Selon vous, qu’est-ce qui définit votre style ? Il est assez reconnaissable par l’usage de formes courbées, de couleurs vives et de textures brillantes. Avec le temps, j’ai cherché à simplifier mes compositions, en me concentrant sur l’impact visuel et sur des éléments graphiques plus forts et assumés.

D’où vous vient cet attrait ? J’ai toujours été attirée par les formes douces, les couleurs franches, les objets lisses ou brillants. Cela vient sûrement de mon amour pour le design mobilier Space Age et Memphis. Rien qu’en les regardant, on se sent bien.

Quel est votre objectif en accompagnant, avec ces formes et couleurs, les modèles qui peuplent vos créations ? Je vois ça comme une manière de compléter le corps, d’augmenter l’image. Ces formes accentuent une posture, un mouvement ou une émotion. C’est aussi une façon de créer une relation entre réel et virtuel. J’aime le mix des deux et la dimension surréaliste qui en découle.

Danse (c) Launorma

On observe qu’il y a aussi beaucoup de motifs floraux dans vos créations. Pourquoi ? C’est vrai, je suis un peu obsédée par les fleurs. C’est un motif que je décline depuis longtemps, sans m’en lasser. Il y a chez elles une infinité de formes, et ça me permet de jouer graphiquement tout en gardant un lien avec la nature. C’est aussi un symbole de liberté et de paix, deux notions qui me sont essentielles.

S’agit-il aussi, quelque part, de symboliser une certaine forme d’harmonie entre l’être humain et la nature ? En effet, et c’est une façon de montrer la beauté de la nature, en la glorifiant, en l’extrapolant.

Par ailleurs, vous souhaitez que vos créations soient « presque thérapeutiques », écrivez-vous. En quoi cela ? Je veux que ce soient des images ou des objets qui font du bien à regarder. Qu’ils soient joyeux, optimistes et surtout qui nous donnent envie de rêver. Comme du bonbon pour les yeux. Qu’ils égayent nos espaces physiques ou digitaux, en véhiculant des messages légers comme la paix, la liberté, la joie.

Plaisir d’offrir (c) Launorma

Concrètement, comment travaillez-vous ? Quel est votre processus créatif ? Je commence souvent par une photo ou un croquis, puis je compose en digital, en ajoutant petit à petit les formes, les couleurs, les textures. C’est un travail assez instinctif, je teste beaucoup de choses jusqu’à trouver un équilibre.

Prenez-vous vous-même les modèles en photo ? Parfois oui, mais la plupart du temps ce sont des images de photographes que j’aime beaucoup. Ensuite, je compose de façon assez libre, sans schéma fixe. Je me laisse guider par ce que le cliché dégage.

Plus généralement, quelles sont vos sources d’inspiration et vos influences artistiques ? Je suis influencée par le mouvement Memphis, le design des années 1970, les formes organiques dans le mobilier ou encore certaines esthétiques pop, psychés, ou naïves. Je m’inspire aussi beaucoup de la nature, surtout des fleurs, et de tout ce qui me fait une impression visuelle forte, même dans des choses du quotidien.

Quels sont vos projets ? Je souhaite implanter davantage mon travail dans le réel, dans l’espace physique. Par l’objet, des fresques, du décor. J’ai envie que les gens puissent s’immerger dans ma nature fantasmée. Je réfléchis donc à une exposition immersive autour de cette “supernature” avec la création de structures de différentes tailles. C’est mon rêve. Affaire à suivre…

Trois œuvres commentées

Orgy

Orgy (c) Launorma

« J’ai appelée cette œuvre Orgy, car toutes les formes semblent fusionner, se croiser, s’imbriquer. Il y a quelque chose de très vivant et de sensuel dans leur interaction. Ici, les fleurs sont presque personnifiées pour créer une image érotique, autour d’une nature luxuriante, vibrante et presque appétissante. C’est une image où je me suis amusée à laisser parler la forme et la matière, sans trop réfléchir au message. C’est surtout une question de sensations ».

Realities Theory

Realities Theory (c) Launorma

« Ce visuel fait partie de ma série Realities Theory, un projet sur la perception subjective de la réalité.
L’idée, c’est que chacun vit un peu dans son propre monde, avec ses filtres, ses émotions, ses projections. Même si on partage un espace commun, on ne perçoit pas les choses de la même manière. Dans cette image, le visage expressif est entouré de formes très lisses, brillantes, presque intrusives. Elles représentent ces “bulles personnelles de réalité” qui nous enveloppent, nous isolent parfois ou nous protègent. Elles ne sont ni bonnes ni mauvaises. Elles sont juste là, comme une couche en plus entre nous et le monde extérieur. Ce projet mélange des éléments très humains (comme des gestes, des regards) avec des formes numériques abstraites. J’aime explorer cette tension entre ce qui est réel et ce qui est fabriqué par le mental ».

Sexy Bouquet

Sexy Bouquet#1 (c) Launorma

« Ce bouquet une sculpture en résine que j’ai imaginée pour OFF/SCRIPT, en édition limitée (aujourd’hui sold out). Je l’ai appelé Sexy Bouquet car, même si c’est un objet très mignon et coloré au premier regard, il y a une intention un peu plus joueuse et suggestive derrière. Les fleurs ont des formes un peu exagérées, presque cartoonesques, avec des couleurs très franches. C’est kitsch, pop, et assumé. C’est aussi une manière de matérialiser mon univers digital dans un objet réel. J’adore cette idée de pouvoir faire exister mes fleurs en volume, de les rendre “touchables”. C’était une première collaboration en sculpture, et ça m’a donné très envie d’aller plus loin dans ce type de projets ».

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A LIRE ICI / L’INTERVIEW DE YASMIN GROSS

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Je suis né à Amsterdam. J’ai commencé à travailler dans un magasin de bandes dessinées quand j’avais 12 ou 13 ans et c’est là que je me suis forgé une éducation artistique. De fil en aiguille, je me suis mis à peindre. A 21 ans, j’ai déménagé à New-York où je continue à me perfectionner. Je m’entraîne tous les jours en me promenant dans les rues de la ville, un appareil photo à la main car j’aime beaucoup les clichés accidentels. C’est en 1998 que j’ai mis au point une technique permettant de combiner mes dessins ou peintures avec la photographie.

Comment définiriez-vous votre travail ?

Quand je rencontre une personne en soirée et qu’elle me demande ce que je fais dans la vie, je lui réponds : « en gros, je dessine sur des photos. » (rires)

Quelle est votre technique, comment procédez-vous ?

Je commence avec une photo qui fait résonner quelque chose en moi. Après l’avoir observée un long moment, j’interviens dessus. Je peux découper, ajouter des éléments, enlever, effacer… Et tout ceci à la main. Ce qui occasionne pas mal « d’accidents de travail » durant la création (rires). Mais c’est ce que je préfère, j’utilise le moins possible l’ordinateur. Je n’aime pas beaucoup le digital.

Pourquoi ajoutez-vous des points de couleur ?

Je place ces points presque instinctivement. Leur présence signifie mon attachement à l’œuvre initiale. Avec ces points, je reconsidère la réalité, j’ajoute des émotions sur quelque chose de figé, passé.

Comment obtenez-vous ces points ?

De deux façons, tout simplement à l’aide d’un stylo. Parfois, grâce à un couteau très fin que j’utilise pour inciser la surface de la photo et y injecter la couleur voulue. Je choisis des encres qui se marient avec celles de l’image. Ensuite je les répartis. A ce moment là tout s’enchaîne, couleur sur couleur, un peu comme chez Kandinsky.

D’où viennent les photographies que vous utilisez ?

Cela dépend. Je prends la majorité d’entre elles avec un appareil photo 45 mm ou même avec mon iPhone ! J’utilise aussi pas mal de négatifs et de photos de famille. Par exemple : celles prises par l’un de mes oncles qui avait fait le tour du monde. Une fois, j’ai aussi demandé à de grands photographes si je pouvais utiliser leurs images pour les transformer. Ce qui peut être perçu comme un véritable sacrilège, mais c’est très excitant et drôle (rires). J’ai fait comme beaucoup de musiciens aujourd’hui : j’ai samplé !

Certaines de vos œuvres sont très colorées, d’autres plutôt sombres… Comment expliquez-vous ce contraste ?

Ce jeu sur la lumière et l’obscurité est primordial. Mais les images les plus colorées ne sont pas toujours les plus heureuses. Prenons par exemple ma série sur la montagne. Ces photographies sont presque magiques. Elles ont été prises en 1973 par mes parents alors que j’avais 3 ans. Il s’agit de vacances en Suisse avec ma sœur et mon frère tandis qu’on m’avait confié à un proche (rires). Ma famille a l’air si heureuse sur ses photos, alors j’ai décidé d’amplifier cette impression. Mais en fait, la réalité était tout autre…

C’est-à-dire ?

A l’époque, mes parents rencontraient des problèmes conjugaux, ma sœur passait les pires vacances de sa vie et mon frère se sentait franchement mal dans sa peau. Ces images traduisent donc une réalité plus sombre, mais je pense que j’ai réussi à arranger ça. De manière rétroactive, j’ai essayé de changer la donne.

Pouvez-vous nous parler de votre travail sur les fleurs ?

Les images d’origine datent de la Seconde Guerre mondiale. J’ai trouvé ces peintures dans un livre avant de m’installer à New-York. Puis, j’ai longuement cherché ce que je pouvais en faire… jusqu’à l’été dernier, à l’occasion de ma première expo à Amsterdam. Colorer ces images réalisées en temps de guerre était comme un signe de défiance contre la noirceur de cette période. Une autre chose m’a beaucoup intéressé dans ce travail…

Laquelle ?

Les fleurs ou même les tulipes sont reconnues comme un symbole hollandais, mais peu de personnes savent qu’elles viennent généralement de Turquie, d’Afghanistan et d’Afrique. Nos fleurs empruntent le même circuit que les réfugiés… ce qui est assez ironique au regard du débat actuel sur l’immigration et la question de nationalité.

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