Parallélisme

Dénuées de présence humaine (si ce n’est quelques posters “olé olé”), ces images capturées à l’argentique évoquent les natures mortes de la peinture hollandaise du xviie siècle, et révèlent d’astucieux trompe-l’oeil. Ici un empilement de klaxons rappelle un bouquet de fleurs surréaliste, là un fatras de volants suggère une sculpture d’Alexander Calder… À Charleroi, cette exposition réunit d’ailleurs deux séries de l’artiste : Garage Stills et Fringe Nature – soit “nature marginale”. En effet, Jacquie Maria Wessels s’est aussi intéressée à la végétation reprenant ses droits autour de ces espaces en voie d’extinction. Le visiteur attentif remarquera alors des concordances entre ces deux mondes que tout semble opposer (entre un bouton de fleur et un écrou, une branche et un levier de vitesse) au fil d’une balade… bien huilée.

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Regard multiple

Sa carrière démarre véritablement en 1934 avec un premier reportage sur la promenade des Anglais (lire ci-dessous). D’ores et déjà, son style s’impose : prise de vue serrée, bascule au tirage, jeu sur les reflets… Accrochées sur des murs bleus, à Charleroi, ses images surprennent par la proximité avec les sujets. Dans la rue, les bars, cette pionnière de la “street photography” focalise sur les classes populaires avec sincérité mais sans complaisance. Elle saisit aussi les artistes et célébrités, se penche avec autant d’inspiration sur les quartiers chics que les bouges. Enfin, l’Américaine excelle avec des séries quasi expressionnistes : jambes de piétons, reflets dans les vitrines des magasins à New-York. Une oeuvre plurielle et engagée, parfaitement restituée par cette exposition.

PLANS RAPPROCHÉS

Promenade des Anglais, Nice, 1934

© Lisette Model avec l’aimable autorisation
de Baudoin Lebon et Avi Keitelman

C’est lors d’une visite à sa mère que Lisette Model, alors âgée de 33 ans, réalise son premier reportage sur la promenade des Anglais, à Nice. Cette série de photographies décalées séduit la revue communiste Regards qui en publie une sélection en février 1935. Sa vision des estivants surprend par son aspect satirique. On y voit des bourgeois affalés sur des fauteuils à la terrasse de cafés ou sur des bancs de la digue, allongés sur la plage. Ils sont bien portants et suffisants, donnent l’impression de déborder de leurs vêtements. Dans une approche plus sociale, elle saisit aussi des gens de peu, offrant ainsi un étonnant contraste.

Reflections. People and Shadow, NYC, 1939-1945

© Lisette Model avec l’aimable autorisation
de Baudoin Lebon et Avi Keitelman
Joan

Lisette Model a émigré aux États- Unis en 1938 avec son mari Evsa Model, peintre et graphiste russe rencontré à Paris, pour fuir la montée du nazisme, et commence à photographier dans les rues new-yorkaises. Outre les classes populaires, elle est captivée par l’énergie et la vie débordante de la métropole américaine. Elle capture les reflets dans les vitrines des magasins et des bâtiments. Jeu avec la profondeur de champ, les contrastes et les lumières, superposition des sujets et des détails… ces clichés multiplient les points de vue, les niveaux de lecture. Ils révèlent une esthétique quasi expressionniste.

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Tous photographes !

Au fil des thèmes (l’antimilitarisme, la lutte contre les colonies…), cette centaine de clichés révèle des foules en colère, des tracts satiriques, beaucoup de masques à gaz et un grand nombre de styles et de formats. Car d’un point de vue esthétique, les lignes bougent également. « Ces militants expérimentent beaucoup. Ils proposent des images à la croisée du reportage, du documentaire et de l’art ». Citons les photomontages de Willy Ronis, transformant avec malice des cheminées d’usines en canons – “on travaille pour la guerre !”, note-t-il. De plus, ces artistes forment les amateurs, issus de la classe ouvrière ou petits employés, comme le montre cette photo d’Eli Lotar dévoilant un petit groupe en plein apprentissage de la contre-plongée. « L’objectif est de témoigner du quotidien ou des violences policières durant les manifestations. On constitue ainsi une sorte d’agence de presse prolétarienne ». Il s’agit d’alimenter des journaux illustrés de gauche comme Regards, qui dénote dans le paysage médiatique (aujourd’hui, on parlerait de réseaux sociaux). A une époque sans télévision, le pouvoir de l’image est déjà prégnant. Incontestablement, ces photographes effectuèrent une belle mise au poing.

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Cuculte

Ce divertissement hybride entre la BD et le cinéma est né en 1947, dans une Italie ravagée par la guerre. Certes il fallait manger, s’habiller, digérer le fascisme « mais aussi rêver… ». Le succès fut instantané, et spectaculaire, fédérant des millions de lecteurs jusqu’au milieu des années 1970, avant d’être supplanté par la télévision et ses feuilletons. Les ressorts sont connus : mensonges, trahisons, cœurs brisés, cliffhangers de folie, dialogues (cu)cultes (« Ne comprends-tu pas que ma dignité se rebelle ? »… « Même un aveugle s’apercevrait que tu es enceinte »…) dont s’amuseront Les Nuls dans un sketch d’anthologie (Nous quatre). Surtout, la narration est terriblement addictive, ponctuée par ce fameux “A suivre” (qui fera la fortune de Game of Thrones, entre autres) avant d’aboutir invariablement, après des mois de lecture, sur un baiser fiévreux (car ici, les histoires d’amour ne finissent jamais mal).

Amour, toujours

Pour autant, c’est bien la photo qui tient le premier rôle dans ce média. « Les maquettes, la recherche graphique, le travail de découpe relèvent parfois d’un savoir-faire exceptionnel, assure Marie-Charlotte Calafat, l’autre commissaire. Un roman-photo réussi doit susciter des émotions très rapidement, par l’image, le jeu des comédiens, la lumière… soit bien avant le texte. Ce ne sont pas simplement des cases, mais du cinéma en 2D ». Si le sujet est léger, cette exposition l’aborde avec sérieux. « Cette production de masse traduit les évolutions de la société, interrogeant notamment la place de la femme », avance Marie-Charlotte Calafat. Ces récits sentimentaux ne réduisent-ils pas l’accomplissement féminin à l’amour ? « Pas toujours, ils soulèvent aussi des questions intéressantes : comment divorcer ? S’émanciper de l’emprise de la religion, de la famille ou même trouver un travail ? ».

Stars à domicile

Après avoir rappelé quelques filiations (avec les images d’Epinal, la BD, le roman dessiné…) la première partie de ce parcours révèle quelques beaux spécimens. Une gageure d’ailleurs. « Ces histoires étaient imprimées sur du mauvais papier, les noms des auteurs rarement cités et le souci de la conservation quasi nul. Tout l’enjeu fut donc de retrouver des pièces originales », précise Marie-Charlotte Calafat. Parmi ces trésors, on trouve la collection photo de l’éditeur phare Mondadori, « des négatifs qui ont servi de 1947 jusqu’au début des années 1980 », notamment ceux de Piero Orsola, un maître du genre. On évoquera aussi le Français Hubert Serra, qui adapta pour le magazine belge Femmes d’aujourd’hui les plus grandes œuvres littéraires (Madame Bovary, Les Hauts de Hurlevent…). Son rendement (plus de 800 créations) et la qualité de production lui vaudront le surnom de “Cecil B. De Mille du roman-photo”.

En parlant de grands noms, les petites cases de papier glacé accueillirent aussi leur flopée de vedettes : Mireille Darc, Claudia Cardinale et bien sûr Sophia Loren, première star du genre (à l’époque sous le nom de Sofia Lazzaro). « Dès l’âge de 16 ans, elle a joué dans cinq romans-photos, avant d’être happée par le cinéma ». Un sacré tremplin donc, mais aussi un moyen d’alimenter sa notoriété : à partir des années 1960, tous les yéyés défilent dans ces pages, Johnny Hallyday en tête – et retravaillant au passage son histoire personnelle…

Au prochain numéro

Mais tout ne fut pas que sirop et midinettes. La seconde partie de l’accrochage nous dévoile ainsi quelques “avatars” sulfureux, à commencer par Satanik (Killing en Italie) publié dès 1966, soit l’histoire d’un type déguisé en squelette qui torture la gent féminine (!), anti-héros d’un récit érotico-sadique pour adulte et qui annoncera toute une vague pornographique – dont Charleroi rend aussi compte…

Citons également des œuvres fameuses (La Jetée de Chris Marker) et toute la veine humoristique, dignement représentée par Hara-kiri, le professeur Choron (qui a “réponse à tout”) ou Coluche (dans Charlie Hebdo avec Les pauvres sont des cons). Qu’on se le dise, cette formidable saga éditoriale ne s’écrit pas au passé. Aujourd’hui encore, le précité Nous deux s’écoule à 203 000 exemplaires par semaine (de quoi faire rougir pas mal de titres) et nombre d’artistes ou d’éditeurs s’emparent de ce média (comme les éditons FLBLB, à Poitiers) pour lui redonner ses lettres de noblesse. A suivre, donc…

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Est-ce à ce moment-là que vous avez découvert les Walés ? Oui, et complètement par hasard, car il n’existe aucune documentation sur ce rituel. Cela faisait trois ou quatre ans que je trainais dans cette zone. Le long d’un lac, il y avait deux chemins et, à chaque fois, je prenais celui menant vers la gauche. Un jour, j’ai décidé de prendre à droite. 20 kilomètres plus loin, je suis tombé sur une femme à la peau rouge. C’était une Walé. Ces femmes m’ont fasciné et je me suis immergé dans leur quotidien.

Qu’est-ce qu’une Walé ? Au nord de la RDC, au cœur de la forêt, vivent les Ekondas. Ce peuple a créé un rituel célébrant les femmes après la naissance de leur premier enfant. Celles-ci ont entre 15 et 18 ans et la plupart sont des pygmées. Toutes ne deviennent pas Walés, c’est au père de décider. Dès lors, la jeune fille quitte son mari pour retourner dans la case de sa mère durant une période de semi-réclusion de deux ans, parfois cinq.

La Walé à la balançoire, Lokito – la bruyante.

Pourquoi cela peut-il durer plus longtemps ? L’honneur final est de sortir de ce confinement avec une valise, sorte de dot composée de biens précieux. C’est le rôle du mari de la constituer. A une époque, il s’agissait d’ivoire, de cuivre, de peaux de bêtes… Mais avec la globalisation et l’arrivée des produits chinois, ces Walés veulent désormais des sacs, des montres, des chaussures… tout cela peut donc coûter cher ! Ayant acquis énormément de prestige, il y a beaucoup de concurrence entre ces femmes. Elles restent donc coincées à cause de leurs ambitions.

Comment se déroule ce confinement ? Durant la première année, la Walé bénéficie d’un transfert de savoir de la part de sa mère, sa grand-mère et d’autres femmes du village, afin d’apprendre à s’occuper de l’enfant et devenir parent. Elle est alors célébrée comme une reine-mère, porte des attributs royaux comme des bracelets, un chasse-mouche… Elle est bien nourrie et demeure en très bonne santé. Elle n’a pas le droit de travailler dans les champs, de se préparer à manger, se promener seule sans sa cour et, surtout, respecte un interdit sexuel. Les pygmées croient en effet que le sperme pourrit le lait maternel.

Ensuite ? Durant la deuxième année, chaque femme doit produire un spectacle de danse et de chant lors duquel elle raconte son vécu pendant la réclusion. C’est une littérature chantée. Les autres clans écoutent sa performance et, à la fin de la journée, elle redevient une femme comme les autres, mais Walé à jamais.

En quoi consiste votre série, Songs of the Walés ? J’ai créé une représentation visuelle de chaque chanson inventée par ces femmes. C’est ma façon de traduire leurs pensées intimes, mais aussi de leur rendre hommage. Chaque femme joue ainsi son propre rôle au sein de scènes et de décors construits sur place, avec les matériaux du bord et l’aide de chasseurs, pêcheurs, artisans… Il n’y a dans mon travail aucune retouche numérique.

Walé Asongwaka s’envole

Qu’est-ce qui vous fascine dans ce rituel ? Ces gens prennent le temps de se poser et de célébrer la vie, les vraies valeurs humaines. Dans nos société occidentales, nous ne prenons plus le temps pour cela, alors que c’est tout de même énorme, l’origine du monde !

Comment définirez-vous votre travail ? Pour moi, la photographie constitue la dernière étape de tout un processus participatif. Il me faut parfois trois mois de travail et d’immersion pour réaliser une scène. Une seule image relève à la fois du théâtre, de l’installation, de la performance, de la musique, de la peinture… C’est une démarche hybride.

Votre pratique se situe-t-elle entre l’art et le documentaire ? Oui, mais elle est avant tout collaborative. Il m’importe en effet que le sujet devienne acteur de son histoire. Il s’agit de créer un décor avec cette personne afin qu’elle y joue son propre rôle.

Ntembe, Walé épervier

Pourquoi ces femmes ont-elles la peau rouge ? Elles s’appliquent sur le corps de la poudre de bois ngola, qui est donc rouge et représente la couleur royale. Celle-ci est censée chasser les mauvais esprits et les hommes. Elle protège aussi la peau contre diverses maladies.

Quels sont vos projets ? Ils sont nombreux. Je me suis récemment installé à La Haye, dans un atelier de 300 mètres carrés, mais je suis toujours en voyage à travers le monde. Ce qui m’intéresse avant tout, c’est l’échange humain. Débarquer dans des lieux improbables et réussir à créer avec des gens très différents de moi.

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Des visages, des figures

Dès 1955 et durant un an, “Bob” sillonnera avec sa femme et ses deux enfants quelque 30 états du pays de l’Oncle Sam, photographiant ses autochtones au gré de ses rencontres ou des événements. « Il n’a suivi aucun programme défini, il partait en voiture et se laissait guider par le hasard et son intuition », explique Adeline Rossion, collaboratrice scientifique au Musée de la Photographie de Charleroi. Ici une serveuse à l’air boudeur dans un “diner” à Hollywood, un drive-in à Détroit, là une jeune femme dans un ascenseur à New-York, les funérailles d’un croque-mort en Caroline du Sud… Bien souvent, il s’agit de plans serrés car « les visages sont plus intéressants que les paysages, selon le principal intéressé. Il fallait surtout faire vite, je prenais les gens avant qu’ils remarquent l’appareil, car une fois qu’ils l’ont vu, ils changent. La première prise est donc la bonne ». Au final, ces clichés en noir et blanc détonnent. « C’est parfois flou et les cadrages sont approximatifs, mais il capturait la vie comme elle s’offrait à lui, sans réfléchir », poursuit Adeline Rossion.

Filtre révélateur

Cette approche “sauvage” permettra à ce « chasseur d’images » de révéler le pays dans toute sa vérité. Ses moments de tendresse, saisis par exemple dans le regard d’un couple de danseurs insouciants, mais aussi sa violence, son racisme ambiant, comme cette photo de bus dans lequel tous les passagers avant sont blancs, et ceux à l’arrière noirs… « Il a écorné le mythe de cette belle Amérique glorifiée après la Seconde Guerre mondiale, analyse Adeline Rossion. Robert Frank montre alors que c’est une nation comme les autres, avec ses hauts et ses bas, ses doutes, ses vides existentiels, ses tensions sociales, ses petits bonheurs quotidiens…».

Au total, l’Helvète (underground) aura parcouru 16 000 kilomètres, pris 27 000 clichés pour en retenir… 83 (tous exposés à Charleroi). Refusé par le pudibond Life, ce livre fut d’abord publié en France grâce aux éditons Delpire. L’ouvrage est préfacé par un certain Jack Kerouac. « Il s’était attiré la sympathie de la Beat Generation, séduite par la liberté de ses images ». Sales et brutes comme un riff des Rolling Stones, auxquels Robert Frank consacrera d’ailleurs un documentaire en 1979… déclenchant, là aussi, un beau scandale. Le titre ? Cocksucker Blues. Tout est dit.

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