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On a parlé d’un virage synthétique au détour de votre précédent disque. Sur celui-ci, il y a comme une réconciliation entre synthés et cordes ?
Ça m’étonne un peu parce que sur Persona, il y a trois ans donc, vous trouviez déjà des cordes et des synthés. J’ai déjà opéré cette synthèse pas mal de fois. Je n’ai pas acheté d’instruments pour faire ce disque, j’ai utilisé les mêmes que d’habitude.

Pensez-vous à la scène lorsque vous composez ?
Oui, bien sûr. J’ai commencé la musique en faisant des concerts. Le disque est secondaire. Depuis mon petit village je pensais qu’il fallait être une superstar pour en enregistrer…

Qu’est-ce qui vous plaît dans la manipulation du langage ?
La matière est plastique, jouissive à manipuler. On a le champ libre, toutes les possibilités devant soi. C’est comme choisir un accord ou des notes. Dans des systèmes codifiés comme le langage ou la musique, la probabilité qu’une phrase n’ait pas été prononcée par un être humain est très grande. Par exemple, il est peu probable que quelqu’un ait déjà dit : “Je vais enfermer Trump dans un poivron et remplir ce poivron de plomb, en route pour l’Adriatique.”

Une chanson contient donc de nombreux niveaux de lecture…
En effet, si vous me donnez un livre en chinois, je ne vais pas en tirer grand-chose, à part m’émerveiller devant la qualité graphique des caractères. Au niveau du sens, de la perception, du sentiment, il ne va rien se passer. Mais si vous me faites écouter une chanson en chinois je vais en recevoir quelque chose grâce à la musique, la tonalité, une façon de dire. Ça fait une différence assez importante.

A la veille d’une tournée, comment choisissez-vous les chansons de votre répertoire ?
D’abord, il y a une prime à la nouveauté, on va donner la priorité au dernier disque. Mais j’ai gardé de la tournée précédente des souvenirs que j’ai envie de retrouver. Certaines chansons très anciennes font donc partie du set. Ce n’est pas une science, plutôt des impressions.

Qu’est-ce qu’un bon concert selon vous ?
Le mot d’ordre, c’est le plaisir. Durant la dernière tournée, il n’y a pas une fois où je suis sorti en me disant qu’il ne s’était rien passé. Mais plus important que mon opinion, c’est l’expérience qu’en retire le public. Moi-même je me rends à des concerts. À partir du moment où quelqu’un se donne un minimum, c’est gagné. C’est aussi une expérience de groupe d’être dans le public.

Vous diriez-vous contemplatif ? Une vie de tournée permet-elle la contemplation ?
Je ne suis pas contemplatif. Non, je m’assois sur un banc comme chacun de temps en temps, mais pas pour observer le monde avec un calepin. Il suffit de le traverser pour faire des expériences.

Watt est votre huitième album. Quel rapport entretenez-vous aujourd’hui avec vos précédents disques ? Vous arrive-t-il de les réécouter ?
Il m’arrive d’être confronté à la diffusion d’une chanson, parfois ancienne, à la faveur d’un accident chez quelqu’un ou dans un bistrot. Mais je ne réécoute pas mes disques. Je me souviens de chaque virgule et chaque note de musique de tout ce que j’ai fait, c’est dans ma tête. C’est comme une masse, comme un astre qui rayonne, qui m’envoie un peu de lumière…

L’ensemble vous parait-il cohérent ?
Je n’ai pas vraiment une écoute distanciée. Mais cela me paraît bien vivant, jamais répétitif. Certains éléments persistent d’un disque à l’autre – des préoccupations, le timbre de la voix, certaines façons d’envisager la musique – mais j’essaie de créer des formes nouvelles avec des outils de référence : la langue française et les influences musicales anglo-saxonnes de ma jeunesse…

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Bertrand Belin

On se souvient de ses premiers essais. Une orientation chanson française, sage et bien coiffée, par ce guitariste de scène pour -M- ou Bénabar. Puis il y eut Hypernuit (2008) qui le plaçait dans les pas de Bill Callahan – mêmes timbre sépulcral et narration tordue. Depuis, le Morbihannais joue avec les mots, les répète jusqu’à l’absurde à la façon des poètes Charles Pennequin ou Christophe Tarkos. La voix, elle, évoque aussi Yves Montand… que Belin a repris récemment. Au théâtre d’Arras, il revisite son propre répertoire avec les Percussions Claviers de Lyon, histoire de vous surprendre un peu plus… mais ça fait partie du jeu, non ?

>> Boulogne-sur-Mer, 13.11, Théâtre Monsigny, 10 €, horaires : ville-boulogne-sur-mer.fr // Arras, 25.11, Théâtre, 22 / 12 €, horaires : tandem-arrasdouai.eu

Jean-Louis Murat

Benjamin Biolay

On se souvient de ses premiers essais. Une orientation chanson française, sage et bien coiffée, par ce fils d’ouvrier lyonnais affublé d’une image de petit bourge qui lui colle à la peau. Trash Yéyé (2007) étonna et La Superbe (2010) transforma Biolay en icône de la pop française. Las, depuis, le meilleur ennemi de Luz joue l’écorché vif et, entre deux passages au jury de La Nouvelle star, se prend pour un sicario sous le soleil de Buenos Aires. C’en est franchement risible. Mais ça fait partie du jeu, non ?

>> Lille, 15.11, Théâtre Sébastopol, 19 h complet !, www.theatre-sebastopol.fr

Arno

On se souvient de ses premiers essais. Ah non, en fait : on était trop jeune. Mais Arno n’a jamais été sage ni bien coiffé. Et l’orientation chanson française est venue plus tard, pour mieux la tordre, d’ailleurs. Naviguant entre attitude punk rock et tradition francophone, ses chansons sont rugueuses, mal élevées, mais toujours vivantes. Et prennent une nouvelle allure sur scène, où il faut le (re)découvrir – ses disques rendant rarement justice à son talent. Eh oui, ça aussi, ça fait partie du jeu.

>> Lille, 06.01.2021, Théâtre Sébastopol, 20 h, 46 > 40 €, www.theatre-sebastopol.fr

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Retrouvez notre interview de Bertrand Belin ici !

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Quelle est l’histoire de Cap Waller ?

Comme le précédent, Parcs (2013), j’ai enregistré cet album à Sheffield afin de poursuivre le travail en studio avec Mark “Shez” Sheridan (ndlr : le guitariste de Richard Hawley). Le « Cap » évoque un relief qui fait passer d’un monde ou d’un océan à l’autre. Au-delà de l’idée de surplomb et d’observation, j’aimais cette rupture. C’est également un hommage à Hugh Waller, qui interprétait des chants ouvriers, des chansons de lutte du début du siècle. Celles-ci demeurent pertinentes, car les gens de basse extraction sont en proie aux mêmes difficultés.

Vous aviez conçu Hypernuit (2010) sans coucher les textes sur le papier. En est-il de même pour Cap Waller ?

Oui, je fonctionne ainsi depuis Hypernuit. Cela permet de faire “réfléchir le larynx” sans passer par le cerveau. Il n’y a pas que le sens du mot qui compte, mais la façon dont il est dit. S’il y avait un texte, je serais tenté de le modifier, de l’ordonner. J’ai voulu me défaire de l’ornementation, de la rime, de la page. Ces mots sont destinés à être entendus dans un contexte musical, pas forcément à être lus.

On a l’impression qu’Hypernuit fut un album de rupture. Contrairement aux deux premiers albums, vous avez pris une voix plus grave, vous avez arrêté de chanter…

Dire que j’ai arrêté de chanter serait exagéré, car je ne parle pas ainsi au quotidien. Les mélodies ne sont pas d’une grande amplitude, mais ce n’est pas du talk-over, il y a certains mélismes*. Sur mes premiers albums, ma voix était plus haute, car je chantais des romances. Elle a effectivement changé en 10 ou 15 ans. J’ai peut-être fait une mue tardive. (Sourire)

Les deux singles extraits de l’album, Folle, Folle, Folle et Je Parle En Fou sont très accrocheurs…

Je Parle En Fou est sans doute plus facile d’accès. C’est une chanson isolée dans l’album. Pour une fois, le texte a été écrit, sa forme est plus classique, avec des rimes, des stances* anciennes. Ronsard mêlé à de la chanson sociale, avec un rythme qui va de l’avant. Folle, Folle, Folle est une exploration de musicien. Cette montée en tempo naît de l’envie de se renouveler. J’ai toujours considéré que la batterie donne le son d’un album. Ici, elle est susceptible de mettre le corps en mouvement, un peu comme chez The Meters, dans le funk, le jazz. Ce n’est pas une pulsation de confort comme on l’entend dans la variété.

Il faut donc évoquer le rôle de Thibault Frisoni (guitare, basse, clavier) et Tatiana Mladenovitch (batterie)…

Nous jouons ensemble depuis 10 ans et nous travaillons sur les chansons des uns et des autres. Nos univers s’enrichissent mutuellement. J’écris, compose et joue seul tous les instruments en studio. Puis Thibault et Tatiana modifient, augmentent ces parties. Ce sont des musiciens que j’admire, je veux les séduire pour les garder auprès de moi. On est comme un groupe, sauf qu’il m’arrive assez souvent de jouer seul sur scène.

Vous êtes également romancier (Requin, 2015) et avez joué dans Spleenorama, une pièce de Marc Lainé. Dans quelle mesure ces activités annexes ont-elles nourri cet album ?

Il est difficile de dire quelle activité influence l’autre. J’ai écrit Requin pour déployer des idées, aborder des problématiques plus ou moins graves. Pour travailler la langue avec une syntaxe différente de la chanson. J’ai écrit six ou sept morceaux pour Spleenorama. Parmi eux, D’une Dune et Que Tu Dis se retrouvent sur l’album. La différence c’est qu’au théâtre, le public est silencieux. En concert, on est fréquemment sanctionné par des applaudissements. Ou des sifflets. (Sourire)

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Blandine Lenoir, cinéaste :
Bertrand et moi nous sommes connus adolescents. Il voulait faire de la musique et moi, du cinéma. Depuis 1999 et Marinette, mon premier essai, nous avons fait huit films ensemble. Bertrand m’est indispensable. C’est une collaboration intime, évidente et joyeuse. Il est comme un co-scénariste, son travail nourrit la narration et la mise en scène. J’ai beaucoup d’admiration et de respect pour son talent, son humour, la ténacité, et un truc qui s’appelle « la foi ». Je reste toujours émue lorsqu’il joue devant une salle pleine à craquer car ce n’était vraiment pas le cas il y a une vingtaine d’années.

Marc Lainé, metteur en scène :
Bertrand, c’est une sorte de cowboy qui aurait la grâce d’un danseur étoile, le mélange inattendu entre John Wayne et Noureev. Sa musique est à la fois puissante et délicate, ça effleure et ça remue, en même temps, comme une rivière, un doux torrent. Il sait se taire. Il a l’art des silences, des silences pleins, généreux, des silences vibrants de pensée. Sa voix est une caverne où résonnent les échos de mille vies, de mille histoires. C’est une source d’inspiration.

Sing-Sing, guitariste de Arlt :
On a dit, on dit, on dira encore de Bertrand Belin qu’il est poète. C’est d’abord comme un poème qu’on l’a toujours entendu, énigmatique et clair, où semblent frémir des pages sous-marines de l’encyclopédie “Tout l’Univers”, recueil d’histoires drôles et montagne de questions. Laissez-le faire votre portrait, il dessinera une cheminée, une locomotive à vapeur, une forêt en feu. Mais voilà qu’on se demande, à propos de rien, comment nage ce diable de type.

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