L’apprentissage

La mise en scène, sobre, épouse le regard du jeune protagoniste. Le film capte avec délicatesse les silences lourds de sens, les gestes du quotidien sur les chantiers, l’évolution de la lumière au fil des heures. Il y a dans Enzo une beauté brute, presque documentaire, transcendée par la justesse émotionnelle. Sans rebondissements majeurs, ce film parle avant tout d’apprentissage. Celui d’un métier, certes, mais surtout de la vie. À la fin, on quitte ce jeune homme un peu bouleversé. Parce que cette histoire simple défend l’idée que, parfois, il faut désobéir pour enfin exister.

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Votre film épouse-t-il la trame du livre ?
Dans le livre, Maddy, la cinquantaine, retrouve également ses écrits de jeunesse. Mais ses souvenirs de lutte s’étaient un peu évaporés. On a donc tenté, avec mon co-scénariste Romain Campillo, de trouver le juste milieu entre le souvenir et l’immédiateté. De plus, le récit de Joyce Carol Oates m’intéressait pour les correspondances avec notre époque actuelle. Notamment la manière dont l’idéalisme d’un personnage se heurte à la puissance du réel, et la violence faite aux opprimés.

Comme dans Entre Les Murs, on retrouve des adolescentes…
Oui, leur énergie est très stimulante pour un réalisateur. J’aime explorer cette période de la vie, où l’on n’a pas encore tous les outils pour appréhender le monde. Ici, on assiste à la naissance d’une conscience politique chez ces jeunes filles qui n’ont jamais entendu parler du féminisme.

Comment avez-vous choisi vos interprètes ?
À Toronto, on a fait passer des essais à de nombreuses jeunes filles croisées un peu partout. Il fallait qu’elles soient à l’aise devant la caméra, mais aussi qu’elles fonctionnent bien ensemble. La question de la bande et de la place qu’on y occupe est un thème constant dans mon cinéma.

Vous avez très souvent recours à des interprètes amateurs, pourquoi ?
Je pense que je m’ennuierais avec des acteurs dont je sais ce que je peux attendre. Les amateurs apportent leur générosité et leur expérience de vie. Et puis, c’est aussi un plaisir de chercher des actrices, craindre que ça ne marche pas, rechercher la justesse ! Que va-t-il se passer quand on lancera la caméra ?

Justement, comment avez-vous tourné ?
Avec deux caméras et de longues prises, ce qui offre le luxe de laisser les choses arriver. On reste dans l’énergie. Les actrices vivent plus la scène qu’elles ne la jouent.

Comment avez-vous choisi le lieu de tournage ?
On a eu la chance de trouver une petite ville préservée, à 800 kilomètres au nord de Toronto. Certaines rues n’ont guère changé depuis les années cinquante ! C’était les décors que j’imaginais à la lecture du livre. Je me suis alors autorisé des mouvements de caméra à 360°, sans me retrouver coincé par des voitures, des buildings… Même si Foxfire a la couleur d’un film d’époque, je n’ai pas prêté une attention maniaque à la reconstitution des années cinquante.

Pourquoi pas une transposition de nos jours, dans ce cas ?
Parce que les années cinquante incarnent la période du Rêve américain, où tout semblait possible. Je m’intéresse aux laissés-pour-compte de ce rêve. Je souhaitais réaliser un objet hors du temps. Ainsi, la violence faite aux femmes demeure très actuelle. Je voulais montrer la continuité des luttes et des souffrances.

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Engagé
Ce souci de l’« humain », selon le terme d’Eric Miot, se retrouve jusque dans la programmation, engagée. En invitant Laurent Cantet et Costa-Gavras, il ne s’agit pas d’organiser un duel de Palme d’or (Missing, en 1982 et Entre Les Murs, en 2008), mais de proposer des films embrassant des sujets forts. C’est encore le cas en 2012 avec une rétrospective consacrée à l’Algérie, de la conquête coloniale à l’indépendance, présentant les points de vue algérien et français. Arras n’oublie pas non plus son rôle de défricheur, grâce à une sélection d’inédits d’Europe de l’Est et du Nord, dont il favorise la distribution. On peut donc apprécier la fête, sans oublier le cinéma.

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