Communion

Mais ce soir, le temps d’un concert, beaucoup lui sera pardonné. Pour services rendus. Et quels services ! Pour The Smiths et une bonne partie de son œuvre solo, ou comment sublimer le mal de vivre en quelques arpèges et des mélodies angéliques. Pour ces portes ouvertes vers des disques, des livres, des films cités dans une chanson ou un entretien. Pour ces concerts, aussi, aux allures de grandes messes païennes face à une icône, qui porta longtemps l’étendard de l’indie pop et d’une certaine vision du monde, profondément individualiste. On pardonne, mais on n’oublie pas : un autre Morrissey était possible.

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En quoi cette démarche consiste-t-elle ? Un peu à l’ancienne, nous apprécions un album dans son intégralité, sans piocher des morceaux ici ou là et sans rien faire d’autre. Pour nous un disque reste une œuvre globale comme un livre ou un film. Il s’agit de le déguster pour en redécouvrir sans cesse les subtilités, comme une bonne bouteille de vin ! Dans les deux cas, il y a une progression. Une écoute attentive provoque des sensations olfactives et gustatives.

En quoi la musique et le vin se marient-ils si bien ? Les termes habituellement associés au vin fonctionnent aussi avec la musique. Les deux offrent des gammes très riches, variées. Le vin possède ainsi son propre rythme : il y en a des lents, des rapides. C’est aussi une histoire de température : tantôt frais, chambrés… de même que certains styles musicaux sont glaçants comme la cold wave. Il existe des disques et des breuvages élégants, tels les vins de Vienne, propices à l’élévation spirituelle comme Treasure de Cocteau Twins. D’autres plus terreux, abrasifs, plus rock comme les albums de BRMC.

Comment avez-vous déterminé ces accords “œno-acoustiques” ? Dans un premier temps, nous en avons fixé 50, tel un Top 50 (rires) ! La première étape fut de sortir tous les albums de nos discothèques respectives. On a dû en réécouter un millier. L’association fonctionne bien avec la pop et le rock. Nous nous sommes d’ailleurs limités à ces deux esthétiques, même si ça marchait aussi avec le blues ou la soul, mais il a fallu restreindre notre sélection sinon on y serait encore ! Par contre, certains genres sont restés à quai, comme le rockabilly ou le punk, car trop primitifs, sauf rares exceptions comme London Calling des Clash, traversé de nuances reggae, jazz… mais c’est impossible avec les Sex Pistols.

On privilégierait plutôt la bière, dans ce cas… Oui (rires) ! Le rock est souvent associé à la bière, c’est une boisson de concerts. D’ailleurs, on ne sert jamais de bon vins dans les salles, c’est bien dommage.

Rien sur les Beatles ici ? Non, car certains classiques comme Sgt. Pepper se suffisent à eux-mêmes, ce sont des chefs-d’œuvre. Il s’agit aussi de ne pas se contenter des classiques pop et rock, pour découvrir des disques moins connus.

(c) David Meignan

Comment avez-vous sélectionné les bouteilles ? Nous avons noté, façon “écriture automatique”, tous les termes nous venant à l’esprit en lien avec le vin : “fleuri”, “poivré”, “charnu”, mais aussi des notions de saison ou des adjectifs plus libres comme “baroque”, “volcanique”. Nous avons également sollicité des amis cavistes avant d’établir un lexique. A chaque album correspondaient plusieurs bouteilles. Il a ensuite fallu déguster tout ça pour trouver la bonne, avec des amis le week-end… Ça nous a pris trois ans !

Ensuite, vous avez choisi des goûteurs, n’est-ce pas ? Oui, nous avons proposé ces “couples” à des chanteurs, journalistes, dessinateurs ou même des amis, partageant notre passion pour les mots, la photo, la BD…. Nous avons offert à chacun d’eux la bouteille correspondante au disque qu’ils avaient choisi, en leur demandant de transcrire leur expérience d’écoute-dégustation à travers un texte ou un dessin.

Avez-vous des exemples à nous donner ? Le bouquin s’ouvre avec Have Guitar, Will Travel de Bo Diddley, par Pierre Mikaïloff. C’est le seul exemple de rockabilly, mais ce n’est pas un “rock blanc”, plutôt épicé, poivré… se prêtant parfaitement au Chinon rouge ! Citons aussi An Electric Storm de White Noise, album de 1969 choisi par Sylvain Vanot. C’est un ovni, les prémices de l’electro, qu’on a associé à un vin hallucinatoire, subversif : la Coudée d’or. Il est élaboré par des vignerons un peu barrés, inventeurs du concept de “cosmoculture”, plaçant les énergies telluriques au service de la vigne. J’aime également ce texte de Jean-Bernard Pouy sur les BRMC, très politiquement incorrect : l’histoire de deux médecins légistes goûtant le sang de cadavres, comme on dégusterait un pinard !

Gaëtan Roussel – The Velvet Underground & Nico x Tavel, Domaine de l’Anglore © Clarisse Fieurgant

Certaines séances se sont mal terminées. Je pense à Rodolphe Burger et JC Menu durant l’écoute-dégustation de The Modern Dance de Pere Ubu sur du Cour-Cheverny… Oui, ils nous ont livré une transcription de leur soirée assez mémorable, durant laquelle ils ont pas mal expérimenté… C’était la veille du premier tour de la présidentielle. Rodolphe Burger voulait absolument obtenir une procuration au commissariat pour donner son vote… à trois heures du matin. Ça n’a pas été possible, les deux étant totalement avinés ! Pour les citer, ils ont honoré Ubu-roi.

Vous signez aussi quelques textes, dont celui sur Heavy Soul de Paul Weller… Oui, ce disque n’est pas fait pour être aimé lors des premières écoutes. Mais je vénère Paul Weller et à force de m’y replonger, il m’a ébloui et a inspiré un texte de rupture, sur la dernière soirée d’un couple, peut-être parce que Weller avait ici radicalement changé de style, plus mélancolique, complexe. Et puis, en me documentant, j’ai découvert qu’il avait écrit cet album en plein divorce ! Le Saint-Péray colle parfaitement à Heavy Soul. Il est élégant, velouté, à la fois gras et délicat, comme ce disque écrit avec flegme. British, quoi !

Vous associez aussi Station to Station de Bowie à un Riesling… Oui, le texte est de Philippe Auliac qui fut son photographe entre 1976 et 2003. Il m’a d’ailleurs avoué qu’à l’époque de l’enregistrement du disque, Bowie ne buvait quasiment que du Riesling ! Plus fort, et ça devient délirant : il avait jeté son dévolu sur celui de notre choix, issu du domaine Bott-Geyl ! Une coïncidence très troublante…

Quel serait votre “couple” idéal pour les fêtes ? Je vous suggère de remplacer le champagne par un vin pétillant naturel : le Gewurztraminer, domaine Brand & fils, associé à Night and Day de Joe Jackson. Il s’accorde parfaitement avec ce disque, très festif. C’est une explosion aromatique !

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Eloi Cedó Perelló © Iko

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Audrey Basset © Se Faire Food

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Bonne étoile – « Tout allait bien, on produisait du haut de gamme mais ma vraie percée, celle dont tout le monde a besoin dans l’industrie, eut lieu avec les Smiths ». Rough Trade, le label du groupe mancunien, avait réservé le studio un week-end. « Mon manager m’a demandé si je pouvais m’en occuper. J’ai dit oui ! Et voilà comment nous avons enregistré Heaven Knows I‘m Miserable Now et Girl Afraid en 1984. J’ai tout fait pour les impressionner et leur ai laissé mon numéro de téléphone sans trop y croire… ». Quelques mois passent, puis Rough Trade l’appelle : les Smiths cherchent à produire leur deuxième album avec quelqu’un de confiance. « C’était ma chance. Tellement excitant pour moi de travailler avec eux. On était comme des gamins du même âge dans un magasin de bonbons sans adultes autour de nous ». Cette collaboration durera jusqu’en 1987 et la sortie de leur ultime disque, Strangeways, Here We Come. Observer, « attraper le bon son », influencer la musique comme un membre de l’équipe et finalement co-produire, tel est le but de Stephen. « Bien sûr, il faut ressentir un lien émotionnel et stylistique avec les morceaux en question. Je ne bosse qu’avec des groupes que j’aime et auxquels je peux apporter quelque-chose ».

Viva Morrissey – « Quand les Smiths se sont séparés, j’ai décidé d’envoyer mes chansons à Morrissey ». Stephen savait que le chanteur et Johnny Marr ne fonctionnaient pas de manière conventionnelle. Johnny composait de son côté et donnait ses cassettes à Morrissey qui y ajustait ensuite des textes extraits de ses carnets. Stephen soumet donc un de ses enregistrements au grand homme… qui accepte de sortir son premier album solo avec lui ! « J’ai tout laissé tomber pour me consacrer à ce qui allait devenir Viva Hate. Le succès fut immédiat et je me souviens de l’entrée au hit-parade de Suedehead, le jour de la naissance de mon fils aîné, le 21 février 1988 ». Hélas, les deux hommes se brouillent pour des histoires de royalties. Stephen crée alors son propre label – Foundation -, distribué par Rough Trade. « Ce n’était pas le bon moment, on était en pleine récession à la fin des années 80. L’industrie implosait, Rough Trade allait mal… J’avais investi mon propre argent et ça ne marchait pas. A un moment, j’ai dit stop ».

Le petit groupe qui monte – Le Londonien n’est pas misérable pour autant. Après avoir produit le premier opus des Cranberries, qui reste son plus grand succès international, il s’intéresse surtout à un petit nom qui monte : Blur. « Leur single She’s So High m’a vraiment séduit. J’ai tout de suite vu qu’ils avaient quelque chose… ». Damon Albarn et ses comparses acceptent de rencontrer Stephen dans un pub de l’ouest londonien. « On s’est très bien entendus, on a fait une session test en studio et There’s No Other Way est sorti ». Certes, la maison de disques de Blur retient un autre producteur pour le deuxième album mais Stephen ne lâche pas l’affaire. « J’ai parlé avec Graham Coxon au détour d’un concert. Il doutait et avouait que ce dernier enregistrement s’était mal passé… ». Stephen le rassure et quelques jours plus tard, Damon Albarn lui demande de réaliser le fameux Parklife. La magie opère de nouveau : « J’étais encore plus connecté avec eux qu’avec les Smiths. Comme moi, ils sont de Londres, on sortait ensemble, Graham est devenu un très bon ami. On pouvait faire n’importe quoi, ça sonnait toujours de manière unique. Damon est à un tel niveau… ». Mais après avoir produit les mythiques Parklife (1994), The Great Escape (1995) et Blur (1997), l’aventure s’interrompt à nouveau… avant un retour en force en 2015 à la faveur de The Magic Whip.

Pete, Aline et les autres… – Parmi les artistes épaulés par Stephen, Pete Doherty tient une place particulière. « J’ai beaucoup d’affection pour lui. C’est un être humain merveilleux et un compositeur fantastique. Le problème avec Peter, c’est son style de vie et tous ces “vampires” qui l’entourent. J’ai essayé de le soutenir mais ce n’est pas facile. Parfois, on voit dans ses yeux qu’il lutte pour survivre ». Avec Doherty, Stephen se remet à la guitare, inclut Graham Coxon et le trio part en tournée. « C’est ainsi qu’à 50 ans je me suis retrouvé à jouer sur scène à Glastonbury ! ». Côté français, c’est pour les Marseillais d’Aline que Stephen a craqué. « Ce sont eux qui m’ont approché. D’habitude je ne travaille pas avec des groupes étrangers car je tiens à comprendre les paroles ! Mais j’ai fait une exception car leur son me plaisait et j’aime les voix françaises sur la pop ». L’enregistrement se déroule à Bruxelles, et accouche du très réussi La Vie électrique. « La France m’intrigue musicalement. Il y a tellement d’influences. Le reggae par exemple : chez vous c’est toujours en vogue alors qu’ici on n’en entend plus. Et puis il y a l’influence anglo-saxonne, africaine et des groupes comme Daft Punk, Air… Je pense que c’est une scène saine : le public est très positif en concert. A Londres, il peut être très cynique ».

Les temps changent – Stephen ne rêve pas d’une collaboration avec un artiste précis. « Je cherche surtout de nouveaux talents et c’est d’ailleurs pour ça que je suis connu ! En ce moment je bosse avec le prometteur Tibet ». Mais les temps ont changé et le métier de producteur est en voie de disparition. « Les ventes de disques sont tellement faibles aujourd’hui que les budgets de production sont eux-mêmes insignifiants ». Il ajoute que de plus en plus de musiciens arrivent en studio avec des maquettes élaborées « à la maison » grâce aux nouvelles technologies, et ont seulement besoin d’un ingénieur pour mixer le tout… Toutefois, Stephen garde son éternelle fraîcheur, à l’affût d’un nouveau magasin de bonbons à dévaliser !

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Pourquoi ce livre ?
C’est une commande de l’éditeur, Yves Jolivet, qui souhaitait conserver une trace de ces textes, et la mémoire de toutes ces années (début 1980 – 2000). Je n’avais pas l’intention d’élever un monument à ma propre gloire.

Comment êtes-vous entré à Rock&Folk ? À quoi ressemblait ce journal à l’époque ?
À un fanzine ! J’ai pris mon courage à deux mains pour déposer quelques textes à Paringaux et à son équipe. Ils m’ont regardé goguenards, l’air de dire « un candidat de plus… ». Et à ma grande stupéfaction, ils étaient intéressés. Je me souviens avoir fait un bond par dessus la table basse, une voie s’ouvrait à moi.

Ces articles ont-ils une résonance particulière aujourd’hui ?
À l’époque j’étais super sérieux, déterminé à défendre la musique que je « représentais » et qui me semblait révolutionnaire. Je militais pour que les mecs qui écoutent Dire Straits écoutent aussi Joy Division. Mais c’était pas facile. Je rencontrais des gens qui avaient interviewé Jimi Hendrix… Pour eux, j’étais vraiment un petit merdeux à lunettes.

Vous défendiez aussi une certaine idée de la jeunesse. Un critique-rock doit-il forcément avoir moins de trente ans ?
Non. La question n’était pas d’être érudit. Il fallait surtout de la foi et du culot. D’ailleurs, je me suis toujours efforcé d’écrire d’une manière « classique ». Je voulais éviter toute forme de jeunisme. À 21 ans, on m’avait donné la parole, mais on pouvait me la retirer à tout moment. Il fallait faire vite.

Souhaitiez-vous marquer une rupture avec les aînés ? Oui. Le cliché du type assis dans un bar enfumé, une pin-up sur chaque genou et une bouteille de Jack Daniel’s à la main, ça m’exaspérait à fond. Tous ces mecs qui jouaient là-dessus pour faire rock’n’roll… Mais j’étais impressionné par ceux qui jouaient leur peau là-dedans. J’en croisais certains à Pigalle ou devant chez New Rose, en me demandant si un an plus tard ils seraient toujours vivants. En même temps, ils étaient tous très sympas, ouverts, et ne méprisaient pas des positions plus intellectuelles.

N’êtes-vous pas du tout sensible aux mythes du rock’n’roll ?
Je pensais avoir manqué « l’âge d’or » de la musique en ne vivant pas celui des Beatles. Écrire nécessite une carence ou une faille. Si l’on estime que tout va dans le bon sens, on ne prend pas la plume. Je souhaitais témoigner du pourrissement de notre civilisation et défendre une nouvelle sensibilité artistique, dont le punk rock fut le point de départ. La new wave était également très excitante. Ce n’était pas une musique sinistre, mais au contraire très dynamique, très intense.

Vous avez d’ailleurs défendu Joy Division, notamment leur concert aux Bains-Douches, en 1979…
Si on croyait tous ceux qui racontent y avoir assisté, on remplirait deux Zéniths. Des concerts comme celui de Joy Division, il y en avait beaucoup aux Bains-Douches. Ils réunissaient entre 50 et 70 personnes à tout casser. Ce soir-là, on a reçu un coup sur la tête. Pourtant, le son était pourri. Ian Curtis donnait l’impression de ne pas vouloir être là et ça, c’était nouveau. Il y avait une naïveté, aujourd’hui perdue.

Y a-t-il des mouvements contemporains à côté desquels vous êtes passés ?
Oui, beaucoup ! Le funk, pour commencer. Mais aussi l’acid-house, la techno, les raves. J’avais déjà trente ans, et j’ai du mal à passer la nuit dehors. À part Public Enemy, je ne me suis pas beaucoup intéressé au hip-hop. Tout le monde à ses limites !

Depuis vos débuts, la critique rock a évolué, du fait notamment d’Internet.
Internet participe de la standardisation ambiante. Il y a comme une norme du « bon goût ». Ce qu’il faut avoir écouté, ce qu’il faut aimer ou rejeter. Il n’y a rien de plus chiant. Et puis, lorsque j’entends des trucs vraiment nuls, personne ne réagit. On est dans une espèce de qualité moyenne de tout. Ce n’est pas internet qui a « tué » la musique et la critique, mais la consommation. Une musique superficielle inspire une critique superficielle.

à lire / In A Lonely Place : Écrits Rock (Le Mot Et Le Reste, 328p., 23€)

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