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Le Baiser, de Rodin à nos jours

manager — Sat, 01 Apr 2017 00:00:12 +0000

Du Centre Pompidou au musée Bourdelle en passant par le LaM de Villeneuve d’Ascq, une vingtaine d’institutions, galeries ou artistes ont prêté des oeuvres pour Le Baiser, de Rodin à nos jours. L’accrochage est visible à Calais jusqu’à mi-septembre. « J’ai senti un réel engouement pour le sujet, moins représenté dans les expositions actuelles que l’amour ou la sexualité », relève Florence Guionneau-Joie. Et quel sujet ! Depuis l’Antiquité jusqu’aux dessins animés Disney, le baiser s’interprète et se réinvente en peinture, sculpture, photo, BD, musique, danse et, évidemment, au cinéma. Autant de disciplines présentes dans la sélection de la commissaire, qui démarre en 1882, date du premier bécot en plâtre d’Auguste Rodin.

A pleine bouche

Réunies dans le hall d’accueil, quatre sculptures majeures du maître (Le Minotaure, Les Femmes damnées, L’éternel printemps, L’Idylle) encadrent le célèbre Baiser, et renvoient chacune à un thème du parcours. Place ensuite au sujet, dans toute sa diversité. Pur et déconnecté du plaisir charnel, voilà le « baiser d’amour », représenté chez Vasarely (Les Amoureux) avant sa période « art optique », ou dans la chanson Kiss Me Forever de Julien Doré. Plus érotique, le « baiser prédateur » navigue de Brigitte Zieger (Counter Memories #9) au couple Schneider / Delon (La Piscine, de Jacques Deray), tandis que son « souffle » renvoie au geste salvateur, capable de sortir l’être aimé du sommeil éternel (La Belle au bois dormant). « Destructeur » chez Jan Van Oost (Kiss of Death) ou Pierre et Gilles (Amour défunt), le “smack” devient politique sous l’impulsion de Warhol (Kiss), et même de Clémentine Célarié embrassant un séropositif lors du Sidaction 1994. « Les oeuvres sont variées, mais les artistes exposés conçoivent tous le baiser comme un langage, un dialogue entre deux êtres », souligne la commissaire. L’ultime section, consacrée au « baiser esthétisé », celui de Robert Doisneau (Le Baiser de l’hôtel de ville), Jacques Monory (Baiser) ou Wim Delvoye (Kiss), montre comment sa mise en scène est devenue un sujet à part entière.

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Dries van Noten

manager — Sun, 01 Feb 2015 02:49:09 +0000

Que se passe-t-il dans la tête d’un styliste au moment d’imaginer son prochain défilé ? Quels souvenirs, influences, sensations convoque-t-il pour accoucher d’une nouvelle collection ? Loin de se contenter d’un choix de silhouettes, Dries van Noten a sondé son univers intime, puis rassemblé, à la façon d’un collectionneur, une incroyable diversité d’objets d’art présentés en regard de ses pièces de mode.

Cabinet de curiosités.

D’une vitrine à l’autre, chaque thématique est l’occasion d’une explosion de couleurs, d’un dialogue entre une étoffe et un extrait de film, d’un clin d’œil à une œuvre majeure de Hirst, Rothko, Picasso autant qu’à des références de la culture populaire. L’artiste rend aussi hommage à un modèle comme Christian Dior, dont on découvre l’iconique tailleur Bar. « Le lien peut être direct entre les silhouettes et les œuvres, comme avec les tableaux graphiques de Vasarely, ou relever davantage de l’évocation, résume Kaat Debo, directrice du MoMu. Dries a réussi le challenge de représenter, de façon visuelle, son processus de création ». Dans ce fourmillement de petits trésors, dont de nombreux inédits liés aux collections printemps-été 2015 du couturier, chacun devrait trouver de quoi s’émerveiller. Et repartir convaincu que la mode, selon les mots de l’Anversois, n’est décidément « pas qu’affaire de beaux vêtements ».

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Victor Vasarely. Hommage.

manager — Tue, 03 Dec 2013 13:37:24 +0000

« La philosophie de Victor Vasarely est proche de celle d’Henry Van de Velde, principal théoricien du mouvement Arts & Crafts, éclaire le commissaire. Développant l’idée que ce qui nous entoure, de l’objet usuel aux bâtiments, doit unir le beau et l’utile, ce qu’on appelle aujourd’hui le design, ils démocratisent l’art », précise-t-il. Ainsi, le Hongrois concrétise son rôle social à travers un intérêt pour les arts appliqués et de nombreuses interventions dans l’espace public : la façade du bâtiment RTL (1972), la gare Montparnasse, le logo Renault (1972). « Ici, je ne tiens pas compte de ce qui a pollué son image d’artiste, poursuit l’historien d’art. Je préfère montrer le langage visuel, pictural que Vasarely a créé ». Ce langage participe à la postérité des arts cinétiques, inspirant toute une génération, Delahaut et l’argentin Julio Le Parc en tête. Le parcours, thématique et chronologique, débute en 1947 – date de son engagement total dans l’abstraction. À l’huile, au vinyle ou à l’acrylique, les peintures en noir et blanc font face à celles en couleur, permettant de saisir l’évolution du style si familier du père de l’Op Art.

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