LM magazine » Palme d’Or

Sans filtre

info LM — Sat, 01 Oct 2022 07:47:53 +0000

Si vous aimez le cynisme rigolard de Ruben Östlund, vous êtes au bon endroit. Dans ce film qui lui rapporte une deuxième Palme d’or après The Square, en 2017, le Suédois pousse ses personnages à révéler leur véritable nature – son Snow Therapy, en 2014, utilisait le même procédé. Le cinéaste embarque cette fois influenceurs, marchands d’armes et autres personnages peu recommandables pour une croisière de luxe, qui va virer au cauchemar à la suite d’une tempête. Comme Marco Ferreri avec La Grande bouffe (autre scandale cannois, en 1973), Östlund tend un miroir déformant à notre société, à l’image de cette scène de mal de mer collective et sa trombe de vomi et d’excréments, allégorie d’un capitalisme malade. C’est à la fois répugnant, cruel et hilarant. Une Palme gore.

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Snow Thérapie

manager — Fri, 31 Dec 2021 23:31:17 +0000

Eva et Thomas passent leurs vacances dans une station de ski. Lors d’un déjeuner en terrasse, une avalanche fonce droit sur eux… puis s’arrête à quelques mètres. Plus de peur que de mal ? Pas sûr. Car pour Eva, Thomas aurait fui en abandonnant sa femme et ses enfants… mais en sauvant son téléphone. Lui dément catégoriquement. Qui dit vrai ? Adaptée du film du Suédois Ruben Östlund (Palme d’or à Cannes en 2017 pour The Square), cette comédie grinçante signée Salomé Lelouch autopsie un couple au bord du précipice et la notion même de vérité. Alex Lutz et Julie Depardieu excellent dans la mauvaise foi et les faux-semblants, avec un humour glaçant.

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The Square

manager — Mon, 09 Oct 2017 23:23:53 +0000

Christian (caricatural Claes Bang) est conservateur dans un musée d’art contemporain qui prépare une exposition sur la tolérance et la solidarité. Au centre de la performance on trouve un carré (“The Square”), à l’intérieur duquel les visiteurs sont censés révéler leur altruisme. Des valeurs que Christian peine pourtant à partager au quotidien… Si The Square ne manque pas d’ambition, ni de nobles intentions, il tape dans le vide. Critique du capitalisme se réclamant des satires d’un Michael Haneke ou d’un Paolo Sorrentino, elle ne les égale en rien. La faute à une abondance de stéréotypes (un héros pervers narcissique, des petits tas de gravats en guise de chefs-d’oeuvre…) rendant le film aussi superficiel et creux que la prétention artistique (et bourgeoise) qu’il dénonce. Un comble ! Pourtant, tout n’est pas à jeter. On retiendra une mise en scène soignée, des références opportunes (les escaliers saisis façon Hitchcock). Ou encore cet happening surréaliste : l’attraction de la soirée (terrifiant Terry Notary) joue les King Kong face à des spectateurs médusés. Une des rares scènes pertinentes, symbolisant le refoulement de notre animalité. Pas sûr qu’elle suffise à sauver ces deux longues heures et vingt minutes…

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Laurent Cantet

manager — Sat, 05 Jan 2013 16:15:56 +0000

Comment est né ce projet, qui succède à votre Palme d’Or pour Entre Les Murs ?
Je ne planifie jamais le prochain film, j’ai toujours l’impression que cela me tombe dessus. J’adore être sur un tournage, mais je veux être sûr que ce que je raconte a du sens, et que j’ai envie d’y consacrer les quatre années qui vont suivre. Pour Foxfire, tout est parti du livre de Joyce Carol Oates que l’on m’a offert pendant le montage d’ Entre Les Murs. J’ai eu envie de traduire un choc de lecture.

Votre film épouse-t-il la trame du livre ?
Dans le livre, Maddy, la cinquantaine, retrouve également ses écrits de jeunesse. Mais ses souvenirs de lutte s’étaient un peu évaporés. On a donc tenté, avec mon co-scénariste Romain Campillo, de trouver le juste milieu entre le souvenir et l’immédiateté. De plus, le récit de Joyce Carol Oates m’intéressait pour les correspondances avec notre époque actuelle. Notamment la manière dont l’idéalisme d’un personnage se heurte à la puissance du réel, et la violence faite aux opprimés.

Comme dans Entre Les Murs, on retrouve des adolescentes…
Oui, leur énergie est très stimulante pour un réalisateur. J’aime explorer cette période de la vie, où l’on n’a pas encore tous les outils pour appréhender le monde. Ici, on assiste à la naissance d’une conscience politique chez ces jeunes filles qui n’ont jamais entendu parler du féminisme.

Comment avez-vous choisi vos interprètes ?
À Toronto, on a fait passer des essais à de nombreuses jeunes filles croisées un peu partout. Il fallait qu’elles soient à l’aise devant la caméra, mais aussi qu’elles fonctionnent bien ensemble. La question de la bande et de la place qu’on y occupe est un thème constant dans mon cinéma.

Vous avez très souvent recours à des interprètes amateurs, pourquoi ?
Je pense que je m’ennuierais avec des acteurs dont je sais ce que je peux attendre. Les amateurs apportent leur générosité et leur expérience de vie. Et puis, c’est aussi un plaisir de chercher des actrices, craindre que ça ne marche pas, rechercher la justesse ! Que va-t-il se passer quand on lancera la caméra ?

Justement, comment avez-vous tourné ?
Avec deux caméras et de longues prises, ce qui offre le luxe de laisser les choses arriver. On reste dans l’énergie. Les actrices vivent plus la scène qu’elles ne la jouent.

Comment avez-vous choisi le lieu de tournage ?
On a eu la chance de trouver une petite ville préservée, à 800 kilomètres au nord de Toronto. Certaines rues n’ont guère changé depuis les années cinquante ! C’était les décors que j’imaginais à la lecture du livre. Je me suis alors autorisé des mouvements de caméra à 360°, sans me retrouver coincé par des voitures, des buildings… Même si Foxfire a la couleur d’un film d’époque, je n’ai pas prêté une attention maniaque à la reconstitution des années cinquante.

Pourquoi pas une transposition de nos jours, dans ce cas ?
Parce que les années cinquante incarnent la période du Rêve américain, où tout semblait possible. Je m’intéresse aux laissés-pour-compte de ce rêve. Je souhaitais réaliser un objet hors du temps. Ainsi, la violence faite aux femmes demeure très actuelle. Je voulais montrer la continuité des luttes et des souffrances.

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Amour

manager — Mon, 08 Oct 2012 15:34:25 +0000

Anne et Georges, deux octogénaires, anciens professeurs de musique, mènent une vie tranquille dans leur appartement, Madame lisant Elle, Monsieur Le Monde. Un jour, Anne est victime d’une attaque cérébrale qui la laisse paralysée du côté droit. Et tout n’ira qu’en empirant. Avec un huis-clos en appartement, Haneke renforce la tension de ce récit et, malgré une certaine pudeur, ne nous épargne rien de la lente et inéluctable déchéance d’Anne. On sait comment tout cela va finir… On souhaiterait fuir mais on reste, laissant Haneke nous mettre face à notre propre finitude. Comme l’écrivit Musset, « les plus désespérés sont les chants les plus beaux », et les scènes les plus dures sont aussi les plus poignantes. Comme ces étreintes, autant soutien physique que marque de tendresse. Comme la dignité avec laquelle Anne se comporte, avant d’oublier ce que ce mot signifie. Ou encore Georges imaginant sa femme au piano, moment troublant puis déchirant. Jean-Louis Trintignant et Emmanuelle Riva sont prodigieux, tandis que le réalisateur autrichien fait montre d’une maitrise absolue. On ne ressort pas indemne d’Amour, mais c’est le prix à payer pour avoir le sentiment d’accéder à une œuvre exceptionnelle.

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