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Bonne étoile – « Tout allait bien, on produisait du haut de gamme mais ma vraie percée, celle dont tout le monde a besoin dans l’industrie, eut lieu avec les Smiths ». Rough Trade, le label du groupe mancunien, avait réservé le studio un week-end. « Mon manager m’a demandé si je pouvais m’en occuper. J’ai dit oui ! Et voilà comment nous avons enregistré Heaven Knows I‘m Miserable Now et Girl Afraid en 1984. J’ai tout fait pour les impressionner et leur ai laissé mon numéro de téléphone sans trop y croire… ». Quelques mois passent, puis Rough Trade l’appelle : les Smiths cherchent à produire leur deuxième album avec quelqu’un de confiance. « C’était ma chance. Tellement excitant pour moi de travailler avec eux. On était comme des gamins du même âge dans un magasin de bonbons sans adultes autour de nous ». Cette collaboration durera jusqu’en 1987 et la sortie de leur ultime disque, Strangeways, Here We Come. Observer, « attraper le bon son », influencer la musique comme un membre de l’équipe et finalement co-produire, tel est le but de Stephen. « Bien sûr, il faut ressentir un lien émotionnel et stylistique avec les morceaux en question. Je ne bosse qu’avec des groupes que j’aime et auxquels je peux apporter quelque-chose ».

Viva Morrissey – « Quand les Smiths se sont séparés, j’ai décidé d’envoyer mes chansons à Morrissey ». Stephen savait que le chanteur et Johnny Marr ne fonctionnaient pas de manière conventionnelle. Johnny composait de son côté et donnait ses cassettes à Morrissey qui y ajustait ensuite des textes extraits de ses carnets. Stephen soumet donc un de ses enregistrements au grand homme… qui accepte de sortir son premier album solo avec lui ! « J’ai tout laissé tomber pour me consacrer à ce qui allait devenir Viva Hate. Le succès fut immédiat et je me souviens de l’entrée au hit-parade de Suedehead, le jour de la naissance de mon fils aîné, le 21 février 1988 ». Hélas, les deux hommes se brouillent pour des histoires de royalties. Stephen crée alors son propre label – Foundation -, distribué par Rough Trade. « Ce n’était pas le bon moment, on était en pleine récession à la fin des années 80. L’industrie implosait, Rough Trade allait mal… J’avais investi mon propre argent et ça ne marchait pas. A un moment, j’ai dit stop ».

Le petit groupe qui monte – Le Londonien n’est pas misérable pour autant. Après avoir produit le premier opus des Cranberries, qui reste son plus grand succès international, il s’intéresse surtout à un petit nom qui monte : Blur. « Leur single She’s So High m’a vraiment séduit. J’ai tout de suite vu qu’ils avaient quelque chose… ». Damon Albarn et ses comparses acceptent de rencontrer Stephen dans un pub de l’ouest londonien. « On s’est très bien entendus, on a fait une session test en studio et There’s No Other Way est sorti ». Certes, la maison de disques de Blur retient un autre producteur pour le deuxième album mais Stephen ne lâche pas l’affaire. « J’ai parlé avec Graham Coxon au détour d’un concert. Il doutait et avouait que ce dernier enregistrement s’était mal passé… ». Stephen le rassure et quelques jours plus tard, Damon Albarn lui demande de réaliser le fameux Parklife. La magie opère de nouveau : « J’étais encore plus connecté avec eux qu’avec les Smiths. Comme moi, ils sont de Londres, on sortait ensemble, Graham est devenu un très bon ami. On pouvait faire n’importe quoi, ça sonnait toujours de manière unique. Damon est à un tel niveau… ». Mais après avoir produit les mythiques Parklife (1994), The Great Escape (1995) et Blur (1997), l’aventure s’interrompt à nouveau… avant un retour en force en 2015 à la faveur de The Magic Whip.

Pete, Aline et les autres… – Parmi les artistes épaulés par Stephen, Pete Doherty tient une place particulière. « J’ai beaucoup d’affection pour lui. C’est un être humain merveilleux et un compositeur fantastique. Le problème avec Peter, c’est son style de vie et tous ces “vampires” qui l’entourent. J’ai essayé de le soutenir mais ce n’est pas facile. Parfois, on voit dans ses yeux qu’il lutte pour survivre ». Avec Doherty, Stephen se remet à la guitare, inclut Graham Coxon et le trio part en tournée. « C’est ainsi qu’à 50 ans je me suis retrouvé à jouer sur scène à Glastonbury ! ». Côté français, c’est pour les Marseillais d’Aline que Stephen a craqué. « Ce sont eux qui m’ont approché. D’habitude je ne travaille pas avec des groupes étrangers car je tiens à comprendre les paroles ! Mais j’ai fait une exception car leur son me plaisait et j’aime les voix françaises sur la pop ». L’enregistrement se déroule à Bruxelles, et accouche du très réussi La Vie électrique. « La France m’intrigue musicalement. Il y a tellement d’influences. Le reggae par exemple : chez vous c’est toujours en vogue alors qu’ici on n’en entend plus. Et puis il y a l’influence anglo-saxonne, africaine et des groupes comme Daft Punk, Air… Je pense que c’est une scène saine : le public est très positif en concert. A Londres, il peut être très cynique ».

Les temps changent – Stephen ne rêve pas d’une collaboration avec un artiste précis. « Je cherche surtout de nouveaux talents et c’est d’ailleurs pour ça que je suis connu ! En ce moment je bosse avec le prometteur Tibet ». Mais les temps ont changé et le métier de producteur est en voie de disparition. « Les ventes de disques sont tellement faibles aujourd’hui que les budgets de production sont eux-mêmes insignifiants ». Il ajoute que de plus en plus de musiciens arrivent en studio avec des maquettes élaborées « à la maison » grâce aux nouvelles technologies, et ont seulement besoin d’un ingénieur pour mixer le tout… Toutefois, Stephen garde son éternelle fraîcheur, à l’affût d’un nouveau magasin de bonbons à dévaliser !

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Votre regard et votre discours ont-ils changé ?
M : Chacun a suivi un parcours différent, artistiquement et dans sa propre vie. J’ai eu deux enfants, ça m’a pas mal bousculé. Mais le monde et la société n’ont pas beaucoup évolué, tout a juste empiré. En réécoutant l’album, j’ai été frappé par l’actualité des textes.
R : Nos regards n’ont pas tant divergé. Le mien s’est même durci : les vautours me font encore plus vomir, les pigeons encore plus frémir et les hirondelles encore plus rêver !

Avez-vous été sollicités par l’industrie « mainstream » suite à la réputation acquise par l’album ? Entendre Zazie s’extasier sur vos textes lors de votre passage live à Nulle Part Ailleurs vous avait-il amusé ?
M : à l’invitation de Noir Désir, nous avons fait quelques grosses scènes. Nous étions parfois très bien accueillis, parfois rejetés. Entre Dolly et FFF, Diabologum c’était un peu bizarre… Mais on aimait bien ça, c’était tellement martien. Zazie nous a fait la bise avant cette émission, je pense que c’est le contact le plus proche que nous ayons eu avec le mainstream français de l’époque.
R : Avant de rencontrer Zazie dans le mainstream, je ne connaissais que Zazie dans le Métro, j’ai préféré la première ! Nous étions des ovnis, musicalement et socialement, au sein d’une scène française déjà très policée.

Deviniez-vous que ce disque serait le dernier et qu’il marquerait autant les esprits ?
M : Son retentissement dès la sortie nous a surpris. Nous pensions qu’il serait rejeté à cause de sa noirceur. Je n’imaginais pas qu’il deviendrait une référence du rock français. Quelques mois avant notre séparation, nous parlions encore d’un nouvel album, toujours à écrire, composer et enregistrer – en témoigne le disque de bonus de la réédition. Mais il y avait des tensions amplifiées par la fatigue. Ça n’a pas été facile de construire autre chose ensuite avec d’autres artistes, puisqu’on nous ramenait toujours à Diabologum. Mais, 18 ans plus tard, c’est un plaisir d’en parler avec autant de passion.

Cover #3 © Diabologum

Le style revêche de #3 a «fait école», pour le meilleur (Dominique A) et pour le pire (Fauve ?)… Quel regard portez-vous sur une certaine descendance ?
M : Pas mal d’artistes ont été influencés par Diabologum, certains ont l’honnêteté de le dire. Quand l’influence est bien digérée, au service d’une forte personnalité, ça me fait plaisir.
R : Ce qui m’a marqué chez Fauve, c’est la ferveur de son jeune public et le magnétisme existant entre eux. Malheureusement, c’est très pauvre scéniquement, mis à part le spoken guy, et musicalement très éloigné de Diabologum.

La formation de Michel Cloup Duo a-t-elle représenté un nouveau départ ?
M : C’était surtout l’idée de s’assumer sous son propre nom, d’en finir avec cette idée de groupe tel que je l’avais vécu entre 1990 et 2010. Un peu comme se mettre à poil et se balader dans la rue (en moins pénible, quand même). D’ailleurs, je prépare un nouvel album.

Peut-on s’attendre à une tournée ?
M : Nous n’allons pas refaire de concerts de Diabologum, mais une performance, pour 6 personnes par soir : « Dîner de cons ». Une soirée intime avec nous, un repas que nous aurons cuisiné, avec des boissons et de la musique que nous aurons choisies. Une alternative à ces reformations ennuyeuses jouant sur le porte-monnaie et la nostalgie des quadras – et, je précise, les cons c’est nous !

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