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Les toiles filantes

Armés d’une grande toile blanche et de seaux de peinture, Ella Besnaïnou et Loïc Niwa peignent en direct une oeuvre qui, à tout instant, semble sur le point de dépasser ses créateurs. L’indomptable couple accumule les frasques joyeuses, les accidents calculés et les morceaux de poésie durant près d’une heure. Il invite aussi les fameux personnages en contours noirs qui l’ont révélé dans le monde entier. Tout cela au service d’une réflexion sur le processus de création – qui pourrait, surprise, être aussi réjouissant que l’oeuvre finie. Cerise sur le seau : les ”papiers peintres” ont prévu de laisser des traces de leur passage dans le théâtre, à l’extérieur et surtout dans nos mémoires.

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Êtes-vous en train d’amorcer une série avec ce type de format ? Oui, car il traduit un questionnement artistique omniprésent, deux choses qui me sont chères : le dessin et le muralisme. J’ai une double culture : muséale avec la peinture contemporaine, et urbaine. Il y a aussi la question de l’étrange dans l’ordinaire. Finalement, j’invite le public à regarder des choses assez simples, évoquant l’énigme du vivant. C’est un sujet que je cuisinais déjà à travers d’autres médias. J’ai photographié beaucoup de gens dans la rue. Là, avec la peinture, j’ai la liberté de tout recréer.

Dada, acrylique sur toile, 60x73cm © André

Que vous a apporté la photographie ? Avec la vie professionnelle, il y a eu une période où je dessinais moins et où je ne pratiquais plus, en tout cas dans la rue. Mais je ne reste pas longtemps sans créer. J’ai alors découvert la photo, qui m’a appris à composer une image. Puis rapidement s’est posée la question du sujet, qui répondait à ma sensibilité : des environnements urbains, une sorte de poésie de l’ordinaire…

Est-ce en relation avec le métier d’éducateur que vous exerciez alors ? Il y a une sensibilité à la justice sociale, forcément. Je voyais ma pratique de la photo de rue comme un témoignage de gens qui me touchaient, des situations très simples de la vie quotidienne.

La photographie constitue-t-elle la matière de vos peintures ? La production de mes toiles n’est pas forcément liée à une photo que j’ai prise. C’est un sujet qui me travaille, je ne sais pas si cela deviendra plus important ou pas. Je suis en questionnement perpétuel, cette matière peut prendre plus ou moins d’épaisseur. Ces derniers mois, je travaille davantage la peinture pure.

L’ Olivier, acrylique sur toile, 73x60cm © Adré

Quels sont vos sujets ? Ma peinture doit être l’image de nos parcours, de nos existences, de notre condition d’humain, rien n’est rectiligne. La beauté se trouve dans des détours, des aspérités. Selon ce principe, j’essaie de peindre en laissant apparaître des accidents, en laissant quelque chose d’un peu sinueux, volontairement.

Souhaitez-vous lier des aspects à la fois rationnels et inconscients ? Je veux que la forme rejoigne le fond. Ça peut parfois être très dense ou beaucoup plus vide, puissant ou beaucoup plus doux. Métaphoriquement, c’est à l’image de nos existences, avec sa fragilité, ses contrastes…

Comment définiriez-vous votre style ? Je ne le définirais pas du tout ! Je ne veux pas m’enfermer. Mon art est en perpétuel mouvement, je laisse faire. Il y a une sorte d’errance dans ma pratique et ça me plaît de me promener. Je suis parfois spectateur de tout ça, de cette surprise, cette évolution, de la façon dont mes influences ressortent. J’ose espérer que l’assiduité produise une sorte de singularité…

© Adré

Que cherchez-vous à véhiculer à travers votre art ? Une forme de sensibilité au monde. Partager une passion pour la peinture et l’histoire de l’art. Et aussi une forme d’humanisme, une sensibilité aux gens, à la tolérance, à la fragilité. Je peins des humains ou du vivant en général, avec toutes ses variations, au même titre que ce que je photographiais auparavant. Il y a le côté implacable de l’éphémère. La beauté de la simplicité. Je me décris comme un contemplatif !

Rendez-vous aussi hommage à différents courants de l’histoire de l’art ? Je suis sans cesse traversé par ces influences, des impressionnistes aux expressionnistes, en passant par les cubistes, les surréalistes… Je m’imprègne aussi de peinture abstraite, sans abandonner la figuration, et je me rends compte à quel point elle est riche de rythmes, de variations.

La mythologie vous inspire également beaucoup, n’est-ce pas ? C’est vrai, mais c’est aussi un prétexte, parce qu’elle permet de dessiner des choses extraordinaires. De me replonger dans des sujets, de lire, de nourrir ma curiosité aussi.

Vos toiles font aussi allusion à des peintres comme Matisse, Picasso ou Botero. Cet exercice de relecture, de restitution, est-il important pour vous ? Oui, c’est une étape indispensable, traduisant une attirance plastique pour ces peintres-là. En même temps, ça renvoie aussi à une partie de mon enfance. Mon père, qui est un artiste confidentiel, m’a transmis cette passion.

Apollon et Daphné, acrylique et fusain sur toile, 61×50 cm, Adré © Selina Aït Karroum

Quand avez-vous développé une pratique artistique plus assidue ? En 2017, je réalisais des collages de papier dans la rue. La pratique avait beau être urbaine, ce n’était pas du tout la même que le graffiti : plus figuratif, très photographique. Je dessinais des personnages plus réalistes. Pour moi la case “street art” ou “dessin” ne se pose pas. C’est d’ailleurs à ce moment-là que j’ai choisi le pseudo Adré, comme un pont entre mes cultures urbaines et mon prénom. Cette activité m’a remis le pied à l’étrier, jusqu’à exposer…

Vous étiez encore éducateur à ce moment-là ? Non, généalogiste successoral ! D’abord dans une petite entreprise lilloise familiale, pendant six ou sept ans. Quand la boîte a fermé, je me suis adressé à des cabinets parisiens. Puis j’ai décidé d’arrêter, me demandant ce que j’allais faire de ma vie. C’est en fréquentant d’autres artistes que je me suis lancé, en 2020. Je me suis installé en atelier, arrêtant de pousser les murs chez moi pour peindre ! Tout est parti de la conviction, de l’insouciance, de l’inconscience, mais avec au fond l’impression d’être à ma place. Aujourd’hui, les trois principales sources de mon activité, ce sont la vente de toiles, les commandes de fresques (dans des espaces de coworking, pour des collectivités territoriales, des commanditaires aussi bien publics que privés) et l’animation d’ateliers pédagogiques. Désormais j’ai davantage une pratique d’atelier qu’urbaine.

Cela vous manque-t-il ? Parfois. Pour nourrir des questionnements artistiques, je vais aller “faire un mur”, juste pour moi. Il y a aussi cette question du geste : il n’est pas du tout le même sur l’espace restreint qu’est la toile. Mais j’aime le travail dans l’atelier. Bref, la double culture !

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Qui sont vos clients ? Des maisons d’édition, j’élabore des couvertures pour Grasset notamment. J’ai par exemple illustré le dernier roman de Laetitia Colombani, Les Victorieuses. Je collabore aussi avec des magazines, comme Elle ou Grazia, ou des marques de mode tel Le Mont Saint Michel.

Comment définiriez-vous votre style ? Je travaille souvent avec de la peinture à l’huile très diluée, offrant beaucoup de nuances légères et semblant presque de l’aquarelle. J’aime la texture de cette matière, les accidents en découlant et surtout révéler le geste, les traits du pinceau.

©Annabel Briens

Vous utilisez aussi une palette de couleurs assez limitée, et laissez beaucoup de place au blanc, n’est-ce pas ? Oui, je recherche l’épure et tente de garder l’essentiel, de simplifier au maximum la composition, c’est la chose la plus difficile à obtenir ! Le vide laisse ainsi beaucoup de place au regardeur. Il lui permet de finir l’image lui-même. J’adore cet aspect “inachevé”.

Quels sont vos sujets de prédilection ? Durant des années, je n’ai quasiment réalisé que des portraits, et puis à force d’exercice je me suis rendue compte que je pouvais dessiner d’autres choses. Depuis deux ou trois ans, je m’intéresse aussi à l’architecture et aux scènes d’intérieur, au mobilier…

©Annabel Briens

Quelles seraient vos influences ? On ne peut s’empêcher de penser à David Hockney… Oui, c’est un de mes artistes préférés, tout comme Matisse que j’ai découvert ado. Il reste ma plus grande influence.

Lui aussi avait une utilisation particulière du blanc… Oui, je suis aussi fascinée par ses formes et couleurs, et puis sa manière de peindre, toutes ces couches qu’il laisse. On remarque toujours la peinture en dessous, elle ressort de ses toiles. Quand je regarde un tableau, j’aime voir le geste du peintre, et penser au moment où il l’a effectué.

Pourriez-vous commenter une de vos œuvres ? Le bouquet de tulipes jaunes est un clin d’œil à David Hockney, mais aussi à Matisse, justement, qui a peint beaucoup de natures mortes. En ce moment, je m’intéresse beaucoup à l’architecture, aux maisons. Je suis attirée par leur aspect “graphique”.

©Annabel Briens

Comment dénichez-vous ces endroits ? Parfois je me promène durant de longues heures à la campagne ou dans des villes de banlieue, simplement pour regarder les maisons.  Mes paysages sont souvent dénués de présence humaine. J’adore les lieux un peu désolés, comme chez Hopper.

Est-ce à nous de les remplir avec nos propres histoires ? Oui, il s’agit d’imaginer ce qu’il se passe dans ces jardins, derrière ces vitres ou grillages, de se figurer les gens vivant ici…

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