Je sans frontières

La pièce s’ouvre sur un décor impeccable : un jardin à la française avec ses haies taillées au cordeau et sa pelouse lisse comme le tapis d’un billard. Au centre trône la statue d’un homme blanc, appuyé sur une hache, avec sur son socle l’inscription “Art. XIII”. En fond de scène apparaissent deux mots : “Les nuisibles”. Surgit alors de terre une étrange créature masquée. Habillée comme une enfant, notre “taupe” entame une danse désarticulée. Elle semble monstrueuse en regard de la perfection de la sculpture, qui en perd sa hache. Notre bestiole s’en saisit, et l’anéantit… Phia Ménard sonde ici notre capacité d’empathie face à cet autre qui ne nous ressemble pas, mais également nos peurs, dont celle de la destruction (certains diraient du “remplacement”). En somme, elle nous place face à nos frontières intérieures.

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Vent debout

Quand elle n’interroge pas les fragiles fondations de l’Europe avec du rouleau adhésif et du carton (Maison mère, présenté en janvier au Tandem), la Nantaise joue avec les éléments. La glace d’abord, cette matière qui se transforme, « à l’image de nos propres corps ». Le vent ensuite, dans des pièces d’une virtuosité à couper le souffle. Dans le conte chorégraphique L’Après-midi d’un foehn, une marionnettiste fait ainsi valser des sachets en plastique, en déplaçant quelques instruments devant des ventilateurs. Légères comme l’air, ces créatures colorées prennent forme humaine à chaque “pas de danse”. A l’autre bout de son spectre artistique, les sept performeuses de Saison sèche dévoilent cette fois un théâtre de combat. Armées de leur seule nudité, avant de se travestir en mâles, elles attaquent dans une scénographie spectaculaire les ennemis de cette artiste engagée : le patriarcat et l’assignation des genres, naturellement.

A LIRE : L’INTERVIEW DE PHIA MENARD

Saison Sèche – Extrait – from Cie Non Nova on Vimeo.

L’après-midi d’un foehn Version 1 from Cie Non Nova on Vimeo.

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Pourquoi utiliser la glace sur scène ?
Il s’agit de trouver des relations entre la matière et ma perception de l’humain. Ainsi, la glace peut devenir eau, puis vapeur, par exemple. Elle est à l’image de nos propres corps, qui peuvent se transformer. Le mien était masculin avant de devenir féminin. C’est l’élément parfait pour symboliser ce changement de sexe. La glace est belle, mais on n’ose pas la toucher car elle est froide. Idem pour le corps d’un trans, qui fascine, attise la curiosité, mais avec lequel on craint de se retrouver au lit. (Sourire) Cette relation attraction-répulsion est à l’origine de l’histoire de P.P.P..

Quelle place accordez-vous à la scénographie ?
Pour évoquer la solitude, être seul en scène ne suffit pas. Lors d’une fête, si vous ne connaissez personne et qu’on ne vous parle pas, vous vous sentez seul, bien qu’entouré de gens. Je tenais donc à un décor très fourni constitué de nombreux robots qui se meuvent, mais n’ont rien d’humain. D’où le sentiment de solitude.

C’est un spectacle narratif, mais muet.
Oui. Je mêle la chorégraphie, le théâtre de mouvements, le jonglage…  J’ai pratiqué diverses techniques corporelles, et c’est ma manière de m’exprimer. Mais le spectateur doit pouvoir imaginer ce qu’il veut.

Vous avez joué P.P.P. à l’étranger. Quelles sont les réactions ?
Ça dépend. Les Anglo-Saxons ont une relation ambiguë et complexe au corps. En revanche, les pays latins sont plus à l’aise. Au Brésil par exemple, les spectateurs explosaient de rire et prenaient la pièce sous l’angle de la farce. Je n’aurais jamais imaginé ça, mais c’est intéressant. Chaque société envisage le corps et l’identité avec ses propres référents.

Vous avez créé P.P.P. en 2008. À l’époque, vous étiez encore un homme. Six ans plus tard, le jouez-vous différemment ?
Finalement, la pièce est de plus en plus pertinente, car elle ne conte pas uniquement cette transformation. Aujourd’hui, elle reprend les questions d’une femme s’interrogeant sur son identité. J’arrive dans la communauté des femmes, je dois en apprendre les codes, découvrir les inégalités…

Vous-même subissez ces inégalités en tant que femme, mais pas seulement.
J’ai choisi un genre, mais je n’ai toujours pas les papiers officiels, je me bats pour avoir des droits. Quoi que je fasse, je resterai trans. Je suis née dans un corps d’homme, je mourrai dans un corps de femme. Ce chemin est perçu comme odieux par la majorité des gens. Au contraire, c’est le plus beau des parcours. Nous devrions tous pouvoir regarder le monde en adoptant différents points de vue. Cela permettrait de comprendre l’autre et d’être plus tolérant.

Vous sentez-vous proche des théories queer de Beatriz Preciado ou Marie-Hélène Bourcier ?
Je connais le travail de Marie-Hélène Bourcier, et Beatriz est une amie, nous discutons très souvent. Ce que je disais à l’instant s’inscrit complètement dans le mouvement queer : choisir, expérimenter, ne pas se conformer à ce qui nous est imposé comme la norme. Nous ne choisissons pas de naître, mais nous choisissons de vivre. Pour cela, nous devons choisir ce que nous voulons vivre.

Êtes-vous une artiste militante ?
Oui. Monter sur scène est en soi un acte politique. Je garde espoir, mais si l’art pouvait rendre le monde plus tolérant, ça se saurait ! (Sourire) J’ai conscience de m’adresser à des gens qui ont déjà enclenché un processus de réflexion, ont fait l’effort de venir au théâtre… Ce serait bien de toucher d’autres publics.

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