Expérience Goya

Comment se renouveler en abordant un géant tel que Goya ? En proposant plus qu’une exposition, une “expérience”. Au Palais des beaux-arts de Lille, dans l’Atrium, le visiteur est d’emblée invité au sein d’une rotonde de 170 m². À l’intérieur, un film à 360 degrés raconte la vie et l’oeuvre du peintre espagnol. Le parcours présente ensuite 80 toiles, accompagnées de dispositifs numériques pour enrichir le propos. L’une des salles reconstitue également la Maison du Sourd, où vécut l’artiste, à l’aide de vidéos synchronisées. En point d’orgue sont présentés ses deux chefs-d’oeuvre, Les Vieilles et Les Jeunes, ici éclairés sous un nouveau jour. 

>> Lille, jusqu’au 14.02, Palais des beaux-arts, lun : 14h-18h • mer > dim : 10h-18h10/8€ (gratuit -12 ans), pba.lille.fr

(c) Philippe De Gobert

David Hockney

C’est sans doute l’un des plus grands peintres encore en activité, et l’un des artistes les plus populaires de la planète. Si tout le monde connaît ses fameuses représentations de piscines, David Hockney n’a pas fini de nous surprendre. En témoigne cette double exposition bruxelloise. On y découvre une rétrospective de son travail et sa toute dernière série de tableaux magnifiant l’arrivée du printemps, que ce féru de technologies a peints avec un iPad. Une célébration de la nature qui, comme l’octogénaire, n’en finit pas de se renouveler.

Bruxelles, jusqu’au 23.01, Bozar mar > dim : 10h-18h, un ticket pour 2 expos : 20 > 10€ (gratuit -6 ans), bozar.be

A lire aussi : David Hockney, Haut en couleur

La salle de bain, 1989 © Fernando Botero

Fernando Botero 

Ne cherchez pas ici les angles ou les lignes effilées. Depuis près de 70 ans, Fernando Botero représente le monde de façon voluptueuse, que ce soient les hommes, les femmes, les animaux, les paysages ou les natures mortes. A l’occasion de cette rétrospective (la première organisée en Belgique), le BAM réunit 130 pièces, dont certaines jamais vues en Europe, signées du peintre et sculpteur colombien. De l’iconographie populaire à la Renaissance italienne, l’exposition révèle les sources d’inspiration du maître et la genèse d’un style unique. En somme, le fond ET la forme. 

Mons, jusqu’au 30.01, BAM , mar > dim : 10h-18h 9/6€ (gratuit -6 ans), bam.mons.be

A lire aussi : Fernando Botero, à fond la forme

Femme au chapeau. Pablo Picasso 1935 Huile sur toile 60 x 50 cm Paris, Centre Pompidou, musée national d’Art moderne © Succession Picasso 2021
© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian

Les Louvre de Pablo Picasso

C’est un portrait croisé entre deux monuments de la culture. Cette exposition lensoise organise la confrontation entre Pablo Picasso et le Louvre – ou plutôt “les” Louvre, tant la relation entre les deux fut tumultueuse. Ce parcours rassemble plus de 450 créations, dont 170 de l’Espagnol. Entre les chefs-d’oeuvre du musée et ceux du peintre et sculpteur, les échos sont nombreux, mais pas forcément faciles à établir. Ils sont ici scrutés, comparés, pour appréhender les inspirations du maître au sein d’un parcours en forme d’enquête. 

A lire aussi : Rencontre au sommet

Lens, jusqu’au 06.02, Louvre-Lens, tous les jours sauf mardi : 10h-18h, 12 > 5€ (gratuit -18 ans), www.louvrelens.fr

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Fernando Botero, Les Danseurs, 2002 Pastel sur papier, 142 x 118, Collection privée © Fernando Botero

© Be Culture

Une icône pop

La première section révèle ainsi toutes les références ingurgitées par le Sud-Américain : le muralisme mexicain, l’art précolombien mais aussi l’artisanat local ou la Renaissance italienne… Botero est bien plus qu’un “artiste-qui-peintdes- gens-en-gros”, « il réalise le syncrétisme parfait entre l’art populaire et la culture dite “savante”. Il décloisonne les hiérarchies ». C’est ainsi le cas dans cette représentation de cycliste, héros populaire par excellence en Colombie, traité ici comme les peintres de la Renaissance le feraient d’une icône religieuse. On le constate en déambulant dans les salles du BAM, garnies de toiles très imposantes : le Colombien est avant tout un artiste généreux, descendant l’art de son piédestal pour l’offrir au peuple. Son passage à la sculpture est motivé par cette même volonté de démocratisation, souligne Xavier Roland, le directeur du BAM. « Il veut donner plus de son art aux gens, qu’ils puissent tourner autour ou même toucher ses créations », à l’instar de l’immense statue trônant en face de la Grand-Place de Mons.

© Zoé Van Reckem

Échelle de valeurs

Fernando Botero, c’est également un paradoxe : « il est très connu du grand public mais nié par les critiques, les directeurs de musées et les commissaires, car il n’observe pas les codes de l’art moderne du xxe siècle ». Pourtant, son travail ne manque pas de subtilité. « Il est souvent dit que c’est le peintre du gigantisme, mais il serait plutôt miniaturiste, tant l’attention portée aux détails, aux petits éléments constituant ses compostions, est grande », analyse Cecilia Braschi. L’homme joue avec les échelles comme peu d’autres. En témoigne cette grosse poire juteuse occupant la totalité du tableau, et dont l’effet de monumentalité est rendu par la présence d’un tout petit vers, grignotant doucement le fruit, nous signifiant au passage : oui, la vie est belle et juteuse, mais la mort guette toujours… Si son oeuvre est souvent synonyme de joie, drôle et haute en couleurs, Botero ne se départit jamais d’une douce ironie, voire d’une violente critique. Par exemple lorsqu’il dénonce avec les mêmes rondeurs les tortures infligées par l’armée américaine aux détenus de la prison irakienne d’Abou Ghraib, entre 2003 et 2004 – oui, c’est gonflé.

AFernando Botero, Abu Ghraib numéro 44 triptyque, 2005, Huile sur toile, 109 x 104 cm (chaque partie)
University of California, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive © Fernando Botero

Œuvre commentée par Cecilia Braschi, commissaire de l’exposition

Nature morte à la mandoline

« Le style si particulier de Botero est né en 1956 avec cette toile. Il représente par erreur le trou sonore de cette mandoline de façon trop petite et se rend compte, par contraste, que cela offre une allure monumentale à l’instrument. Il comprend alors que l’art n’est que déformation, ici les volumes évoluent grâce à des jeux d’échelle entre différents éléments du tableau. Il appliquera ensuite cette technique à toutes ses compositions, avec la conscience que le but de la peinture n’est pas de représenter la réalité telle qu’elle est, mais d’en créer une autre : celle de l’artiste ».

Œuvre commentée par Xavier Roland, directeur du BAM

L’Apothéose de Ramón Hoyos

Fernando Botero, L’apothéose de Ramón Hoyos, 1959. Huile sur toile, 172 x 314 cm, Collection privée, © Fernando Botero

« Cette œuvre est très importante dans la notoriété de Fernando Botero, c’est pour lui sa version du pop art colombien. Dans cette toile datant de 1959, il sacralise la figure d’un cycliste alors très connu, en rapprochant l’imagerie qu’en donnent les journaux avec les codes picturaux typiques de la Renaissance italienne : la composition est pyramidale, le héros est triomphant et à ses pieds sont enchevêtrés des personnages endormis, comme en dévotion. Il intègre donc une icône populaire dans une imagerie chrétienne, tout aussi importante dans son pays où la religion est prégnante ».

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