Tout ne fut pour autant pas si facile… Effectivement, les débuts ont été très laborieux. L’Etat était très hésitant, allouant des financements avec parcimonie, et la Région dans l’attentisme car c’était le commencement son engagement culturel. Jusqu’en 1982, il a fallu se battre pour trouver des fonds, la maison a failli disparaître…

Pourquoi ce nom, la Roses des Vents? C’était celui de l’association qui devait être le support juridique de cette salle. Elle s’appelait ainsi parce qu’il n’y avait rien autour, si ce n’est un champ, donc le bâtiment était ouvert à tous les vents…

Quel fut le premier spectacle joué ici ? C’est Jacques Rosner qui a lancé la première saison avec  La Double inconstance de Marivaux, en octobre 1976.

Ensuite, comment la Rose a-t-elle résisté ? Elle a traversé d’autres crises, financières notamment, mais fut pérennisée en devenant centre d’action culturel, en 1982, donc financée par le ministère. Il y eut, toutefois, une crise interne: la mairie et l’Etat reprochant au directeur de l’époque, Pierre-Etienne Heymann, de concentrer la programmation sur ses créations personnelles. Il démissionna en 1984 et c’est Pierrette Garreau qui lui succéda. Je suis arrivé en 1988 et la Rose est devenue Scène nationale en 1991. Quand je me plonge dans cette histoire, je suis frappé par la capacité de cette maison à résister, se renouveler et se réinventer.

Justement, quelle fut cette évolution ? Il y a une constante très forte : la priorité donnée au théâtre – même si j’ai ensuite mis l’accent sur la danse. Il y a toujours eu, aussi, cette idée que la Rose devait être un lieu consacré à la diffusion plus qu’à la création…. du moins jusqu’à l’émergence des Scènes nationales. A partir des années 1990, nous avons insisté sur la production et le soutien aux artistes comme l’exigeaient nos nouvelles missions.

En quoi la Rose des Vents est-elle singulière ? Elle est plus proche de Bruxelles que de Paris et a de ce fait toujours été attentive à la création belge. D’abord avec la Wallonie, jusqu’au milieu des années 1990 et la forte inflexion que j’ai portée en réorientant complètement le projet autour de la question du corps, du métissage des formes, en particulier avec les Flamands.

Pourquoi ? Il y a eu une extraordinaire explosion artistique en Flandres. Ce fut une chance formidable pour notre maison. On se situe juste à côté de ce que j’appelle “le triangle d’or de la création européenne”. Il y a aussi un homme qui a joué un rôle important dans notre évolution, c’est Jean-Michel Rabeux. Il a fait la jonction entre ce que nous défendions : un théâtre d’auteur, autour de la question du mélange des genres, et la place des corps sur le plateau. Mon intérêt pour Lauwers, Platel, Fabre vient aussi de ces questionnements.

En quoi l’approche artistique des Flamands vous a-t-elle séduit ? Leur jeu est extrêmement engagé, physique, et je ne parle même pas de la danse, mais du théâtre ! Très longtemps, l’acteur français n’était qu’une voix, sans corps ni sexe… C’est brutal de le dire comme ça, mais je voulais en finir avec l’académisme.

C’est-à-dire ? A la fin des années 1990, il y a eu un terrible essoufflement du théâtre français. J’ai donc eu besoin de trouver de l’air et je l’ai trouvé grâce à ces artistes flamands qui nous ont aussi ouverts au reste du monde. Notre programmation internationale s’est vraiment construite à ce moment-là. Aujourd’hui ce mélange des formes, cette volonté de briser les cadres a gagné pas mal de scènes régionales (l’Opéra de Lille, l’Hippodrome à Douai…). Elle est aussi l’une des raisons profondes du renouvellement du théâtre français qui a été très marqué par cette transdisciplinarité :  la mixité avec la danse, la question du corps, du jeu de l’acteur…

Quels sont vos partis-pris en terme de programmation ? J’aime beaucoup cette formule que nous avions trouvée avec Jean-Michel Rabeux : “Montrer des spectacles improbables à un public tout aussi improbable“. Nous tenons à montrer des choses surprenantes, un mélange entre danse et théâtre, mais en tenant compte du public, qu’il soit le plus divers possible, c’est une de nos religions. C’est un jeu d’équilibriste. Une chose me tient toutefois à cœur : créer pour chaque spectateur une mémoire, je veux que les gens se souviennent toute leur vie d’avoir vu, par exemple, Orestie de Romeo Castellucci (avec Strasbourg, on était les premiers à l’accueillir il y a 20 ans).

Quels sont les moments forts que vous retenez, vous-même ? Cette complicité avec Jean-Michel Rabeux qui a vraiment marqué l’histoire de la maison et, même s’il n’est plus artiste associé, cette relation perdure. Nous avons aussi participer à Theorem, un projet de Bernard Faivre d’Arcier. Nous étions ainsi une dizaine de théâtres européens à soutenir, après la chute du mur de Berlin, l’émergence des jeunes générations en Europe centrale et de l’est, des gens comme Warlikowski… Ensuite, je reste marqué par le premier spectacle d’Alain Platel, les solos de Jan Fabre, puis la création du festival Scènes étrangères en 2000 et la cristallisation d’une programmation internationale qui a ensuite donné naissance à Next. Enfin il y a ce public, évidemment. Quand je suis arrivé on ramait, et aujourd’hui les salles sont pleines…

Quels seront les spectacles à ne pas rater lors de cette saison anniversaire ? Bien évidemment, la reprise par Wim Vandekeybus de In Spite of Wishing and Wanting. Il y a aussi un spectacle que je voulais absolument inclure dans cette programmation avec le Théâtre du Nord : Iphigénie en Tauride de Jean-Pierre Vincent, parce que c’est l’un des derniers grands maîtres du théâtre français. Sans oublier, bien-sûr, Next, le retour de Peeping Tom, Josse de Pauw…  et aussi une jeune metteure en scène wallonne, Sylvie Landuyt, avec son spectacle Elle(s)… bref ça reste très belge tout ça ! Citons enfin la création d’Antoine Lemaire, Nous voir nous… car nous avons toujours assuré notre rôle de soutien à la création régionale.

Quels sont vos projets ? On travaille actuellement, non pas à une fusion mais à un rapprochement avec le Théâtre du Nord, pour mettre en commun nos missions autour de la création et du soutien aux jeunes artistes. Nous souhaitons travailler ensemble sur de grands échanges internationaux. En joignant nos forces on peut faire mieux, notamment en soutenant un projet d’exportation des compagnies de toute la région, en France et à l’étranger.

40 ans, c’est l’âge de … ? C’est d’abord celui de la maturité, d’un enracinement dans le territoire mais aussi dans le paysage national, européen.  C’est aussi l’âge du questionnement sur le futur. Le monde change, les pratiques et formes artistiques aussi et notre maison continue de s’interroger, comme elle l’a toujours fait, sur ce que peut être le théâtre du XXIe siècle. On sent bien, par exemple, qu’on peut aller plus loin avec les arts plastiques, l’image, la vidéo… Et puis l’un de nos grands défis consiste en la rénovation de ce bâtiment. Le projet a du mal à émerger mais il y a en tout cas une volonté forte de l’Etat.

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Entrons dans la danse

Nous sommes au mitan des années 1990. Notre homme commence à s’ennuyer devant le théâtre contemporain français, qu’il juge trop « académique ». Il souhaite redonner « corps, au sens littéral du terme, à ce que l’on présente sur le plateau ». Il y injecte de la danse. Cette « bouffée d’air », il la trouve de l’autre côté de la frontière, auprès des Flamands et leur jeu « extrêmement engagé, physique ». La Rose a cette particularité d’être plus proche de Bruxelles que de Paris – « on est à côté de ce que j’appelle le triangle d’or de la création européenne ». Voilà comment surgissent Alain Platel, Wim Vandekeybus, Jan Fabre… « Cette explosion artistique extraordinaire en Flandres fut une chance pour cette maison, et explique ce qu’elle est devenue. Ces créateurs hors-norme nous ont ouvert au reste du monde ». Une « recherche de formes nouvelles, mêlant les disciplines », dont le festival Next demeure un étendard. Le cap ? « Montrer des spectacles improbables à un public tout aussi improbable ». Voilà qui ne manque pas de piquant.

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