Comment définiriez-vous votre travail ? Comment avez-vous développé votre style ? La photographie et le collage numérique sont des formidables outils. Ils permettent la création d’un monde dans lequel on peut (presque) tout dire. J’aime composer des images pour illustrer des émotions ou figer un instant. Je recherche la simplicité, illustrant une idée de la manière la plus minimale possible. On retrouve souvent mon œil de graphiste au cœur de mes créations.

Émilie Möri – Sur son nuage

Concrètement, comment travaillez-vous ? J’ai de nombreux carnets dans lesquels je griffonne des idées avec des mots clés. J’aime aussi improviser avec ce que j’ai sous la main, c’est là que je m’amuse le plus ! Par exemple, cette image est composée d’une photo réalisée en 2008 et d’une autre en 2019. J’étais choquée du comportement pollueur de certains touristes sur cette plage. J’ai donc imaginé un iceberg se profilant à l’horizon, ayant la forme d’un requin, que j’avais vu en 2008 en Argentine. Ce collage vise à sensibiliser sur l’importance de l’évolution de la conscience collective face au réchauffement climatique.

Émilie Möri -Global Waring

Effectuez-vous un travail de retouche ? Oui, cela offre tellement de possibilités ! J’aime la poésie dégagée par la fiction. Avec le temps, je limite toutefois les retouches pour créer des décors bien réels. C’est un exercice très stimulant, et ça permet de ne pas passer tout son temps derrière un écran !

Vos images sont également teintées de surréalisme, n’est-ce pas ? Oui, Magritte m’inspire beaucoup. Montrer des personnages et des objets a priori inattendus interpelle, et laisse place au silence comme au questionnement.

Émilie Möri – Upstairs

Vous dites que votre travail s’oriente aujourd’hui vers “l’ataraxie au féminin, des songes et de l’intemporalité”. Comment cela se traduit-il ? Ce que j’entends par l’ataraxie est un certain détachement du personnage. Un état contemplatif et serein. J’aime beaucoup les images que l’on ne peut pas situer dans le temps.

Pouvez-vous nous parler de la série Consciences ? Je souhaitais réaliser des portraits serrés, en grand format. Cette série a été créée en collaboration avec Siân Pottok, fin 2019, dans mon studio, en utilisant des objets et végétaux à portée de main. Chaque triptyque illustre un thème précis, comme la liberté d’expression, de disposer de son corps, construction d’un foyer, le dérèglement climatique, la pollution… Ces images étaient finalisées en mars 2020, soit juste au moment du Covid. Nous avons malheureusement dû annuler les expositions prévues…

Parmi les images de notre sélection, pourriez-vous en commenter une ? Je reviens souvent à cette série. Le personnage est calme, paisible et évolue dans un vide lumineux, un espoir. Il observe un mouvement au cœur de son monde imaginaire. J’utilise souvent un foulard rouge pour représenter un pensée (trop présente) ou une addiction.

Émilie Möri -Red Stole

Quels sont vos projets ? Une nouvelle série sur le thème environnemental et la féminité. Je cherche d’ailleurs une résidence d’artiste à l’étranger, durant plusieurs mois, afin de réaliser ce projet.

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Pourquoi ce pseudonyme, Lexicon Love ? J’adorerais dire qu’il a une signification profonde, mais en réalité Lexicon est le nom d’une couleur de peinture murale que j’adore !

Cleaning Windows © Lexicon Love

Comment présenteriez-vous votre travail ? Ce sont des thèmes visuels entrant en collision, saupoudrés d’une pincée d’humour tordu.

Pourquoi plaquer des aliments sur des portraits ? Tout a commencé début 2017. A première vue, cette combinaison semble absurde. C’est une extension de mon propre sens de l’humour, en quelque sorte. En cachant le visage de mes portraits principalement féminins avec de la nourriture, je leur construis de nouvelles histoires, de nouvelles identités, perturbant mes propres notions de conformité.

Comment travaillez-vous ? La plupart de mes images proviennent du milieu XX^e siècle. Ce sont des pépites dénichées dans des banques d’images, déclenchant mon processus créatif. Cette abondance de portraits anonymes et de mises en scène me fournissent un parfait point de départ. Mes compositions sont épurées grâce à une forme d’autocensure : je n’incorpore jamais plus de deux ingrédients, trois en de rares occasions. Cela me permet d’attirer l’attention du spectateur et d’atteindre cet espace éthéré, entre l’harmonie et le chaos.

This is not a Mushroom © Lexicon Love

De quelle technique usez-vous ? Mon approche est analogique, j’utilise principalement des moyens digitaux pour la composition. Le challenge étant de préserver les légères imperfections propres au fait-main. Pour cela, je rejette les logiciels sophistiqués comme Photoshop ou Illustrator. Mes outils de prédilection sont extrêmement basiques et imitent au plus près les techniques physiques. C’est comme travailler avec ses mains.

Comment choisissez-vous la nourriture associée à ces clichés ? Quand je trouve la photo idéale, je sais instinctivement avec quel objet ou aliment je vais travailler. Mon objectif est de perturber le regard du spectateur, de le transporter dans le lieu et l’époque de son choix. Masquer le visage de ces personnes avec des aliments particuliers ne remet pas seulement en cause les traditionnels et irréalistes canons de beauté. Je veux aussi susciter de l’empathie pour mes sujets, et leurs potentielles histoires.

L’humour semble occuper une place importante chez vous, n’est-ce pas ? Mon travail compile humour et tragédie, deux concepts intrinsèquement liés. A première vue, ces éléments ne semblent pas aller de pair, et pourtant ils sont totalement inséparables. Leur relation est compliquée mais l’un ne va pas sans l’autre. C’est en combinant les deux que la magie surgit.

SWALLOW THE HURT © Lexicon Love

Vous a-t-on déjà dit que c’était mal de jouer avec la nourriture ? Jamais (rires) ! Je suis d’origine grecque, notre attachement à la bonne chère est profond. Cela constitue notre identité culturelle, la base de nos relations.

Plus généralement, où trouvez-vous l’inspiration ? Mes principales influences sont l’artiste comique et absurde Maurizio Cattelan, les dadaïstes et John Stezaker.

Quels sont vos projets ? Je bosse actuellement sur un collage grand format pour un client à Sydney, et sur une pochette d’album pour un groupe anglais très en vogue… En même temps, je poursuis mes projets personnels, alimentant les réseaux sociaux et ma créativité.

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Pendant qu’Inès rêve de camping…,
Paris, La Défense, 2016

Vers l’infini et au-delà

Boulimiques de création, Ella et Pitr passent sans cesse d’un projet à l’autre, variant les techniques (peintures à l’acrylique, à l’huile ou à la bombe, sérigraphie, collage…) et les surfaces : toiles ou pistes d’aéroport, rideaux de fer des magasins ou coquillages… rien ne les arrête ! Et ils voient les choses en très, très grand. En témoignent ces colosses assoupis au milieu des grandes villes de la planète, sur les toits ou les murs de Montréal, Valparaiso en passant par Saint-Etienne, bien sûr. Leur géant en short de 21 000 m2, qui a trouvé le sommeil au sommet d’un entrepôt, à Klepp en Norvège, est d’ailleurs considéré comme le plus grand graffiti du monde ! (mais ne les qualifiez surtout pas de streetartistes, ils détestent). « On cherche toujours à dépasser nos limites et les murs ont aussi les leurs. Ce qu’il y a de plus imposant, ce sont les surfaces au sol. On a donc basculé à l’horizontal… », explique Ella, qui refuse toutefois « tout discours intellectuel » pour justifier cette démarche. « On tient quand même à dessiner des personnages endormis contrastant avec le chaos des villes », selon Pitr.

Ces gigantesques figures à l’esthétique enfantine sont généralement exécutées à l’acrylique. Elles constituent « une famille de témoins silencieux et éphémères en milieu urbain », peut-on aussi lire dans un recueil sorti en octobre*. Elles sont inspirées de leurs proches (oncles et tantes) ou sont issues de l’imagination de leur progéniture, de leurs carnets de voyage… Pour leur donner vie, il faut prendre de la hauteur. Ils utilisent ainsi Googlemap ou des drones. Les spots sont choisis ensemble : « Soit on prépare les croquis en fonction d’un endroit qui nous plaît, soit on marche des heures dans les rues à la recherche du support adéquat », détaille Pitr.

A Klepp en Norvège

Homme invisible

En peignant ce monumental migrant sur le barrage abandonné du Piney, près de Saint-Etienne, Ella et Pitr ont réinvesti la dimension verticale. « Avec un accès à un mur pareil, on n’allait pas dessiner une petite fille tenant un ballon en forme de coeur », ironise Pitr, en référence à une célèbre pièce de Banksy. Pourquoi ce sujet ? Pas de message, « mais plutôt une idée générale, sans se montrer moralisateurs. C’était une façon de rendre visible un drame bien réel et que tout le monde fait semblant de ne pas voir. Avec un réfugié géant de 47 m de haut, en plein milieu du paysage, on ne peut plus nier le problème… ». Le Naufrage de Bienvenu (c’est son petit nom) est aussi synonyme de prouesse technique, avec son lot « de frayeurs lors de la descente en rappel » se souvient Ella, en tendant une photo de ses deux fils suspendus à des cordes. L’aventure, c’est l’aventure…

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Comment décririez-vous votre travail ? Lorsqu’on m’aborde en soirée et pour me demander ce que je fais, généralement je réponds que j’étudie les illusions d’optique. J’enchaîne en disant je soulève de grandes questions : la mort, l’identité, la peur, la distorsion… En principe, c’est le moment où mon interlocuteur décide qu’il a quelque chose d’urgent à faire !

Plus généralement que souhaitez-vous exprimer ? Chaque projet évoque une problématique différente en rapport avec ma vie. Par exemple Chicas évoque le passage d’une jeune fille dans l’âge adulte – mariage, maternité, responsabilité… Nightwatching décrit la peur de perdre la vue, ce qui m’est réellement arrivé (ndlr : elle fut atteinte d’un décollement de la rétine). Temporal Portraits consiste en une série de rencontres avec des gens de culture très différente de la mienne.

La série Lethe que nous présentons ici est-elle représentative de votre œuvre ? Pas du tout. Elle renvoie à une expérience de lâcher prise. Ma famille a connu une année difficile quand cette série a été réalisée. Ma belle-mère fut très malade, on lui a diagnostiqué une tumeur au cerveau, puis elle est morte. Lethe est donc très singulière. Pour la créer je suis sortie de l’environnement confiné du studio et j’ai essentiellement effectué ces collages en deux séances.

Comment travaillez-vous ? En utilisant des techniques analogiques, sans aucune manipulation numérique. Je suis très “control freak” et j’aime créer dans mon propre studio. Les idées bouillonnent durant plusieurs mois puis se mettent en place soudainement. Je les consigne dans des cahiers et quand je suis prête, j’appelle mes amis.

Plus concrètement ? C’est un processus intime mais rapide. Je sais immédiatement si l’idée fonctionne, c’est très intuitif. De plus, je collabore avec mes invités et j’essaie toujours de les mettre à l’aise devant l’appareil photo. Si les gens vous font confiance et apprécient la démarche, ils donneront plus d’eux-mêmes. Travailler avec des célébrités n’est pour moi pas gratifiant. Mon appareil préféré est le Mamiya RB67 car il permet de voir l’image en temps réel. Ensuite, je tire un négatif, le développe et le scanne.

Lethe © Sylwia Kowalczyk

Qui sont vos modèles ? Habituellement les membres de ma famille et mes proches. Parfois, j’invite des inconnus (comme pour Temporal Portraits) mais je trouve cela stressant, donc j’évite autant que possible. Heureusement, mes enfants et ma famille sont très compréhensifs et la majorité de mes amis sont des “créatifs”, ils adhèrent donc à ma démarche. Je suis très chanceuse car mon mari est aussi photographe, je rebondis alors sur ses idées et lui demande de m’aider pour la prise de vue.

Où puisez-vous votre inspiration? Elle peut surgir de n’importe où. Je ne m’intéresse pas aux images des autres photographes, plutôt à la peinture, à l’architecture. Je lis beaucoup d’auteurs classiques comme Proust ou Dostoïevski mais aussi la littérature contemporaine, et des essais. Siri Hustvedt m’influence beaucoup. J’ai aussi la chance de bénéficier d’une formation en histoire de l’art, j’ai donc toute une bibliothèque de références en tête.

Cultivez-vous d’autres moyens d’expression ? Oui, je conçois aussi des illustrations pour les magazines et des couvertures de livres. Je pense aussi à réaliser un court métrage. Je suppose que c’est une évolution naturelle et j’aimerais utiliser le son comme une autre forme d’expression.

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Bousculer les préjugés.

Le circuit permet au visiteur de s’y retrouver dans le foisonnement de formes et de supports, de se concentrer sur l’un ou l’autre des thèmes. La première séquence est aussi la plus attendue : « Anonymes » présente des productions d’ « aliénés » issues de collections de médecins : collages, dessins, poupées… Puis direction « la rue », où l’on croise donc Basquiat, tandis qu’« Enfance » nous apprend que d’illustres artistes (Picasso, Paul Klee…) se sont penchés sur les créations enfantines. « Le geste » est quant à lui consacré à la recherche d’un retour au dessin primitif comme expression des pulsions profondes. Enfin, « L’origine » interroge davantage nos idées reçues. Car si au XIX^e siècle la découverte de l’art rupestre a bouleversé la chronologie établie, aujourd’hui les Barbus Müller, énigmatiques visages en pierre retrouvés dans le Massif central, interpellent le visiteur. Quel âge ont-ils ? Leur sculpteur a-t-il été influencé par l’art africain ? Maya ? Le mystère de « l’autre » reste entier.

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Calecif à la place du calecif
Inauguré en 1990, le Musée du Slip se confond avec le Dolle Mol, café libertaire culte qui sert de QG à notre pitre post-situ. Si le rez-de-chaussée offre au quidam une série de collages montrant des personnages célèbres affublés d’un slip sur la tête (de Kennedy à Sarkozy), l’étage expose vingt-quatre donations de vedettes du showbiz et d’hommes (et femmes) politiques, encadrées et certifiées portées et authentiques. Du slip porté par Noël Godin « lors du 7e entartement de BHL au Salon du Livre de Paris » à la culotte brodée « PS » de la ministre Fadila Laanan, Jan Bucquoy nous délivre un message : à travers ce vulgaire bout de tissu, c’est la démocratie qui est en jeu, parce qu’en slip nous sommes tous libres, et tous égaux !

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