait de mieux comprendre l’autre. Plus généralement, il y a les casquettes, le ballon, qui ont aussi trait à l’enfance. Le rond est très présent dans mon travail, il permet d’attirer l’œil à un endroit de l’image. J’ai toujours voulu utiliser les aplats et je fonctionne par système de couleurs. J’en utilise rarement plus que trois, dont une plus foncée pour faire ressortir le reste. Tout est question d’équilibre, d’harmonie et de contraste.

Quelles seraient vos influences et vos sources d’inspiration ? Le Bauhaus en est une, mais je dirais que mon inspiration vient surtout de l’enfance. Je me permets des choses à mon âge (45 ans) que je ne m’autorisais pas avant. Je traite de sujets plus profonds.

J’ai lu que vous puisiez votre inspiration dans l’architecture, mais aussi la culture pop des années 1980… Je ne sais pas si c’est très visible dans mes illustrations, mais je suis un enfant des années 1980. J’aime les vieux objets de cette époque qui sont liés à l’enfance, j’en ai pas mal chez moi, tout cela m’inspire. Et j’ai toujours aimé la culture urbaine, avec un peu de poésie.

Childhood (c) Jérôme Masi

Si vous n’aviez pas été illustrateur, quel métier auriez-vous aimé exercer ? Musicien, certainement. Ou quelque chose d’artistique… En tout cas un métier qui ne paraît pas en être un. On n’est pas obligé de s’enfermer dans une case !

C’est ce vous apprenez à vos trois enfants ? Oui, j’essaie de cultiver chez eux ce qui leur amènera la liberté. La grande chance que j’ai aujourd’hui, c’est d’être libre : de mettre de l’énergie, de l’envie, de la passion dans tout ce que je fais.

Quels sont vos projets ? Je viens de terminer une exposition collective à Taïwan, et j’en ai une autre qui démarre en avril à Hangzhou, en Chine. Au cours de l’année, je devrais aussi travailler avec la marque Perrier.

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Quel fut donc votre parti pris ? Je suis tombé par hasard sur ce petit plan d’un château de plaisance de Souleymanieh, construit en 1840 pour Fath Ali Shah. Ce dessin de l’architecte français Pascal Coste, au graphisme abstrait, rappelant Paul Klee, me plaisait beaucoup. Je me suis appuyé sur ce document pour créer un parcours semblable à une ville imaginaire ou un palais.

Comment avez-vous organisé les salles ? J’ai simplifié la circulation : chaque espace présente un thème spécifique, signalé par une couleur renvoyant aux œuvres accrochées comme le rouge, l’ocre… Les murs sont également ornés de soieries, comme dans les palais persans de l’époque, et les salles sont reliées par des rues recouvertes de moquette aux imprimés typiques de l’Iran médiéval.

Empire-des-roses-©-Laurent-Lamacz

Qu’en est-il de l’entrée de l’exposition ? On pénètre par une grande porte formée de trois arcades. Je l’ai composée à partir d’une toile de Jules Laurens, représentant les ruines du palais d’Ashraf. J’ai choisi un “bleu paon”, emblématique de cette civilisation. Il s’agissait de marquer ce passage vers un autre monde, car cette exposition est un voyage spatio-temporel.

Quand avez-vous découvert les Qajars ? Mon intérêt pour cette dynastie est inconscient, il remonte à l’enfance, à un livre qui m’a beaucoup impressionné : Les Mille et une nuits. L’illustrateur s’était nourri des peintures persanes, cela me faisait peur et en même temps j’étais fasciné par cet art de l’ornementation… Assez timide et solitaire, j’ai grandi très heureux à Arles. Mais je ressentais ce besoin d’évasion vers l’inconnu, débordant la vie quotidienne. Il fallait à tout prix échapper à l’ennui. Ce livre a comblé ce vide.

Empire-des-roses-©-Laurent-Lamacz

En quoi l’art qajar vous intéresse-t-il ? Cette culture affiche clairement son pouvoir. Mais derrière cette attitude martiale, impérialiste, on distingue quelque chose de raffiné, presque féminin. à tous points de vue, on se situe entre deux mondes. Je suis aussi fasciné par cette ornementation phénoménale : la surenchère de bijoux, d’étoffes, de broderies… Cette opulence est aussi propre à celle du Second Empire, qui m’a tellement inspiré.

Plus généralement, puisez-vous dans le passé pour habiller le présent ? Dans le passé mais aussi l’ailleurs, l’exotisme. Aujourd’hui encore, je procède par collages. Je me souviens d’un jeu d’enfant, constitué d’une cinquantaine de visages, de troncs, de jambes. J’en possédais une version reposant sur des tableaux célèbres : il y avait des visages de Modigliani, des corsages de Van Gogh et des jambes de Rembrandt. Ce fut une révélation…

Que voudriez-vous que le visiteur retienne de cette exposition ? Elle est joliment didactique. Par les temps qui courent, ce n’est pas mal de regarder le monde musulman autrement, car les pièces présentées ici, iconoclastes, sont des choses que certains voudraient détruire. Cet événement marque aussi un retour à des relations normalisées entre la France et l’Iran, qui a prêté des pièces jamais sorties du pays.

Comment cette collaboration avec le Louvre-Lens est-elle née ? Marie Lavandier (ndlr : la directrice) m’a contacté pour cet accrochage. J’étais très impressionné. D’une part je connaissais mal la dynastie des Qajars, et puis je n’avais jamais visité le Louvre-Lens. Ce fut un coup de foudre : que la culture rayonne sur ce territoire, avec ce respect pour le paysage, le passé… à chaque fois que je vois cet aluminium reflétant le ciel, je suis bouleversé. Enfin, c’est un retour aux sources pour moi, on est toujours rattrapé par son destin….

Joueur de setar, Iran, vers 1830-1840, Huile sur toile
Paris, Bibliothèque universitaire des langues et civilisations
orientales © INALCO / Philippe Fuzeau

Pourquoi ? J’ai été élève à l’Ecole du Louvre, entre 1973 et 1977, me destinant d’abord à une carrière de conservateur de musée. A ce moment-là je me posais des questions, j’étais un peu là pour faire plaisir à mes parents. En réalité, j’avais envie de dessiner, créer. J’étais intéressé par la scénographie de théâtre, les costumes. Et puis, les musées à l’époque ne ressemblaient pas au Louvre d’aujourd’hui. Il n’y avait que la poussière, pas forcément un rêve quand on a 18 ans…

Justement, comment êtes-vous devenu couturier ? Adolescent, j’étais passionné par l’histoire du costume. J’ai donc essayé d’entrer dans une école spécifique, alors située rue Blanche à Paris, mais sans succès. Par contre des amis à qui j’avais montré mes créations m’ont très tôt encouragé. C’était les années 1980, les choses étaient plus extravagantes, avec tous ces clubs et boîtes de nuit !

C’est-à-dire ? On s’habillait pour jouer un rôle, on était en “monstration” jusque dans les années 1990 où est apparu le minimalisme – je n’aurais d’ailleurs pas percé à ce moment-là. Bref, en 1978, j’ai présenté mon dossier chez Hermès qui m’a accueilli comme stagiaire avant de devenir directeur artistique deux ans après ! A l’époque, tout allait très vite, même sans notion de couture. J’ai rejoint la maison de Jean Patou, où rien n’avait changé depuis les années 1930… On concevait des vêtements pour des clientes prestigieuses, des pièces créées exclusivement pour elles et tout cela sans tambours ni trompettes. Aujourd’hui, la haute-couture déroule des tapis rouges, exhibe des célébrités, paye des gens pour porter les vêtements… à l’époque c’est nous qui faisions payer les clientes !

Regardez-vous cette période avec nostalgie ? La haute-couture ne ressemble plus à ce qu’elle était, donc je ne la regrette pas. Elle m’a permis de travailler pour le théâtre et des institutions comme l’Opéra Comique, l’Opéra Bastille, l’Opéra Garnier, La Comédie-Française, où je collabore la plupart du temps avec Denis Podalydès. En mai, je crée Le Triomphe d’amour avec lui, à la Maison de la Culture d’Amiens. Depuis Cyrano, on ne fait rien sans l’autre. Mes premières scénographies datent de 2008. Cela fait un an que je construis des décors, par exemple pour Songe d’une nuit d’été à l’Opéra Bastille. Et puis, on le sait peu, mais ces établissements sont de véritables maisons de couture, elles possèdent des ateliers plus conséquents encore :  on y crée des chaussures, de la lingerie, des costumes d’époque…  c’est un rêve d’enfant !

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Féminité

Au-delà de leur caractère spectaculaire, les créations de la Portugaise sont surtout empreintes de féminisme. Comme Annette Messager ou Louise Bourgeois, Joana Vasconcelos sublime des matériaux traditionnellement dévolus au sexe dit faible. « Elle est issue d’un pays méditerranéen assez machiste, où la femme et ses aiguilles sont souvent reléguées dans les cuisines, explique Constantin Chariot, le directeur de la galerie. Elle se saisit ainsi de ces travaux jugés mineurs pour les élever au rang de grand art ». Propulsant la féminité sur un piédestal exubérant.

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