LM magazine » Goya

Les quatre fantastiques

Julien Damien — Sat, 01 Jan 2022 01:19:32 +0000

Expérience Goya

Comment se renouveler en abordant un géant tel que Goya ? En proposant plus qu’une exposition, une “expérience”. Au Palais des beaux-arts de Lille, dans l’Atrium, le visiteur est d’emblée invité au sein d’une rotonde de 170 m². À l’intérieur, un film à 360 degrés raconte la vie et l’oeuvre du peintre espagnol. Le parcours présente ensuite 80 toiles, accompagnées de dispositifs numériques pour enrichir le propos. L’une des salles reconstitue également la Maison du Sourd, où vécut l’artiste, à l’aide de vidéos synchronisées. En point d’orgue sont présentés ses deux chefs-d’oeuvre, Les Vieilles et Les Jeunes, ici éclairés sous un nouveau jour.

>> Lille, jusqu’au 14.02, Palais des beaux-arts, lun : 14h-18h • mer > dim : 10h-18h10/8€ (gratuit -12 ans), pba.lille.fr

David Hockney

C’est sans doute l’un des plus grands peintres encore en activité, et l’un des artistes les plus populaires de la planète. Si tout le monde connaît ses fameuses représentations de piscines, David Hockney n’a pas fini de nous surprendre. En témoigne cette double exposition bruxelloise. On y découvre une rétrospective de son travail et sa toute dernière série de tableaux magnifiant l’arrivée du printemps, que ce féru de technologies a peints avec un iPad. Une célébration de la nature qui, comme l’octogénaire, n’en finit pas de se renouveler.

Bruxelles, jusqu’au 23.01, Bozar mar > dim : 10h-18h, un ticket pour 2 expos : 20 > 10€ (gratuit -6 ans), bozar.be

La salle de bain, 1989 © Fernando Botero

Fernando Botero

Ne cherchez pas ici les angles ou les lignes effilées. Depuis près de 70 ans, Fernando Botero représente le monde de façon voluptueuse, que ce soient les hommes, les femmes, les animaux, les paysages ou les natures mortes. A l’occasion de cette rétrospective (la première organisée en Belgique), le BAM réunit 130 pièces, dont certaines jamais vues en Europe, signées du peintre et sculpteur colombien. De l’iconographie populaire à la Renaissance italienne, l’exposition révèle les sources d’inspiration du maître et la genèse d’un style unique. En somme, le fond ET la forme.

Mons, jusqu’au 30.01, BAM , mar > dim : 10h-18h 9/6€ (gratuit -6 ans), bam.mons.be

Femme au chapeau. Pablo Picasso 1935 Huile sur toile 60 x 50 cm Paris, Centre Pompidou, musée national d’Art moderne © Succession Picasso 2021
© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian

Les Louvre de Pablo Picasso

C’est un portrait croisé entre deux monuments de la culture. Cette exposition lensoise organise la confrontation entre Pablo Picasso et le Louvre – ou plutôt “les” Louvre, tant la relation entre les deux fut tumultueuse. Ce parcours rassemble plus de 450 créations, dont 170 de l’Espagnol. Entre les chefs-d’oeuvre du musée et ceux du peintre et sculpteur, les échos sont nombreux, mais pas forcément faciles à établir. Ils sont ici scrutés, comparés, pour appréhender les inspirations du maître au sein d’un parcours en forme d’enquête.

A lire aussi : Rencontre au sommet

Lens, jusqu’au 06.02, Louvre-Lens, tous les jours sauf mardi : 10h-18h, 12 > 5€ (gratuit -18 ans), www.louvrelens.fr

The post Les quatre fantastiques appeared first on LM magazine.

Spanish Still Life

manager — Wed, 28 Feb 2018 23:15:32 +0000

Qu’ont en commun Velázquez, Goya, Miró ou Picasso ? Ils sont Espagnols, et ont tous réalisé des natures mortes. Ce parcours dessine en près de 80 toiles signées des plus grands maîtres, de 1 600 à nos jours, les contours d’un exercice typique de l’histoire de la peinture. Curieusement, celui-ci fut d’abord dénigré, considéré pour son seul intérêt décoratif. Il ne devint un genre à part entière qu’au début du xviie siècle, et les Ibères tiennent une place de choix dans cette évolution. Inspirés par les Flamands ou les Italiens, ils développèrent ensuite leur propre style, à l’image des bodegones sobres et épurés du pionner Juan Sanchez Cotàn qui ouvrent cette exposition. Velásquez ou Goya lui ont donné ses lettres de noblesse avant que Picasso et Dali n’élargissent les perspectives d’un art plus que jamais… vivant.

The post Spanish Still Life appeared first on LM magazine.

A la française

manager — Tue, 05 Jan 2016 13:46:25 +0000

Le titre de l’exposition renvoie bien sûr à cette comptine : Nous n’irons plus au bois. L’histoire veut qu’elle fut écrite par Madame de Pompadour pour les enfants durant Noël 1753. En fait, il semble qu’elle se soit inspirée d’une chanson relatant l’interdiction aux prostituées d’exercer leurs charmes dans les bois, reléguées qu’elles furent dans des petites cabanes (des bordes…) où elles se signalaient par un rameau de laurier. Ça commence fort ! Eh oui : s’il y a un endroit où l’on peut avoir l’esprit mal tourné, c’est bien ici !

La première des sept salles du parcours montre le terreau fertile sur lequel a poussé le thème de la Fête galante. Dès la première moitié du XVII^e siècle, des tableaux de l’Europe du Nord dévoilent les divertissements de plein air de la haute société. Une peinture bardée de symbolisme où l’on ne joue jamais de la flûte innocemment, où la balançoire (ou escarpolette) demeure un prétexte pour mieux regarder sous les jupes des filles (Alain Souchon n’a rien inventé) comme en témoigne une belle reproduction de Nicolas de Launay d’après Fragonard. Où, encore, des petits animaux réputés pour leur fougue sexuelle (des lapins, des chiens) ne sont jamais loin des amoureux. Près de ces derniers, les petits oiseaux s’envolent souvent de leurs cages – ces symboles de la virginité – restées ouvertes …

La belle campagne

Mais c’est bien le Valenciennois Antoine Watteau qui établit le genre. Pièce maîtresse de l’accrochage (et rarement vue à hauteur de visiteur), son Pèlerinage à l’île de Cythère cristallise dès 1717 tous les codes de la Fête galante… Sa science du dessin, sa capacité à reproduire les attitudes, les regards, reflètent à merveille l’expression du sentiment amoureux qui faisait fureur à l’époque. L’un de ses glorieux élèves, François Boucher, était lui plus grivois. Ses scènes bucoliques (nous voici dans La Pastorale) sont peuplées de paysans idéalisés, vêtus comme des aristocrates, qui semblent plus intéressés par la chose que par le travail – ici les seins des jeunes femmes, par un hasard malencontreux, ont une grande propension à s’échapper de corsets pourtant très contraignants….

De leur côté, les toiles plus sages de Jean-Baptiste Oudry véhiculent l’image d’une France prospère notamment grâce à l’agriculture, bénéficiant d’un climat très salutaire – alors qu’auparavant, sous Louis XIV, une vague de froid sans précédents fit geler le vin dans les carafes, d’où l’austérité qui régna… Durant cette période les arts décoratifs, aussi, connaissent leur heure de gloire. En témoignent ces porcelaines – un brin kitsch – de Saxe, de Vincennes, de Chelsea ou encore ces tapisseries : le Louvre-Lens expose d’ailleurs un carton très rare de Goya. Il y a enfin ces statues, sortes d’ancêtres de nos actuels nains de jardin. Une autre époque… qui ne durera pas. Quelques années plus tard les têtes ne tournent plus. Elles tombent !

The post A la française appeared first on LM magazine.

Les désastres de la guerre

manager — Mon, 30 Jun 2014 01:15:09 +0000

Avant d’adopter une progression chronologique depuis les conquêtes (et défaites) napoléoniennes (1803-1815), le parcours s’ouvre sur des images d’un Lens en ruines, datant de 1918. S’égrènent ensuite, au fil de douze séquences admirablement scénographiées, les représentations d’une vingtaine de conflits, en 450 oeuvres (peinture, sculpture, dessin, film, et près de 200 photographies) signées Géricault, Goya, Dix, Vallotton, Léger, Richter, Villeglé, Gance… Ceux-ci portant un regard plus ou moins distancié sur les événements. Peu à peu, la célébration de l’héroïsme fait place à une dénonciation de la barbarie, des blessures physiques, psychiques, de la dévastation des territoires. « Chaque guerre est un tournant dans les politiques de représentation » explique Laurence Bertrand Dorléac, commissaire de l’exposition.

La mort en face

Face à la violence de certaines pièces, il n’est pas rare de détourner le regard. Plus les guerres sont récentes (Indochine, Algérie, Vietnam), plus le malaise est palpable. Au terme du parcours, l’émotion est vive. L’intérêt de ces représentations est pourtant évident. Si l’exposition ne répond pas à la question « Pourquoi les hommes font-ils la guerre ? », elle impose cependant la nécessité du témoignage, pour les populations, et les artistes eux-mêmes. « L’art est une catharsis. S’il n’y avait pas de représentation, ce serait pire » note la commissaire.

The post Les désastres de la guerre appeared first on LM magazine.