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Que signifie Koketit, ce personnage que vous avez créé ? C’est la traduction en hébreu de “coquette”, soit “qui aime plaire”. En quelque sorte, à travers cette figure, je flirte avec les images. Nous vivons tous à travers des avatars nous représentant dans le monde digital, ils sont presque réels.

© Koketit

Comment ce personnage a-t-il évolué ? L’illustration pour la mode ayant été ma principale occupation pendant plusieurs années, j’avais une approche bien plus figurative, même lorsque je dessinais sur des photos. Au départ, Koketit ressemblait plus à un cartoon. J’ai fini par la déshabiller complètement et n’ai gardé que l’essentiel. Je suis tombée amoureuse du dialogue qui s’en est suivi, c’est-à-dire en la dessinant sur une photographie qui racontait déjà une histoire. En traçant des lignes sur ces images, je change la narration sans toutefois la bouleverser radicalement.

Que voulez-vous exprimer à travers vos œuvres ? Mes travaux sont principalement autobiographiques car ils reflètent l’état d’esprit dans lequel j’étais lors de leurs créations. Ils sont la manifestation d’un sentiment très personnel, les gens s’identifient donc à eux. Tout le monde a souffert d’un chagrin d’amour ou ressenti les picotements d’un ardent désir. En regardant mes images, le spectateur se connecte en réalité avec lui-même.

Quel est votre processus de création ? Je ne travaille jamais sous la contrainte. J’ai des intentions, certes, mais il me faut être dans un certain état d’esprit. C’est une envie soudaine, comme ça nous arrive avec la nourriture ou le sexe. Parfois, ça ressemble à un éternuement, ça a juste besoin de sortir.

photo © Anne Marie Kevandrimmelen

Comment trouvez-vous l’inspiration ? Il y a deux types de processus : l’un est global et l’autre immédiat. Le premier résulte de l’assiduité, de la persévérance. Le fait d’avoir une routine et une certaine discipline lors de la pratique artistique est très important, car cette aptitude a besoin d’être aiguisée. Avec le temps, on obtient des résultats, un peu comme lorsque l’on fait du sport. Le processus immédiat de création, lui, implique de rester ouvert, de trouver l’inspiration partout, être attentif aux signaux et les exploiter. J’écoute toujours mes émotions.

“Le monde est ma toile” semble être votre devise, n’est-ce pas ? En tant qu’artiste digitale, je ne connais pas de limite. Cette technologie me permet de dessiner sur un immeuble ou des nuages, de donner vie à toutes les images me venant en tête puis de le partager avec le monde de la façon la plus simple. Pouvoir créer ce que je veux, sans aucune restriction, est la seule manière dont je veux vivre.

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Comment s’organise le parcours ?
À partir des fondateurs : Marcel Gromaire, Eugène Leroy, et aussi Charles Gadenne, un des membres du Groupe de Gravelines (un collectif d’artistes locaux). C’est aussi une promenade au milieu d’oeuvres qui jalonnent l’histoire du musée. Autour du thème des animaux, on découvre des pièces du peintre et graveur Katsushika Hokusai ; à côté des miniatures de Giuseppe Pénone, une figure de l’arte povera, on trouve le Gargantua de Gustave Doré ; le thème de l’arbre clôture le parcours. Laboureur, Hecht ou Armand ont marqué l’histoire de la gravure et aussi de notre musée. On revient enfin sur différentes techniques : eau-forte, bois, linogravure… En tout, une centaine d’œuvres sont présentées, sur les 14 000 que compte notre collection.

Quelles sont les nouvelles orientations que vous voulez donner au musée ?
Ce que j’impulse depuis mon arrivée à la direction, il y a deux ans, se trouve ici, dans l’atelier. Je souhaite maintenir une politique d’acquisition forte tout en encourageant la création. Notre capacité à accueillir des artistes en résidence, à les faire travailler sur place en favorisant les rencontres nous distingue des autres musées. On ne peut pas se contenter d’être le seul musée de France consacré aux estampes. Ainsi, en 2013, nous accueillerons la graveuse Caroline Bouyer et l’artiste pluridisciplinaire Barthélémy Toguo. Un musée est un médiateur entre le public et l’œuvre ; ici, à Gravelines nous ajoutons l’artiste dans ce triangle. Ce musée est avant tout un lieu vivant.

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