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©Thierry Girard Le Monde d’après

Balade sauvage

Adepte à ses débuts du noir et blanc et du Leica, aussi à l’aise en “street photography” que pour saisir les panoramas, Thierry Girard a changé d’appareil et opté pour la couleur en 1997. Il choisit la chambre moyen format lors d’un périple japonais sur les traces du maître de l’estampe Utagawa Hiroshige pour réinterpréter les fameuses 53 stations du Tokaido*. « J’avais le souci du détail car je m’intéressais surtout au paysage », se souvient-il. Elaborés en amont, ses projets évoquent souvent la littérature : les Ardennes vues par Rimbaud, les missions chinoises de Victor Segalen… En revanche, son approche reste la même. Il s’agit de s’imprégner d’un territoire et de fournir un effort pour le comprendre.

©Thierry Girard Le Monde d’après

Bonne mine

Le Nantais a arpenté le Nord de la France à la fin des années 1970, d’abord pour un reportage sur les colombophiles. Il y reviendra régulièrement, focalisant sur le bassin minier dont il pressent la fin. En noir et blanc, ses clichés captent tout autant les reliefs des terrils, le démantèlement des chevalements que le dénuement social et les habitudes des familles de mineurs (corons décatis, estaminets…). Certaines donnent l’impression d’avoir été prises dans les années 1960 (tenues vestimentaires, ambiances…), et toutes signalent l’emprise de la mono-industrie sur les corps et le cantonnement de la population dans l’habitat minier, sous la domination tellurique des terrils. Le contraste est saisissant avec les photos couleurs prises en 2017 et 2018, et c’est tout l’intérêt de cette série présentée dans une ancienne maison d’ingénieur des mines.

Montigny-en-Ostrevent (59), avril 2017, buvette du club colombophile.

Mutations

« C’est un regard pertinent sur le territoire, parce qu’il est extérieur et réalisé avec un intervalle de temps suffisant pour en révéler les transformations », analyse Isabelle Mauchin, responsable de la Cité des Electriciens. Plus posées et frontales, ses images en couleur marquent les profondes mutations de cette région lors des dernières décennies. « Elles soulignent en effet la colorisation du monde par rapport à la minéralité du noir et blanc », précise Thierry Girard. Ainsi les sombres terrils sont devenus des terrains de jeux verdoyants avec des lacs où se baigner, les centres commerciaux ont fleuri avec leur signalétique criarde tandis que les boutiques de centre-ville ont baissé le rideau. Les habitats rénovés s’ouvrent sur l’extérieur, la population a rajeuni et les traditions comme les jeux de bourle ou de billon sont menacées… Autrement dit, c’est Le Monde d’après, titre de l’exposition et du livre. Après la mine, bien sûr, « mais aussi 30 ans de crise qui ont suivi ». Le contraste, toujours…

* Les 53 stations du Tokaido : série d’estampes japonaises créées par Hiroshige après son premier voyage empruntant la route du Tōkaidō en 1832. Celle-ci relie la capitale du shogun, Edo, à la capitale impériale, Kyoto, est l’axe principal du Japon de l’époque.

 A LIRE AUSSI : LA CITE DES ELECTRICIENS

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    A LIRE AUSSI : THIERRY GIRARD, LE MONDE D’APRES

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Monde englouti

Cette beauté rouillée – et ceinturée d’un joli poumon vert – attire nombre de visiteurs : des fans d’urbex, mais aussi des jeunes branchés. Depuis 2009, le « Charleroi Adventure » de Nicolas Buissart invite en effet les amateurs de « frissons » à un safari urbain décalé. Surfant avec humour sur les clichés, cet artiste carolo propose un circuit saugrenu au coeur du « monde industriel désaffecté », faisant visiter « la rue la plus déprimante de Belgique », « le métro fantôme », des usines abandonnées… « C’est de l’art-tourisme », explique le trentenaire, parfois mal compris. Cette balade dans les décombres nous rappelle surtout que Charleroi fut, jusqu’à la fin du XIXe siècle, « la ville la plus riche de toute l’Europe, juste derrière Londres », selon André Lierneux, historien et créateur du « Carolo Bus Tour ». Charbon, sidérurgie, mais aussi production de verre plat firent sa prospérité. Hélas, les deux grandes guerres en ont eu raison. à l’orée des années 1980, la récession économique fut brutale et « Charleroi s’est effondrée en deux générations », souffle A. Lierneux.

Faire son trou

La cité carolo compte encore quelques fleurons, dans la vieille industrie, mais aussi la nouvelle. Tel l’Aéropôle, situé à côté de l’aéroport, qui emploie aujourd’hui environ 4 000 personnes et fait figure de tête de pont dans les biotechnologies, l’aéronautique… Suffisant, pour que Charleroi renoue avec sa gloire passée ? Envahie de grues et de pelleteuses, elle vit en tout cas un lifting pharaonique, et séduit à nouveau les investisseurs. Le chantier le plus impressionnant concerne la ville basse, creusée en son coeur par un énorme gouffre, qui doit accueillir en novembre 2016 le projet Rive Gauche, un mastodonte commercial de 35 000 m2. « L’idée, c’est de repeupler le centre ». D’ici 2020, quelque 17 autres projets, concernant cette fois la ville haute (création d’un palais des Congrès, rénovation du palais des expos, etc.), verront le jour.

Ville d’arts

La culture a également un rôle majeur à jouer dans la cité de Spirou et Fantasio (Charleroi reste le berceau des éditions Dupuis). Le socialiste Paul Magnette, élu bourgmestre en 2013, mise énormément sur ce secteur. « C’est même devenu un axe de développement », s’enthousiasme Pascal Verhulst. Il faut dire que l’offre est déjà bien fournie. Entre Charleroi Danses, le BPS22, le Vecteur, le théâtre de l’Ancre ou le Rockerill, temple de la musique underground installé au coeur d’anciennes forges, l’art – classique ou alternatif – est ici à l’honneur. Et le sera d’autant plus avec la rénovation du Palais des beaux-arts ou l’ouverture, cet automne, du Quai 10, un centre dédié aux jeux vidéo, arts numériques et au cinéma, situé sur les bords rénovés de la Sambre, qui offrent désormais une belle promenade. « C’est une ville qui se relève, et retrouve une ambition… », termine Pascal Verhulst. Le temps nous dira si elle a eu raison d’y croire.

Hot Spots

Le Bois du Cazier

Quelque 35 000 visiteurs s’y rendent chaque année. Théâtre de la catastrophe du 8 août 1956, qui vit la mort de 262 hommes, cet ancien charbonnage désormais classé au patrimoine mondial de l’Unesco offre un témoignage de la prospérité industrielle (charbon, fer et verre) passée de Charleroi.

80 rue du Cazier, Marcinelle, www.leboisducazier.be

Le Palais des beaux-arts

Atrium Palais des beaux-arts © Pierre Bolle

C’est l’un des bâtiments phares de la ville, mêlant l’ancien au moderne. Erigé en 1957, il jouit notamment d’une grande salle d’une capacité de 1 800 places et accueille à la fois des concerts, du théâtre, de la danse… Un outil complet qui peut compter sur un espace dédié au théâtre contemporain (le Hangar).

1 Place du Manège, www.pba.be

Charleroi Danses

Institution de référence dans le domaine de la création contemporaine (en Belgique et à l’international), Charleroi Danses inaugure de nouveaux studios en septembre. Idéal pour organiser la prochaine biennale qui accueille une quinzaine de productions soulevant la question de la jeunesse et du renouveau artistique.

Boulevard Mayence, www.charleroi-danses.be

Le Vecteur

Pépinière de talents, le Vecteur est un lieu de résidence et de création alternative (arts plastiques et numériques, littérature, musique, cinéma… les Dirty Monitor, rois du Mapping, y ont élu domicile). Cette plateforme d’échanges engendre spectacles et performances à découvrir dans une intime salle de 150 places.

30 rue de Marcinelle, vecteur.be

Le Théâtre de l’Ancre

Soirée Théâtre de l’Ancre sous le ring

A la fois tremplin pour la scène locale et salle reconnue à l’étranger pour la qualité de sa programmation, ce théâtre convivial satisfait toutes les curiosités. Les créations de L’Ancre rencontrent un large succès public et critique à l’image de Nés Poumon Noir ou Les Villes tentaculaires.

122 rue de Montigny, www.ancre.be

A lire aussi :

Musée de la photographie

Interview de Fabrice Lig

Le BPS22

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D’où vient-il ?
Il est fils de maçon, donc issu d’un milieu ouvrier. Il a toujours considéré que cette identité familiale et prolétaire faisait partie de son identitié globale. Il est toujours resté fidèle à ses origines, et a longtemps représenté le peuple dans ses œuvres.

Il expose pour la première fois en 1936. Avait-il suivi une formation artistique ?
Il est dessinateur textile de formation, mais est devenu ouvrier métallurgiste. En revanche, il suite des cours du soir. C’est un apprentissage en autodidacte, très lié aux premières maisons de la culture. Les premières sont nées à Paris, dans les milieux populaires, durant les années 30. Dans ces cours, il rencontre sa future épouse, et de nombreux artistes tels Edouard Pignon, animateur du Groupe des Indélicats. On y retrouve de nombreux peintres d’obédience anarcho-syndicaliste, et Fougeron les rejoint.

1936, c’est également la Guerre d’Espagne. Fougeron rejoint-il les Brigades Internationales ?
Non, mais de 1936 à 1938, son inspiration est très lié à ces événements. En 1938, le peintre adhère au Parti Communiste Français. Il y restera toute sa vie. Prisonnier durant la Seconde Guerre Mondiale, il rentre à Paris et transforme son atelier imprimerie clandestine. Une bonne partie de la presse communiste sera éditée jusqu’à la Libération. Et en 1945, il est chargé de l’épuration dans le milieu des Beaux-Arts.

Il avait également été affichiste…
Oui. À la fin des années 40, il est créateur officiel des affiches du PCF et de la CGT. Bien qu’il résiste à la tentation du réalisme photographique, ses dessins préparatoires sont très académiques. Ainsi Jacques-Louis David fut une inspiration avec l’Hommage à André Houllier (1949).

Quelle est l’histoire de cet hommage ?
Fougeron avait signé une affiche contre la course aux armements. Or, Houillet était un colleur d’affiche qui fut abattu par un policier en civil. Ce fut un drame personnel pour Fougeron, qui s’estimait responsable, puisque c’était son affiche que Houillet collait. Pour l’enterrement de ce militant, Louis Aragon lui demande un tableau, qui fut exposé au Salon d’Automne 1952, puis offert à Staline. Il est désormais visible au musée Pouchkine à Moscou.

Par rapport au PCF, Fougeron était-il un bon petit soldat ?
On a souvent vu en lui un tâcheron du PCF, mais c’était quelqu’un de très cultivé, raffiné, qui avait une curiosité de tous les instants. Et il possédait également une vraie force morale. Son engagement militant est véritablement né dans la résistance. Il était convaincu bien fondé de son engagement et faisait preuve de rigueur et de fidélité. À l’époque, la question du stalinisme ne se posait pas de la même manière qu’aujourd’hui. Pour beaucoup, Staline, c’était la victoire de Stalingrad et la victoire sur le nazisme. Il faudra attendre 1953 et le décès du dictateur pour que certains prennent leur distances.

Mais il y eut cette anecdote concernant un portrait de Staline par Picasso…
Le débat était faussé. Fougeron avait décidé que Picasso illustrerait la Une des Lettres Françaises (ndlr. supplément littéraire de l’Humanité) à la mort de Staline. Or, le dessin de Picasso n’a pas du tout plu aux autorités communistes. Dans une lettre à la rédaction, Fougeron expliquait ce dessin n’était effectivement pas adapté pour rendre hommage à Staline. Or, cette lettre fut publiée contre sa volonté, car il représentait, de par son statut, une alternative à Picasso.
(ndlr.Pour en savoir plus)

Au-delà du politique, le style évolue-t-il de 1936 à 1953 ?
Oui, c’est une période particulièrement riche : après l’expressionnisme et les recherches para-surréalistes de la fin des années 30, Fougeron rencontre Jacques Villon, et s’intéresse à la défractionnisation de la couleur et de la lumière. Du mitan des années 30 à celui des années 40,
il s’intéresse à l’intimité, à la vie de famille… Plus tard, il portera un regard critique sur cette période, qui représente une parenthèse dans son parcours de peintre engagé. En 1946, il obtient le Prix National.

De quoi s’agit-il ?
En fait, c’est le remplacement du Prix de Rome, qui fut entaché par la Collaboration. Ce prix lui offre une bourse de voyage en Italie. Début 47, Fougeron effectue un long voyage en Italie et visite des sites historiques, des musées, des églises… Il se passionne pour le peuple italien et les petits laitiers. Il signe d’ailleurs une série de grandes gouaches de femmes portant des oranges, des artichauts, qui vendent des poissons…  Des Cariatides représentant le peuple.

Et au Salon d’automne 1948, il crée le scandale…
Oui, le tableau  Les Parisiennes au Marché choque la critique bourgeoise, car elle représente la population ouvrière sans aucun effet décoratif. L’avant-garde rejette également ses œuvres, car elle préfère la peinture abstraite. C’est pour Fougeron un pas de plus vers la Nouvelle Objectivité et   Nouveau Réalisme Français.

Serait-ce l’équivalent hexagonal du Réalisme Socialiste ?
Pas du tout. Le Réalisme Socialiste représente un âge d’or à venir, une société parfaite, en accord avec le régime. Or, Fougeron décrit les conditions de vie des gens de la façon la plus réaliste possible. Par exemple, en 1950, il est invité dans le bassin minier pour peindre un cycle à la gloire du pays des mines. C’est une vraie commande politique de la part d’Auguste Lecœur (ndlr. 1911-1992, il faillit succéder à Maurice Thorez, mais fut battu sur le fil par Jacques Duclos), qui donna lieu à une publication préfacée par Lecœur mettant sur le même plan les chiffres de la production du charbon, la mémoire des luttes ouvrières du bassin minier et la peinture de Fougeron. Et ce dernier présente ses tableaux à la Galerie Bernheim-Jeune, située dans le VIII° arrondissement de Paris. C’est une galerie très, très bourgeoise, et cette exposition scandalise les visiteurs traditionnels.

N’étaient-ils pas séduits par l’exotisme potentiel de ce sujet ?
Non. Ces tableaux sont extrêmement durs : on y voit des personnages transformés en robots, ou des écorchés symbolisant les difficultés respiratoires des mineurs, un autre a les jambes coupées…

C’est proche des expressionnistes allemands comme Otto Dix ou George Grosz.
Oui, mais la véritable origine de sa peinture, ce sont les Naturalistes français du XIXème siècle. Pas Millet, dont les formats sont trop petits, mais Lepage et surtout Courbet auquel il rendra un hommage, la Suite Courbet, durant les années 70.

Il a continué durant les années 80 et 90…
Oui. Il a peint à propos des guerres de décolonisation (l’Algérie, le Viet-Nâm…). Mais aussi sur le massacre de Charonne, la faim dans le monde, l’Apartheid. Je crois que c’est le seul artiste a avoir peint sur la Première Guerre du Golfe.

Comment se fait-il qu’il demeure si méconnu ?
Eh bien, de nombreux musées possèdent ses œuvres, mais il y a très peu d’expositions. Bernard Cesson, directeur du Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne, a beaucoup défendu et acquis ses œuvres. L’état en a un peu acheté à la fin des années 40, puis s’en est désintéressé. Aujourd’hui, certaines pièces demeurent au Musée Pouchhkine de Moscou, d’autres à la Tate Modern de Londres. Pourtant, il ne faut pas oublier que Fougeron est un père fondateur de la figuration narrative : Bernard Rancillac ou Télémaque sont des enfants de Fougeron.

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