LM magazine » Keith Haring

Pop Masters

Julien Damien — Sat, 30 Apr 2022 23:44:22 +0000

Courant artistique majeur de la seconde moitié du xxe siècle, né avec la société de consommation et la communication de masse, le pop art n’a peut-être jamais été aussi en vogue – et pour cause. Installée sur la Grande-Place, cette exposition dévoile 150 affiches originales des trois maîtres du genre : Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Keith Haring. Ces pièces d’exception sont issues des collections du Musée des arts et métiers de Hambourg, en Allemagne, et certaines n’ont jamais été montrées en Belgique. Des images culte, comme les célèbres Campbell’s Soup Cans de Warhol ou Crack is Wack de Keith Haring, fresque dénonçant les ravages de la cocaïne, côtoient des créations moins connues. Au fil de ce parcours thématique (un espace, un artiste) sont ainsi révélées des œuvres commandées par des institutions culturelles dès les années 1960 (théâtres, festivals de cinéma, opéras…) ou des mouvements politiques. On découvre par exemple une série de posters aux couleurs acidulées signées Keith Haring à l’occasion du Montreux Jazz Festival, ou un ticket géant demandé par le Lincoln Center for the Performing Arts à Andy Warhol. Enfin, ce Tintin Reading, réalisé par Roy Lichtenstein en 1993 selon la fameuse technique du point Ben-Day, fait figure de joli clin d’œil à la patrie d’Hergé.

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Keith Haring

Julien Damien — Thu, 02 Jan 2020 12:30:41 +0000

Comment résumer le style de Keith Haring ? C’est un grand collage de beaucoup de choses. Il utilisait énormément de références à l’histoire de l’art : les hiéroglyphes égyptiens, l’art aborigène… Il fut traversé par nombre de courants qu’il se réappropriait tout en créant son propre langage, servi par cette ligne continue propre à la BD qu’il a découverte enfant, et qui ne le quittera jamais.

Quelle était sa principale ambition ? Créer un art public, comme Fernand Léger qui déclarait : “le beau est partout”. De la même façon Keith Haring proclamait : “Art is for everybody”. Et il l’utilisera comme un médium pour véhiculer des messages très forts. C’était un artiste activiste, le porte-parole de la société. Ses sujets sont assez sombres mais traités avec beaucoup d’humour. Il dénonçait la guerre, l’escalade nucléaire, le racisme, l’homophobie ou l’apartheid et prônait la libération des corps et des âmes. Son “radiant baby” est par exemple un symbole de vitalité. Keith Haring aimait intensément la vie, et pour lui elle devait s’exprimer sans aucune obstruction. Son engagement auprès d’Act Up fut essentiel, comme le montre cette exposition. A cette époque, au début des années 1990, Reagan était président des Etats-Unis et son message à propos du sida très simple : arrêtez de faire l’amour. Keith Haring dévoilait lui sa propre sexualité dans ses dessins, et a cassé de nombreux tabous. Il a envoyé un message très fort à la prochaine génération, l’exhortant à trouver des remèdes tout en continuant à s’assumer et à faire l’amour : beaucoup de gens ont survécu grâce à cela. D’une certaine manière, l’art peut donc sauver le monde.

Comment est née cette exposition ? Suite à celle que nous avions consacrée à Fernand Léger il y a deux ans. Face à une de ses toiles réalisées à New York, représentant des corps entremêlés dans une piscine publique (Les Grands plongeurs), j’ai tout de suite pensé à Keith Haring. Et comme lui, Bozar défend cette noble idée que l’art s’adresse à tous.

Keith Haring Drawing Series January 1982
© Joseph Szkodzinski 2019

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Darren Pih

Julien Damien — Thu, 02 Jan 2020 12:15:06 +0000

Comment définir la signature de Keith Haring ? C’est une synthèse de styles. Keith Haring était une éponge. Il absorbait le hip-hop, le pop art, des formes anciennes comme la calligraphie ou l’art aborigène afin de les rendre accessibles au sein d’un langage universel, communiquant sur des sujets importants de son époque. D’une certaine façon, son travail symbolise l’énergie culturelle des années 1980 et résume visuellement les Etats-Unis.

Quelle était sa principale ambition ? Keith Haring défendait fermement l’idée que l’art ne doit pas être confiné et s’adresse à tout le monde. Il offrait ainsi son travail dans la rue ou sur les murs du métro de New York. Il appréhendait l’espace public comme une galerie, un studio pour partager ses messages. Il n’était pas à proprement parler un graffeur mais demeure un pionnier du street-art.

Peut-on le qualifier d’artiste engagé ? Oui, c’était d’ailleurs un précurseur. Il luttait contre le racisme, l’homophobie, la guerre et voulait construire des ponts entre les gens. Il était fondamentalement optimiste, aimait la vie, alors même qu’il était séropositif. Il militait au sein d’Act Up pour la recherche et l’élévation de structures médicales afin de changer la perception que les gens avaient alors du sida.

Quelles seraient vos œuvres préférées ? Tout son travail effectué dans le métro de New York. Keith Haring a réalisé des milliers de dessins à la craie, aux heures de pointe et gratuitement, sur les panneaux publicitaires laissés vacants. Nombre d’entre eux ne sont d’ailleurs pas signés, n’étant pas destinés à la vente. Ils étaient juste réalisés pour les gens. Keith Haring souhaitait communiquer simplement et directement sur des sujets importants avec ses contemporains. Il cherchait des plateformes pour véhiculer des messages sociaux : la rue, ses Pop Shops… Vous n’aviez alors pas besoin de vous rendre dans une galerie ou dans un musée pour découvrir ses peintures. S’il était encore vivant, je suis sûr qu’il utiliserait Instagram.

Keith Haring Drawing Series January 1982
© Joseph Szkodzinski 2019

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Keith Haring

Julien Damien — Wed, 01 Jan 2020 05:15:06 +0000

Art is for everybody. Inscrite en lettres chromées dès l’entrée du parcours, cette citation de Keith Haring donne le ton. Celui d’un génie qui fut la quintessence même de l’artiste pop. Né en 1958 en Pennsylvanie (comme son mentor Andy Warhol), il grandit à Reading, « une petite ville ouvrière très religieuse et conservatrice », resitue Alberta Sessa, co-commissaire de l’exposition. Fan de BD et en particulier de Mickey et toute sa clique, son père l’initie très jeune au dessin. C’est sa première influence. « Cette ligne continue et ces contours simples ne le quitteront jamais ». En 1977, il s’inscrit à la Ivy School of Professional Art de Pittsburgh, découvre Dubuffet, Fernand Léger (pour qui la beauté était partout…) et une exposition du Belge Pierre Alechinsky. « On ne le dit pas assez, mais c’est une immense révélation, l’abstraction lui apparaît dès lors comme une voie riche de possibles ». En témoigne l’une de ses toutes premières œuvres où son style, à la fois abstrait et figuratif, bouillonne déjà, comme la pureté de son trait. « Il est effectué d’un seul geste, sans préparation, rature ni coulure. Pour lui la peinture était une performance. Il parlait d’ailleurs de “flow”, à la façon des rappeurs ».

Untitled, 1981, Sumi ink on paper, 95,3 x 125,7 cm © Keith Haring Foundation, Private collection, courtesy Martin Lawrence Galleries

Melting potes

A la fin des années 1970, le jeune homme débarque à New York. Un second choc. « Il est alors fasciné par ce fourmillement humain et la géométrie de l’urbanisme ». Keith Haring esquisse des cités imaginaires. Au sein de la School of Visual Arts, il découvre la sémiotique popularisée par William Burroughs, s’amuse à travers moult collages de mots découpés ici et là pour en livrer un tout autre sens. Sa signature se met en place. La Grosse Pomme achève sa formation. C’est alors une ville sale et dangereuse, frappée par la crise économique, mais aussi en pleine effervescence. Nous sommes à l’époque du punk, du disco, des débuts du rap, une scène dont il était proche, participant aux block parties et invitant même Afrika Bambaataa à ses vernissages. Haring est à la fois partout et nulle part. « C’était une éponge, explique Darren Pih, curateur à la Tate Liverpool. Il absorbait le hip-hop, le graff, le pop art, les formes anciennes comme l’art aborigène ou les hiéroglyphes égyptiens, afin de les rendre accessibles via un langage universel ».

Hey, baby !

Son premier terrain de jeu, c’est le métro. Il dessine à la craie sur les panneaux publicitaires souterrains, entre deux campagnes d’affichage, et travaille « aux heures de pointe ». La grande ambition de Keith Haring, c’est de créer un art public, « de combler le vide entre la rue et les galeries ». Il n’est certes pas graffeur, mais l’un des pionniers du street art. Ses fresques deviennent vite célèbres (et lui valent quelques arrestations). Les New-Yorkais découvrent son alphabet, constitué de personnages récurrents, comme le chien (aboyant pour attirer l’attention ou exprimer sa colère), l’atome (traduction de sa peur de l’apocalypse nucléaire) ou le fameux “radiant baby”, son logo préféré. « C’est l’expérience la plus positive, la plus pure de l’existence humaine », disait-il. « C’est aussi un symbole de vitalité, ajoute Sophie Lauwers, directrice de Bozar. Keith Haring aimait profondément la vie, et la fête ».

Pour preuve cette section consacrée au clubbing. Le peintre est installé dans l’East Village, ardent repaire d’artistes (tel son ami Jean-Michel Basquiat). Ses nuits sont ponctuées de grandes noubas, notamment au Club 57, une boîte nichée dans la cave d’une église (!). Entre défilés de mode et cabarets queers, Madonna y donne ses premiers concerts, Grace Jones côtoie Warhol (qui immortalise ici Keith Haring peignant le corps de la “panthère noire”). C’est d’ailleurs en suivant les conseils de ce dernier qu’il inaugure ses Pop Shops aux quatre coins du monde, soit des magasins où l’on trouvait des t-shirts, casquettes arborant ses créations, et même des fringues signées Vivienne Westwood. Le tout à prix cassés. « Pas forcément pour gagner de l’argent, plutôt pour démocratiser sa production ».

The Message

Au-delà de la forme, le fond est percutant. « L’icône pop devient rapidement un activiste, le porte-parole de la société américaine », poursuit Sophie Lauwers. Ses oeuvres sont colorées, drôles, mais les sujets graves, reflets d’une époque en plein tourment. Keith Haring dénonce l’apartheid, le racisme, l’homophobie, l’escalade de l’armement nucléaire… La toxicité de la télévision aussi, qui vide les esprits, à l’image de cette femme berçant son enfant, mais dont la tête est un écran diffusant son propre cerveau (un tableau plus actuel que jamais…).

Libération

Et puis, bien sûr, il y a son combat contre le Sida. Atteint du VIH, Keith Haring s’impose comme une figure de proue d’Act Up. Il affirme, revendique son homosexualité, libérant les corps et les âmes. « Nous sommes dans les années 1990, Reagan est président des Etats-Unis, et son discours à propos du Sida est simple : “arrêtez de faire l’amour”. Keith Haring lui oppose tout le contraire, défendant l’importance de la sexualité. Il dévoile la sienne dans ses dessins, brise les tabous et en envoie un message aux générations futures, les exhortant à se protéger et trouver des remèdes pour s’aimer librement ». Ses dernières créations sont plus sombres. Sexes brandis comme des armes, pleurs… Les couleurs s’obscurcissent, se teintent de rouge sang, à l’instar de cette scène de fête siphonnée par un trou noir. L’artiste n’est pas épargné par la maladie, et s’éteint le 16 février 1990. « Mais nous ne voulions pas terminer sur cette note triste », insiste Alberta Sessa. L’ultime salle de l’exposition se concentre ainsi sur des toiles exécutées dans les boîtes de nuit, à la peinture fluo. Comme lui, elles brillent dans l’obscurité.

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Molly Prentiss

manager — Fri, 01 Jul 2016 06:27:40 +0000

Sud de Manhattan, années 1980 : l’art jaillit sous toutes ses formes. Basquiat et Haring ne sont que des étoiles montantes… Des galeries chics aux squats foutraques, le critique James Bennett est de ceux dont l’avis compte. Un soir de réveillon, il aperçoit le peintre Raul Engales, qui a fui la dictature argentine pour se réfugier à New York. Rapidement, le destin des deux hommes se retrouve lié par de tragiques circonstances… Molly Prentiss éblouit par son sens de l’image, superbement déployé dans les descriptions du personnage de James Bennett, atteint de synesthésie. Les couleurs explosent en bouche, les toiles diffusent de suaves effluves, et la jeune Américaine se hisse, en un seul roman, au rang des plumes à suivre de très près.

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